ПРОГРАММА
Концерт
Концерт оркестра musicAeterna: Моцарт. Бетховен
11.06 чт
19:00

Концерт оркестра musicAeterna: Моцарт. Бетховен

Большой зал Пермской филармонии

подробнее
Концерт оркестра musicAeterna: Моцарт. Бетховен
12.06 пт
19:00

Концерт оркестра musicAeterna: Моцарт. Бетховен

Большой зал Пермской филармонии

подробнее
«Гармония вечера» | Harmonie du soir
12.06 пт
23:00

«Гармония вечера» | Harmonie du soir

Частная филармония «Триумф»

подробнее
«Душа грустит о небесах»
13.06 сб
18:00

«Душа грустит о небесах»
Концерт хора Пермского театра оперы и балета

Органный зал

подробнее

Большой зал Пермской филармонии

ул. Куйбышева, 14


Концерт оркестра musicAeterna: Моцарт. Бетховен

Людвиг ван Бетховен (1770–1827)
Симфония № 4 си-бемоль мажор, op. 60 (1806) 

Adagio – Allegro vivace
Adagio
Allegro vivace
Allegro ma non troppo

Вольфганг Амадей Моцарт (1756–1791)
Симфония № 41 до мажор, «Юпитер», KV 551 (1788)

Allegro vivace
Andante cantabile
Menuetto: Allegretto
Molto allegro

Исполнители:
Оркестр musicAeterna
Дирижер Теодор Курентзис


Продолжительность: 1ч. 40 мин., с антрактом

12+

Дягилевский фестиваль откроется двумя выступлениями оркестра musicAeterna под управлением Теодора Курентзиса. В программе – симфонии № 4 Бетховена и № 41 «Юпитер» Моцарта. В этой программе musicAeterna композиторы-классики предстанут в не самых привычных «амплуа». Драматичный бунтарь Бетховен окажется мягким лириком и мастером идиллических жанровых картин, а изящный Моцарт раскроется как волевой художник-монументалист.

Четвертую симфонию Людвига ван Бетховена Роберт Шуман называл «стройной эллинской девушкой между двумя северными исполинами» («Героической» Третьей и драматичной Пятой), а Ромен Роллан сравнивал ее с «чистым цветком, хранящим благоухание самых ясных дней» в жизни Бетховена. Композиторы-романтики особенно любили этот цикл, возможно, за удивительное вступление к первой части: томительные блуждания в сумрачном си-бемоль миноре – темной тональности смерти – постепенно выводят «героя» к свету: мажорному сонатному аллегро. Второе мелодичное Adagio напоминает камерную романтическую песню. Жизнерадостный менуэт и стремительный финал словно перекидывают мост от симфоний позднего Гайдна к фантастическим скерцо Мендельсона и Берлиоза.

Моцарт в симфонии «Юпитер» вместо предромантического трепета – как в знаменитой 40-й симфонии, которая создавалась одновременно с 41-й, – воплощает героико-эпическую стихию в самом бетховенском смысле слова. Торжественная приподнятость музыки в сочетании с ювелирной контрапунктической выделкой и сложными композиционными приемами превращают этот самый крупный симфонический цикл Моцарта в гимн классицизму с его ясностью разума и бодростью духа.

подробнее

Большой зал Пермской филармонии

ул. Куйбышева, 14



Концерт оркестра musicAeterna: Моцарт. Бетховен

Людвиг ван Бетховен (1770–1827)
Симфония № 4 си-бемоль мажор, op. 60 (1806) 

Adagio – Allegro vivace
Adagio
Allegro vivace
Allegro ma non troppo

Вольфганг Амадей Моцарт (1756–1791)
Симфония № 41 до мажор, «Юпитер», KV 551 (1788)

Allegro vivace
Andante cantabile
Menuetto: Allegretto
Molto allegro

Исполнители:
Оркестр musicAeterna
Дирижер Теодор Курентзис


Продолжительность: 1 ч. 40 мин., с антрактом

12+

Дягилевский фестиваль откроется двумя выступлениями оркестра musicAeterna под управлением Теодора Курентзиса. В программе – симфонии № 4 Бетховена и № 41 «Юпитер» Моцарта. В этой программе musicAeterna композиторы-классики предстанут в не самых привычных «амплуа». Драматичный бунтарь Бетховен окажется мягким лириком и мастером идиллических жанровых картин, а изящный Моцарт раскроется как волевой художник-монументалист.

Четвертую симфонию Людвига ван Бетховена Роберт Шуман называл «стройной эллинской девушкой между двумя северными исполинами» («Героической» Третьей и драматичной Пятой), а Ромен Роллан сравнивал ее с «чистым цветком, хранящим благоухание самых ясных дней» в жизни Бетховена. Композиторы-романтики особенно любили этот цикл, возможно, за удивительное вступление к первой части: томительные блуждания в сумрачном си-бемоль миноре – темной тональности смерти – постепенно выводят «героя» к свету: мажорному сонатному аллегро. Второе мелодичное Adagio напоминает камерную романтическую песню. Жизнерадостный менуэт и стремительный финал словно перекидывают мост от симфоний позднего Гайдна к фантастическим скерцо Мендельсона и Берлиоза.

Моцарт в симфонии «Юпитер» вместо предромантического трепета – как в знаменитой 40-й симфонии, которая создавалась одновременно с 41-й, – воплощает героико-эпическую стихию в самом бетховенском смысле слова. Торжественная приподнятость музыки в сочетании с ювелирной контрапунктической выделкой и сложными композиционными приемами превращают этот самый крупный симфонический цикл Моцарта в гимн классицизму с его ясностью разума и бодростью духа.


подробнее

Частная филармония «Триумф»

ул. Ленина, 44


«Гармония вечера» | Harmonie du soir
Французская камерно-вокальная музыка конца XIX – начала XX веков

Исполнители:
Артисты Академии имени Антона Рубинштейна
Татьяна Бикмухаметова, сопрано
Юлия Вакула, меццо-сопрано
Ксения Дородова, сопрано
Диана Носырева, сопрано
Ивета Симонян, сопрано
Кирилл Павлов, фортепиано

Луиза Минцаева, арфа
Маргарита Галкина, флейта

Режиссер Елизавета Мороз

Вокальные педагоги, менторы Академии имени Рубинштейна: Дженнифер Лармор, Ирини Циракидис
Коуч по вокалу Андрей Немзер
Музыкальный руководитель программы Евгений Воробьев

Продолжительность: 60 мин.

16 +

Рубеж XIX-XX веков в европейской музыке – удивительное время, когда в одном концертном поле встречаются и существуют на равных самые разные стили и способы высказывания. В концерте артистов Академии имени Антона Рубинштейна этот эффект проявится в области французской классической песни.

От позднеромантических песен Камиля Сен-Санса, Габриеля Форе и почти забытого сегодня композитора трагической судьбы Анри Дюпарка к импрессионизму Клода Дебюсси, от неоклассической графичности Мориса Равеля к лукавым играм Эрика Сати – камерно-вокальная музыка Франции той поры особенно сложна для исполнения, но не для восприятия.

Этот тонкий, обаятельный, построенный на полутонах и намеках музыкальный мир будет воплощен в форме концерта-перформанса, режиссером которого выступает Елизавета Мороз. Артистки Академии имени Антона Рубинштейна рассказывают сквозную атмосферную историю о любви, красоте и мимолетности, в которую вольются сочинения Дебюсси и Сати для фортепиано и арфы соло.

Программа:

Анри Дюпарк (1848–1933)
L`invitation au voyage | «Приглашение к путешествию» для голоса и фортепиано на стихи Шарля Бодлера (1870)
Солистка – Диана Носырева

Морис Равель (1875–1937)
Chanson de la mariee | «Песня невесты», № 1 из цикла «5 греческих народных песен» для голоса и фортепиано, стихи народные, M. A 4 (1904–1906)
Солистка – Ксения Дородова

Морис Равель
Vocalise-étude en forme de habanera | Вокализ-этюд в форме хабанеры для голоса и фортепиано, M. 51 (1907)
Солистка – Юлия Вакула

Камиль Сен-Санс (1835–1921)
Guitares et mandolines | «Гитары и мандолины» для голоса и фортепиано на стихи собственного сочинения (1890), версия для голоса, арфы и флейты
Солистка – Татьяна Бикмухаметова

Клод Дебюсси (1862–1918)
Nuits d`étoiles | «Звёздная ночь» для голоса и фортепиано на стихи Теодора де Банвиля, L. 4 (1880), версия для голоса и арфы
Солистка – Ивета Симонян

Клод Дебюсси
Clair de lune | «Лунный свет», № 3 из Бергамасской сюиты для фортепиано, L. 75 (1890–1905)
Солист – Кирилл Павлов, фортепиано

Морис Равель
La flûte enchantée | «Волшебная флейта», № 2 из цикла «Шехеразада» для голоса и фортепиано на стихи Тристана Клингзора, М. 41 (1903), версия для голоса, фортепиано и флейты
Солистка – Юлия Вакула

Клод Дебюсси
Rondel chinois | «Китайский рондель» для голоса и фортепиано на стихи Мариюса Дилларда, L. 17
(1881)
Солистка – Ивета Симонян

Анри Дюпарк
Lamento для голоса и фортепиано на стихи Теофиля Готье (1883)
Солистка – Диана Носырева

Морис Равель
Kaddisch | Каддиш, № 1 из цикла «Две еврейские мелодии» для голоса и фортепиано, традиционный текст на арамейском языке, M. A 22 (1914)
Солистка – Ксения Дородова

Морис Равель
L'énigme éternelle | «Вечная загадка», № 2 из цикла «2 еврейские мелодии» для голоса и фортепиано, традиционный текст на идиш
Солистка – Татьяна Бикмухаметова

Эрик Сати (1866–1925)
Gymnopédie No. 1 | «Гимнопедия» № 1 из цикла «3 гимнопедии» для фортепиано, ES. 10 (1888), версия для арфы соло
Солистка – Луиза Минцаева, арфа

Клод Дебюсси
La Romance d'Ariel | «Песня Ариэля» для голоса и фортепиано на стихи Поля Бурже, L. 58 (54) (1884)
Солистка – Ивета Симонян

Эрнест Шоссон (1855–1899)
Le temps des lilas | «Время сирени» для голоса и фортепиано на стихи Мориса Бушора (1877)
Солистка – Диана Носырева

Габриэль Форе (1845–1924)
Apres un rêve | «Пробуждение», № 1 из цикла «Три песни» для голоса и фортепиано на стихи неизвестного автора в французском переводе Ромена Бюссина, op. 7 (1877)
Солистка – Татьяна Бикмухаметова

Камиль Сен-Санс
Tournoiement (Songe d’opium) | «Кружение (сновидение от опиума)», № 6 из цикла «Персидские песни» для голоса и фортепиано на стихи Армана Рено, ор. 26 (1870)
Солистка – Ксения Дородова

Клод Дебюсси
Beau soir | «Прекрасный вечер» для голоса и фортепиано на стихи Поля Бурже, L. 6 (1880/1890–1891), версия для голоса и арфы
Солистка – Юлия Вакула
подробнее

Органный зал

ул. Ленина, 51б


«Душа грустит о небесах»
Концерт хора Пермского театра оперы и балета

Главный хормейстер и дирижер Валерия Сафонова
Автор программы Виталий Жданов
Хормейстер Константин Погребовский

Продолжительность: 60 мин.

12+

Хор Пермского театра оперы и балета под управлением главного хормейстера Валерии Сафоновой представляет программу, охватывающую русскую музыку от Алексея Львова до Георгия Свиридова.

В концерте прозвучат преимущественно духовные сочинения. Рядом с фрагментами из «Всенощного бдения» Сергея Рахманинова будут исполнены традиционные песнопения русского и грузинского обихода на те же молитвенные тексты. В программу также включено духовное песнопение барочного скрипача и композитора Алексея Львова.

Светские произведения Валерия Гаврилина и Георгия Свиридова естественно вливаются в звуковую палитру концерта: их музыкальный строй и одухотворенные тексты наполнены теми же скупыми, но проникновенными красками, теми же высокими устремлениями, что составляют суть сочинений, предназначенных для исполнения в храме. Не случайно название программе дал именно хор Свиридова – «Душа грустит о небесах».

Программа:

Валерий Гаврилин (1939–1999)
«Белы белы снеги», № 16 из Симфонии-действа «Перезвоны» для солистов, большого хора, гобоя, ударных и чтеца (1982)
«Приидите, поклонимся» грузинского распева для мужского хора

Сергей Рахманинов (1873–1943)
«Приидите, поклонимся», № 1 из «Всенощного бдения», ор. 37 (1915)
«Богородице дево, радуйся», напев Вознесенского (кремлевского) монастыря для женского хора

Сергей Рахманинов
«Богородице дево, радуйся»,
«Благословен еси, Господи», № 6 и № 9 из «Всенощного бдения», ор. 37

Георгий Свиридов (1915–1998)
«Душа грустит о небесах» на слова Сергея Есенина (1967)

Алексей Львов (1798–1870)
«Вечери Твоея тайныя», песнопение литургии Великого Четверга

Георгий Свиридов
«У берега зеленого»,
«Часовая стрелка близится к полночи»,
«Любовь», № 2, № 3, № 4 из кантаты «Ночные облака» на слова Александра Блока (1981)
«Пречистая Дево», традиционная колядка

Сергей Рахманинов
«В молитвах неусыпающую Богородицу», хоровой концерт, TN 61 (1893)
«Тебе поем», № 12 из Литургии святого Иоанна Златоуста, ор. 31 (1910)

подробнее
«Еже от века таинство»
14.06 вс
17:00

«Еже от века таинство»
концерт духовной музыки

Органный зал

подробнее
«Сумерки» | Tenebrae
14.06 вс
22:15

«Сумерки» | Tenebrae

Архитектурно-этнографический музей «Хохловка»

подробнее
Дэвид Лэнг «писания» | the writings (Российская премьера)
15.06 пн
18:00

Дэвид Лэнг «писания» | the writings (Российская премьера)
хоровой цикл

Музей современного искусства ПЕРММ

подробнее

Органный зал

ул. Ленина, 51б


«Еже от века таинство»
концерт духовной музыки 

В программе:

Духовная музыка России и Европы XV-XVII веков

Исполнители:
Вокальный ансамбль «Узорика»

Варвара Котова
Варвара Синицина
Полина Терентьева
Евгения Савина
Анастасия Котова
Василиса Прошина

Продолжительность: 1 ч. 30 мин.

12+

Ансамбль «Узорика» создан в 2008 году, коллектив сосредоточен на исполнении русской духовной музыки допетровских времен и сопоставлении ее с европейской музыкой Средних Веков и Возрождения. Ансамбль сформировал собственную звуковую эстетику, основанную на соединении академического профессионализма с народной вокальной культурой. Тембровая терпкость и своеобразные вокальные приемы возвращают музыке, созданной до возникновения классических певческих школ, естественное звучание. Однородность ансамбля женских голосов позволяет гармонично исполнять произведения тех эпох, когда мужчины и женщины не пели вместе публично. Ансамбль постоянно сотрудничает с музыковедами-медиевистами, исполняя еще не опубликованные расшифровки и реконструкции, и уделает особое внимание Слову, имеющему первостепенное значение и в европейской, и в русской духовной музыке.

На Дягилевском фестивале «Узорика» исполнит программу, посвященную духовным песнопениям России и Европы XV-XVII веков. В обеих культурах это – время расцвета вокального многоголосия. Европейская часть программы составлена из произведений, написанных преимущественно в эпоху Ренессанса в технике полифонии строго стиля – одновременно сложной и прозрачной. В ней после столетнего увлечения исключительно изощренными композиционными техниками, композиторы, исполнители и слушатели вновь вернулись к слову, ясности и свету.

Русская музыка представлена песнопениями XVII века – это эпоха небывалого стилистического разнообразия богослужебной музыки. В храмах, на торжественных праздничных службах суровое диссонантное демественное и строчное многоголосие соседствовало с новейшими, появившимися под европейским влиянием партесными обработками знаменного распева и многочастными полифоническими концертами. В XVII столетии гармонизации древних распевов достигли пика своего развития, но в эпоху Петровских реформ исчезли из богослужебной практики.

Сегодня гимнография Древней Руси очень редко звучит в храмах и на концертных площадках, и концерт ансамбля «Узорика» – одного из немногих коллективов, посвятивших себя изучению древнерусского певческого искусства, – это необычный, редкий и ценный слушательский опыт.
подробнее

Архитектурно-этнографический музей «Хохловка»


«Сумерки» | Tenebrae

Автор Петр Айду
Куратор проекта Глеб Глонти
Художники — Саша Михалкова, Мария Дементьева

Продолжительность: 60 мин.

12+

Дягилевский фестиваль включает в свою орбиту Архитектурно-этнографический музей «Хохловка» в 40 километрах от Перми. В пространстве музея деревянного зодчества пройдет музыкальный перформанс Петра Айду «Сумерки» | Tenebrae. Петр Айду — композитор, пианист, звуковой художник. По его инициативе в 2009 году был возрожден первый в мире симфонический оркестр без дирижера — Персимфанс. Айду развивает авторскую концепцию «фонореализма», основанную на использовании реальных звучаний как материала для музыкальных произведений.

«Сумерки» | Tenebrae  – пьеса-литургия, примиряющая человека эпохи антропоцена с окружающей его биосферой. Звук здесь извлекается из тишины и дыхания и заполняет все пространство плотным сонорным облаком. «Сумерки» | Tenebrae  – это и музыкальный поп-арт, собранный из сотен «низовых» предметов: от детской трещотки до мобильного телефона и пакета из супермаркета.

Форма исполнения пьесы отсылает нас и к архаическим ритуалам, и к «коллективным действиям» московских концептуалистов 1970-х годов, но при этом произведение остается в рамках современной академической музыки: в нем точно прописана партитура, проведена подробная работа с тембром, его отличает ясная конструктивность. Пьеса мыслится как единый, непрерывно трансформирующийся звук — текучая структура, в которой изменение становится главным принципом формы.

По мысли автора пьесы, Казимир Малевич максимально точно описал в письме композитору Михаилу Матюшину конструктивные основы этого произведения еще сто лет назад: «Современная музыка должна идти к выражению музыкальных пластов и должна иметь длину и толщину движущейся музыкальной массы во времени, причем динамизм музыкальных масс должен сменяться статизмом, т.е. задержкою звуковой массы во времени».
подробнее

Музей современного искусства ПЕРММ

ул. Крисанова, 4


ДЯГИЛЕВСКИЙ х SOUND UP
Дэвид Лэнг «писания» | the writings
Российская премьера

Дэвид Лэнг (р. 1957)
«писания» | the writings
цикл для смешанного хора без сопровождения (2019)

I. снова (по мотивам Книги Екклесиаста) | again (after ecclesiastes) (2005)
II. если я промолчу | if I am silent (2019)
III. ведь любовь сильна | for love is strong (2008)
IV. куда бы ты ни шел | where you go (2015)
V. одинокий | solitary (2016)
VI. снова (измененный рефрен) | again changed return

Исполнители:
Вокальный ансамбль Интрада | Intrada
Художественный руководитель Екатерина Антоненко
Дирижер Глеб Кардасевич
Сценография – 404.zero


Продолжительность: 60 мин.

12 +

Московский вокальный ансамбль Интрада (Intrada) известен мастерскими интерпретациями широкого репертуара: от музыки европейского и русского барокко до мировых премьер сочинений XX-XXI веков. На Дягилевском фестивале Интрада (Intrada) исполнит хоровой цикл «писания» | the writings американского композитора-постминималиста Дэвида Лэнга.

Один из самых востребованных современных композиторов в мире, Дэвид Лэнг с легкостью балансирует между академической, поп- и рок-музыкой. Стремление сделать академическую музыку доступной для самых разных аудиторий привело его вместе с композиторами-единомышленниками к созданию сообщества Bang on a Can, выводящего классику за пределы традиционных концертных площадок. Лэнг – автор музыки к фильмам Даррена Аронофски, Паоло Соррентино и Пола Дано, номинант на «Оскар», обладатель приза «Грэмми» и Пулитцеровской премии за ораторию «Страсти по девочке со спичками» (The Little Match Girl Passion).

Хоровой цикл «писания» | the writings Дэвид Лэнг создавал 15 лет. Сначала, в 2005-м, он заинтересовался Книгой Екклесиаста: композитор поэтически переработал ветхозаветные строки о вечной цикличности мира и тщете человеческой жизни и написал на них 6-минутное медитативное хоровое сочинение. По совету своего раввина Лэнг обратился и к другим текстам Танаха (еврейской Библии) из раздела «Писания», которые играют важную роль во время иудейских религиозных праздников. В 2008 году частью оратории The Little Match Girl Passion стал хор for love is strong, авторски трактующий мотивы из «Песни песней», в 2015-м композитор написал хор по мотивам фрагмента из Книги Руфи, в 2016-м составил хоровой каталог всех видов воздаяний за человеческие грехи из Плача Иеремии, а в 2019-м обратился к Книге Эстер – новая композиция if I am silent стала второй частью полноформатного цикла, премьера которого состоялась в том же году.

Завершает хоровую фреску «писания» | the writings повтор первой части. Автор так поясняет свой концепт: «Многое в религии таинственно и непознаваемо, но все эти Книги – о людях и их эмоциональной жизни, о жизни и смерти, мужестве, любви, товариществе, сожалении. Можно рассматривать пять хоров как каталог человеческих эмоций, который повторяется бесконечно, год за годом. Цикл заканчивается повторением первой части, и в партитуре указано, что во второй раз исполнители должны петь ее по-другому. Цикл, как и год, может повторяться, но никогда в точности».

За сценографию в проекте отвечает 404.зеро (404.zero) — петербургский дуэт медиа художников Кристины Карпышевой и Александра Лециуса. В название тандема, напрямую отсылающем к коду ошибки компьютерных систем, художники вложили идею отказа от безостановочного потребления и антропоцентризма. За девять лет сотворчества 404.зеро (404.zero) обрели международное признание, выступили на крупнейших медиафестивалях мира и показали свои работы на экранах Таймс-сквер в Нью-Йорке.

Российская премьера цикла Дэвида Лэнга в исполнении хора Интрада (Intrada) проходит в коллаборации с фестивалем SOUND UP. Фестиваль неординарных музыкальных событий SOUND UP – это серия концертов, созданная для людей, интересующихся новыми звуками и идеями. Она стала одним из самых заметных московских музыкальных явлений последних десяти лет. SOUND UP позиционирует себя как своеобразный гид в мире современной музыки, представляя современных композиторов и музыкантов, работающих в таких областях, как современная классика, инструментальная и экспериментальная музыка, электроника. Кураторы проекта находят неожиданные пространства для выступлений и готовят для каждого из них уникальную сценографию. Специальные мероприятия фестиваля включают события, подготовленные кураторами SOUND UP и приглашенными музыкантами, идеологами фестивалей, музыкальными экспертами, а также концерты-коллаборации российских и зарубежных музыкантов и мультимедиа-художников.
подробнее

Дом Музыки

Завод Шпагина, Литера А


Концерт musicAeterna: Куртаг. Пярт

Дьёрдь Куртаг (р. 1926)
Songs of Despair and Sorrow | «Песни уныния и печали» для смешанного хора в инструментальном сопровождении, op. 18 (1980–1994)
«И скучно и грустно...» на слова Михаила Лермонтова (1840)
«Ночь, улица, фонарь, аптека» на слова Александра Блока (1912)
«Вечером синим» на слова Сергея Есенина (1925)
«Куда мне деться в этом январе?» на слова Осипа Мандельштама (1937)
«Распятие» на слова Анны Ахматовой (1939)
«Пора» на слова Марины Цветаевой (1941)

Арво Пярт (р. 1935)
«Смилуйся» | Miserere для солистов, смешанного хора, инструментального ансамбля и органа (1989)

Исполнители:
хор и артисты оркестра musicAeterna
при участии Камерного хора «Фестино» (Festino) и Молодежного фестивального хора

Дирижер Теодор Курентзис


Продолжительность: 70 мин.

12+

Программа хора и солистов оркестра musicAeterna под управлением Теодора Курентзиса состоит из крупных сочинений двух современных композиторов – венгерского мэтра Дьёрдя Куртага и эстонского мастера Арво Пярта.

Дьёрдь Куртаг – величина в европейской музыке XX-XXI веков бесспорная. Мало кому из его современников удается найти ту же степень индивидуальности выражения, тот же баланс сурового самоограничения и свободы в обращении со всем наследием европейской музыки от Машо до Бетховена и от Стравинского до Штокхаузена. Музыка Дьёрдя Куртага одновременно экспрессивна и аскетична, полна тайных посланий к друзьям и композиторам прошлого, драматична в театральном смысле – так резки и красноречивы звучащие жесты.

Среди любимых жанровых обозначений композитора – «реквием», «надгробие», «посвящение», «прощание». Цикл «Песни уныния и печали» для хора и инструментов был начат в 1980-м и завершен лишь в 1994 году. Шесть избранных Куртагом стихотворений русских поэтов от Лермонтова до Цветаевой по-разному, но с равным отчаянием трактуют одну и ту же тему: человек (автор) перед лицом надвигающегося небытия. Партитура включает редкие инструментальные тембры: челесту, две фисгармонии, четыре баяна и огромную группу ударных.

Арво Пярт – эстонский классик XX-XXI веков. Отказавшись от музыкального радикализма молодости, композитор выработал собственный язык, сближающий его с минималистами, но основанный на собственной оригинальной композиторской технике, которую Пярт назвал тинтиннабули, «техникой колокольчиков».

Miserere для солистов, хора и инструментального ансамбля – одна из основополагающих работ композитора. В получасовом произведении, оконченном в 1989 году, драматично противопоставляются тексты Псалма 50 и восемь строф из средневековой секвенции Dies Irae («День гнева»). Псалом 50 звучит в неспешном тихом исполнении ансамбля солистов, паузы отделяют друг от друга каждое слово. Композитор так пояснял этот принцип: «Перед каждым словом есть как бы вдох, пауза – как если бы человек произносил слово и сразу же пытался обрести силу для следующего слова. Это цепочка, в которой переплетаются вдохи и выдохи, надежда и отчаяние». В яростной средней части сочинения – разделе Dies irae – Пярт создает эффект «структурированного хаоса» с помощью средневековой техники мензурального канона, где одна и та же тема проводится в пяти разных темпах. Вслед за вопросом из седьмой строфы Dies irae «Что тогда скажу я, несчастный, кого попрошу в защитники, когда даже праведник не будет в безопасности?» продолжается покаянный псалом. В финале звучит восьмая строфа «Дня гнева»: вопреки многовековой традиции композитор трактует ее как услышанную молитву, обещание примирения с Богом.
подробнее
Владимир Мартынов. «Плач Иеремии»
16.06 вт
21:00

Владимир Мартынов. «Плач Иеремии»
хоровой концерт

Органный зал

подробнее
«Музыка для пустой комнаты» | Music for an Empty Room
16.06 вт
23:30

«Музыка для пустой комнаты» | Music for an Empty Room
камерный концерт солистов musicAeterna

Частная филармония «Триумф»

подробнее
«Альфред Шнитке. Оркестр громкоговорителей»
18.06 чт
18:00

«Альфред Шнитке. Оркестр громкоговорителей»
мультимедийный концерт с пространственным звуком

Музей современного искусства PERMM

подробнее
«Альфред Шнитке. Оркестр громкоговорителей»
18.06 чт
21:00

«Альфред Шнитке. Оркестр громкоговорителей»
мультимедийный концерт с пространственным звуком

Музей современного искусства PERMM

подробнее

Органный зал

ул. Ленина, 51б



Владимир Мартынов. «Плач Иеремии»
книга, положенная на пение

Исполнители:
Камерный хор Фестино (Festino)
Художественный руководитель и дирижер Александра Макарова


Продолжительность: 90 мин.

12+

Камерный хор Фестино (Festino), петербургский независимый коллектив, лауреат престижных международных конкурсов, почти 20 лет исполняет в академических концертах и театральных постановках старинную и современную музыку, часто написанную специально для хора. На Дягилевском фестивале Фестино (Festino) представит одно из крупнейших отечественных хоровых сочинений конца XX столетия, «Плач Иеремии» композитора-минималиста Владимира Мартынова.

Жанр сочинения – «книга, положенная на пение» – точно отражает его суть. Это не просто оратория, это текст книги «Плач Иеремии» Ветхого Завета, впервые в истории включенный в музыкальное произведение целиком. Владимир Мартынов писал это сочинение для ансамбля древнерусской музыки «Сирин» в расчете на неакадемические голоса и специфическую звуковую культуру этого легендарного коллектива. В оратории нет ничего, кроме мелодий, вертикали складываются из сочетания мелодических линий. Линии, в свою очередь, составлены с помощью средневековой техники комбинирования «готовых» интонационных формул — элементов византийского богослужебного пения, древнерусского певческого искусства, балканского богослужебного пения, григорианского хорала.

В четырех главах и заключительной молитве «Плача Иеремии» рассказывается о разорении Иерусалима вавилонянами. В «книге, положенной на пение» Иерусалим становится многоуровневым понятием, это прообраз и христианской церкви, и современного мира в целом. Разрушение мира выступает центральной идеей «Плача». Музыкальное объединение разных богослужебно-певческих традиций, символизирующих камни разрушенного Иерусалима, дает надежду на восстановление его целостности. «Слезы оставлены человеку, как свидетельство падения, но и как надежда возвратить когда-нибудь утраченную цельность», — пояснял композитор.
подробнее

Частная филармония «Триумф»

ул. Ленина, 44

«Музыка для пустой комнаты» | Music for an Empty Room
камерный концерт солистов musicAeterna

Программа:

Кирилл Архипов (р. 1987)
Трио для скрипки, виолончели и фортепиано | Work of Time (2020)
Екатерина Романова – скрипка
Игорь Ботвин – виолончель
Николай Мажара – фортепиано

«Не изменчивы только перемены» | Only Changes are Not Changeable для фортепиано  соло (2021)
Саша Листова – фортепиано

“Искаженный” | Distorted для двух cкрипок, альта, виолончели и фортепиано (2021)
Вадим Тейфиков – первая скрипка
Екатерина Романова – вторая скрипка
Динара Муратова – альт
Игорь Ботвин – виолончель
Николай Мажара – фортепиано (приглашенный артист)

Алексей Ретинский (р. 1986)
Трио для скрипки, виолончели и фортепиано (2007)
Вадим Тейфиков – скрипка
Игорь Ботвин – виолончель (приглашенный артист)
Саша Листова – фортепиано

Андреас Мустукис (р. 1971)
Фортепианный квинтет с голосом (2006)
Евгения Каширская – голос
Вадим Тейфиков – первая скрипка
Екатерина Романова – вторая скрипка
Динара Муратова – альт
Игорь Ботвин – виолончель
Саша Листова – фортепиано

Продолжительность: 2 ч., с антрактом

16+

В концерте солистов musicAeterna прозвучит камерно-инструментальная музыка, написанная тремя композиторами-резидентами musicAeterna и Дома Радио до начала их сотрудничества с musicAeterna.

Автор идеи концерта Андреас Мустукис решил представить публике сочинения для академических составов – фортепиано соло, фортепианное трио, фортепианный квинтет. Программа включает три сочинения Кирилла Архипова, а также фортепианное трио Алексея Ретинского и фортепианный квинтет, написанный Андреасом Мустукисом в память об Альфреде Шнитке.

В такой строгой сфере, как академическая новая музыка, особенно ясно проявляются не только радикально разные композиционные стратегии, стилевые и языковые особенности каждого из авторов, но и то, что их объединяет. В названии программы заложен вопрос, который поможет обнаружить тонкие настройки, сближающие творчество трех композиторов: «Звучит ли музыка, когда в комнате больше никого нет?»
подробнее

Музей современного искусства PERMM

ул. Крисанова, 4


«Альфред Шнитке. Оркестр громкоговорителей»
мультимедийный концерт с пространственным звуком

Художественный руководитель и автор проекта – Олег Нестеров
Креативный продюсер – Саша Ахмадщина
Режиссер — Евгений Потапенко
Дирижер акусмониума – Илья СимфоКэт (Илья Symphocat)
Видеоинсталляция и сценография – Дина Караман
Дизайнер – Арина Журавлева


Продолжительность: 70 мин.

12+

«Альфред Шнитке. Оркестр громкоговорителей» – аудиовизуальное путешествие по миру киномузыки Альфреда Шнитке, одного из крупнейших композиторов XX века, автора музыки к легендарным картинам «И все-таки я верю…» Ромма, «Восхождение» Шепитько, «Фантазии Фарятьева» Авербаха, «Стеклянная гармоника» Андрея Хржановского и других. Во время концертов музыка Альфреда Шнитке будет исполнена на акусмониуме — оркестре из полусотни громкоговорителей. Благодаря акусмониуму, музыка начинает жить в пространстве: звук движется вокруг слушателей, создавая ощущение глубины и присутствия. Дирижером акусмониума выступит композитор Илья СимфоКэт (Илья Symphocat).

Путешествие по миру киномузыки для зрителей начнется с видеоинсталляции с кадрами из фильмов, музыку для которых написал Альфред Шнитке. 
Автором видеоинсталяции стала Дина Караман, видеохудожница и режиссер, участница Венецианской биеннале, Московского международного фестиваля экспериментальных фильмов (MIEFF), фестивалей «Послание к человеку» и «Зеркало».

Киномузыка стала для Шнитке лабораторией стиля, испытательным полигоном для идей: «задача моей жизни – это преодоление разрыва между «Е» и «U» (E-Musik, ernste Musik и U-Musik, Unterhaltungsmusik – серьезная и развлекательная), даже если я при этом сломаю себе шею». Преодолеть этот разрыв композитору действительно удалось: самые удачные находки в киномузыке Шнитке использовал в своих академических произведениях. В проекте «Альфред Шнитке. Оркестр громкоговорителей» этот процесс взаимного обогащения двух музыкальных сфер будет отражен.

В своих работах Альфред Шнитке часто обращался к пространственному звуку, будь то многослойные фактуры или варьированное эхо. О многоканальном звуке он еще в 1970 году говорил как о важнейшем открытии, которое принесло в звучащую материю живую игру музыкальным пространством и тем самым избавило ее от мертвенности одномерной звуковой дорожки.

«Альфред Шнитке. Оркестр громкоговорителей» – первая часть большого исследовательского проекта Олега Нестерова «Три степени свободы. Музыка>кино>СССР», посвященного феномену советской киномузыки. Героями проекта стали три композитора: Альфред Шнитке, Олег Каравайчук и Александр Кнайфель.
подробнее

Музей современного искусства PERMM

ул. Крисанова, 4


«Альфред Шнитке. Оркестр громкоговорителей»
мультимедийный концерт с пространственным звуком

Художественный руководитель и автор проекта – Олег Нестеров
Креативный продюсер – Саша Ахмадщина
Режиссер — Евгений Потапенко
Дирижер акусмониума – Илья СимфоКэт (Илья Symphocat)
Видеоинсталляция и сценография – Дина Караман
Дизайнер – Арина Журавлева



Продолжительность: 70 мин.

12+

«Альфред Шнитке. Оркестр громкоговорителей» – аудиовизуальное путешествие по миру киномузыки Альфреда Шнитке, одного из крупнейших композиторов XX века, автора музыки к легендарным картинам «И все-таки я верю…» Ромма, «Восхождение» Шепитько, «Фантазии Фарятьева» Авербаха, «Стеклянная гармоника» Андрея Хржановского и других. Во время концертов музыка Альфреда Шнитке будет исполнена на акусмониуме — оркестре из полусотни громкоговорителей. Благодаря акусмониуму, музыка начинает жить в пространстве: звук движется вокруг слушателей, создавая ощущение глубины и присутствия. Дирижером акусмониума выступит композитор Илья СимфоКэт (Илья Symphocat).

Путешествие по миру киномузыки для зрителей начнется с видеоинсталляции с кадрами из фильмов, музыку для которых написал Альфред Шнитке.Автором видеоинсталяции стала Дина Караман, видеохудожница и режиссер, участница Венецианской биеннале, Московского международного фестиваля экспериментальных фильмов (MIEFF), фестивалей «Послание к человеку» и «Зеркало».

Киномузыка стала для Шнитке лабораторией стиля, испытательным полигоном для идей: «задача моей жизни – это преодоление разрыва между «Е» и «U» (E-Musik, ernste Musik и U-Musik, Unterhaltungsmusik – серьезная и развлекательная), даже если я при этом сломаю себе шею». Преодолеть этот разрыв композитору действительно удалось: самые удачные находки в киномузыке Шнитке использовал в своих академических произведениях. В проекте «Альфред Шнитке. Оркестр громкоговорителей» этот процесс взаимного обогащения двух музыкальных сфер будет отражен.

В своих работах Альфред Шнитке часто обращался к пространственному звуку, будь то многослойные фактуры или варьированное эхо. О многоканальном звуке он еще в 1970 году говорил как о важнейшем открытии, которое принесло в звучащую материю живую игру музыкальным пространством и тем самым избавило ее от мертвенности одномерной звуковой дорожки.

«Альфред Шнитке. Оркестр громкоговорителей» – первая часть большого исследовательского проекта Олега Нестерова «Три степени свободы. Музыка>кино>СССР», посвященного феномену советской киномузыки. Героями проекта стали три композитора: Альфред Шнитке, Олег Каравайчук и Александр Кнайфель.
подробнее
Рамо. Звук света – 2
19.06 пт
20:00

Рамо. Звук света – 2
церемония

Завод Шпагина, Дом музыки

подробнее
Насир Шамма и ансамбль
19.06 пт
23:00

Насир Шамма и ансамбль
концерт этнической музыки

Частная филармония «Триумф»

подробнее
Рамо. Звук света – 2
20.06 сб
20:00

Рамо. Звук света – 2
церемония

Завод Шпагина, Дом музыки

подробнее
Механический пес
20.06 сб
23:00

Механический пес
концерт альтернативной музыки

Частная филармония «Триумф»

подробнее

Завод Шпагина, Дом музыки

ул. Советская, 1а


Рамо. Звук света – 2
церемония

Исполнители:
артисты Академии имени Антона Рубинштейна
Татьяна Бикмухаметова, сопрано
Ксения Дородова, сопрано
Диана Носырева, сопрано
Ивета Симонян, сопрано
Юлия Вакула, меццо-сопрано

Алексей Курсанов, тенор
Жак Мартиросян, баритон

Оркестр и хор musicAeterna
Танцевальная труппа musicAeterna

Музыкальный руководитель и дирижер Теодор Курентзис
Режиссер-постановщик Елизавета Мороз
Хормейстер-постановщик Виталий Полонский
Ассистент дирижера Евгений Воробьев
Звукорежиссер Марат Бариев

Хореограф-постановщик Анастасия Пешкова
Художник-постановщик Сергей Илларионов
Художник по свету Александр Романов
Художник по гриму Марья Козлова
Переводчик и коуч Анита Поликарпова
Помощник режиссера Ксения Яснюк
Стейдж менеджеры: Юлия Бройдо, Александр Шанин
Продюсер Катя Карлышева


Продолжительность: 2 часа

16+

Закрытием Дягилевского фестиваля-2026 станет церемония «Рамо. Звук света – 2» в исполнении musicAeterna под управлением Теодора Курентзиса. В постановке Елизаветы Мороз принимают участие оркестр, хор и танцевальная труппа musicAeterna, солистами выступают артистки Академии имени Антона Рубинштейна и приглашенные певцы. Хореграф постановки – Анастасия Пешкова.

Церемония составлена из фрагментов опер Жан-Филиппа Рамо — крупнейшего композитора французского барокко, экспериментатора, изменившего облик музыкального театра своего времени. Эпиграфом к ней служат слова Теодора Курентзиса: «Свет — самый невероятный феномен во вселенной. Свет дарит нам дыхание, жизнь и любовь. Как бы я объяснил человеку, никогда не видевшему солнца, что такое свет? Я бы дал ему послушать музыку Рамо».

«Рамо. Звук света – 2» — это новая коллекция известных и редко исполняемых вокальных и инструментальных номеров из музыкальных трагедий, комедий и опер-балетов Рамо «Кастор и Поллукс», «Галантные Индии», «Платея», «Празднества Гебы» и «Заис». Эта антология — вторая серия нашумевшего проекта Теодора Курентзиса и musicAeterna «Рамо. Звук света», который был создан в Перми, в 2011–2019 годах исполнялся в Москве, Петербурге и многих европейских столицах, а в 2014-м был записан и издан лейблом «Сони Классикал» (Sony Classical). «Курентзис выдергивает Рамо из XVIII века и превращает его в создателя авангардных звуков», — писала газета «Гардиан» (The Guardian) про диск musicAeterna с музыкой Рамо, а «Нью-Йорк Таймс» (The New York Times) включила его в список лучших записей 2015 года.

Принципы работы над программой остались прежними: все фрагменты выстроены в единую драматургическую линию, музыка исполняется на исторических инструментах в барочном строе. В программе задействованы редкие инструменты, которые помогают точнее передать атмосферу эпохи: теорба, барочная гитара, архилютня, критская лира, колесная лира и мюзеты – изысканные волынки, популярные среди французской знати в середине XVIII века.

Режиссерскую версию проекта создает Елизавета Мороз: «Рамо. Звук света. Эта простая формулировка должна восприниматься в прямом смысле словосочетания. Ее суть, на мой взгляд, в том, что наша постановка – обо всех, кто, несмотря ни на что, продолжает нести свет в нашу жизнь. Свет проникает в повседневность из слов, взглядов, поступков, вдохновения, музыки - из любых человеческих взаимодействий. Это и есть те «маленькие чудеса», которые помогают нам жить. Мне кажется, что спектакль "Рамо. Звук света" является посвящением самой идее musicAeterna – объединения людей, в сотворчестве и взаимопонимании несущих свет, который, может быть, изменит чью-то жизнь».
подробнее

Частная филармония «Триумф»

ул. Ленина, 44


Насир Шамма и ансамбль
концерт этнической музыки

В программе:
Сочинения Насира Шаммы

Исполнители:
Насир Шамма – арабская лютня
Язан Саббах – вокал, арабская лютня
Карлос Пиньяна – гитара фламенко
Хуссейн Захави – даф, перкуссия


Продолжительность: 1ч. 30 мин.

18+

Выдающийся мастер игры на классической арабской лютне Насир Шамма возвращается на Дягилевский фестиваль с ансамблем. Вместе с коллегами, обладающими разным культурным бэкграундом, музыкант представит собственные сочинения, которые так же, как и участники ансамбля, с легкостью пересекают границы стран и стилей.

Насир Шамма – один из самых известных в мире сольных исполнителей на аль уде – арабской лютне. Он родился и обучался в Ираке, но давно уже является истинным «гражданином мира». В своих композициях Шамма объединяет классические арабские традиции с гармонией и ритмами испанского фольклора и европейской классики. Его поэтичные сочинения, нередко основанные на суфийских идеях, изобилуют тематическими контрастами и виртуозными пассажами. Развивая технические возможности аль уда, Шамма разработал новый тип инструмента с дополнительными струнами.

Вместе с Насиром Шамма в Перми выступят музыканты, близкие по исполнительскому мастерству и эстетическим убеждениям. Выходцы из музыкальных семей с глубокими национальными корнями – иорданский певец, исполнитель на арабской лютне Язан Саббах и гитарист фламенко Карлос Пиньяна из испанской Картахены – в собственных проектах часто проникают на сопредельные музыкальные территории, от европейской классики до арабской поп-музыки. Курдский перкуссионист Хуссейн Захави владеет традиционными ударными инструментами многих стран, он убежден в том, что музыка Курдистана – это часть куда более обширного музыкального мира, простирающегося от Южной Испании через Северную Африку, Балканы, Грецию, Анатолию, Кавказ и Иран до самой Индии.

Программа концерта будет объявлена дополнительно.
подробнее

Завод Шпагина, Дом музыки

ул. Советская, 1а


Рамо. Звук света – 2
церемония

Исполнители:
артисты Академии имени Антона Рубинштейна
Татьяна Бикмухаметова, сопрано
Ксения Дородова, сопрано
Диана Носырева, сопрано
Ивета Симонян, сопрано
Юлия Вакула, меццо-сопрано

Алексей Курсанов, тенор
Жак Мартиросян, баритон

Оркестр и хор musicAeterna
Танцевальная труппа musicAeterna

Музыкальный руководитель и дирижер Теодор Курентзис
 Режиссер-постановщик Елизавета Мороз
 Хормейстер-постановщик Виталий Полонский
Ассистент дирижера Евгений Воробьев
Звукорежиссер Марат Бариев

Хореограф-постановщик Анастасия Пешкова
Художник-постановщик Сергей Илларионов
Художник по свету Александр Романов
Художник по гриму Марья Козлова
Переводчик и коуч Анита Поликарпова
Помощник режиссера Ксения Яснюк
Стейдж менеджеры: Юлия Бройдо, Александр Шанин
Продюсер Катя Карлышева


Продолжительность: 2 часа

16+

Закрытием Дягилевского фестиваля-2026 станет церемония «Рамо. Звук света – 2» в исполнении musicAeterna под управлением Теодора Курентзиса. В постановке Елизаветы Мороз принимают участие оркестр, хор и танцевальная труппа musicAeterna, солистами выступают артистки Академии имени Антона Рубинштейна и приглашенные певцы. Хореграф постановки – Анастасия Пешкова.

Церемония составлена из фрагментов опер Жан-Филиппа Рамо — крупнейшего композитора французского барокко, экспериментатора, изменившего облик музыкального театра своего времени. Эпиграфом к ней служат слова Теодора Курентзиса: «Свет — самый невероятный феномен во вселенной. Свет дарит нам дыхание, жизнь и любовь. Как бы я объяснил человеку, никогда не видевшему солнца, что такое свет? Я бы дал ему послушать музыку Рамо».

«Рамо. Звук света – 2» — это новая коллекция известных и редко исполняемых вокальных и инструментальных номеров из музыкальных трагедий, комедий и опер-балетов Рамо «Кастор и Поллукс», «Галантные Индии», «Платея», «Празднества Гебы» и «Заис». Эта антология — вторая серия нашумевшего проекта Теодора Курентзиса и musicAeterna «Рамо. Звук света», который был создан в Перми, в 2011–2019 годах исполнялся в Москве, Петербурге и многих европейских столицах, а в 2014-м был записан и издан лейблом «Сони Классикал» (Sony Classical). «Курентзис выдергивает Рамо из XVIII века и превращает его в создателя авангардных звуков», — писала газета «Гардиан» (The Guardian) про диск musicAeterna с музыкой Рамо, а «Нью-Йорк Таймс» (The New York Times) включила его в список лучших записей 2015 года.

Принципы работы над программой остались прежними: все фрагменты выстроены в единую драматургическую линию, музыка исполняется на исторических инструментах в барочном строе. В программе задействованы редкие инструменты, которые помогают точнее передать атмосферу эпохи: теорба, барочная гитара, архилютня, критская лира, колесная лира и мюзеты – изысканные волынки, популярные среди французской знати в середине XVIII века.

Режиссерскую версию проекта создает Елизавета Мороз: «Рамо. Звук света. Эта простая формулировка должна восприниматься в прямом смысле словосочетания. Ее суть, на мой взгляд, в том, что наша постановка – обо всех, кто, несмотря ни на что, продолжает нести свет в нашу жизнь. Свет проникает в повседневность из слов, взглядов, поступков, вдохновения, музыки - из любых человеческих взаимодействий. Это и есть те «маленькие чудеса», которые помогают нам жить. Мне кажется, что спектакль "Рамо. Звук света" является посвящением самой идее musicAeterna – объединения людей, в сотворчестве и взаимопонимании несущих свет, который, может быть, изменит чью-то жизнь».
подробнее

Частная филармония «Триумф»

ул. Ленина, 44




18+

Дельфин (Андрей Лысиков) уже больше 30 лет остается заметной фигурой российской музыки, сохраняя готовность постоянно менять звук, стиль и даже саму форму высказывания. В его портфолио есть эксперименты с саундом и словом, концептуальные альбомы и проекты, раскрывающиеся как звуковые миры со своей атмосферой.

Один из таких параллельных миров — электронный сайд-проект «Механический пес». В нем Андрей Лысиков вернулся к ритмам электро, индастриала и раннего хип-хопа — музыке, под которую в конце 1980-х танцевал брейк-данс на Арбате и с которой началась его музыкальная карьера. В рамках этого проекта Дельфин выпустил уже три полноформатных альбома остросюжетной электроники с кинематографической атмосферой и антиутопическим подтекстом, а также неоднократно становился хедлайнером крупных российских фестивалей электронной музыки.
подробнее
Перформанс
Посвящение Ивану Голлю
11.06 чт
22:00

Посвящение Ивану Голлю
перформативный концерт

Дом Музыки

подробнее
«Чаща»
15.06 пн
22:30

«Чаща»
спектакль

подробнее
«Чаща»
16.06 вт
22:30

«Чаща»
спектакль

подробнее
«Гипнотеатр Бранко Душича»
17.06 ср
18:00

«Гипнотеатр Бранко Душича»
спектакль-фантасмагория

Малый театральный зал

подробнее

Дом Музыки

Завод Шпагина, Литера А


Посвящение Ивану Голлю
перформативный концерт

Исполнители:
Лаура Пицхелаури, актриса кино и Театра имени Ленсовета

артисты оркестра и хора musicAeterna:
Елена Гурченко, сопрано
Катя Дондукова, сопрано
Евгения Каширская, сопрано
Тамара Котоменкова, сопрано
Андрей Немзер, контратенор
Анастасия Шуманова, меццо-сопрано
Николай Басов, тенор
Артем Волков, тенор
Дмитрий Косов, баритон
Николай Мажара, фортепиано
Саша Листова, фортепиано
Софья Скобелева, электроника
Андрей Бараненко, синтезатор
Павел Иванов, ударные
Максим Санин, ударные

артисты «Бикапо»:
Лада Раскольникова
Алексей Сулин

В программе:
сочинения Егора Ананко, Кирилла Архипова, Александра Белоусова, Андреаса Мустукиса, Алексея Ретинского, Виктории Харкевич, Вангелино Курентзиса и Теодора Курентзиса на слова Ивана Голля; стихи Ивана Голля в переводе на русский язык

Режиссер Елизавета Мороз
Музыкальный руководитель Евгений Воробьев
Видеохудожник Александр Королев
Художник по свету Александр Романов
Художник по костюмам Сергей Кретенчук
Звукорежиссер Андрей Титов-Врублевский
Помощники режиссера: Александр Шанин, Ганна Барышникова
Продюсер Роман Саламатов

Продолжительность: 1ч. 40 мин.

18+

Иван Голль – псевдоним Исаака Ланга (1891–1950), поэта и прозаика, стоявшего у истоков немецкого экспрессионизма и французского сюрреализма, с равным мастерством писавшего на двух языках. Иван Голль вращался в немецких, а затем французских поэтически-художественных кругах, дружил и спорил, пожалуй, со всеми видными деятелями европейского авангарда первой половины XX века, его поэтические сборники иллюстрировали Марк Шагал и Пабло Пикассо. К началу XXI века его творчество оказалось в тени, однако оно звучит исключительно современно.

Специально к премьерным показам «Посвящения Ивану Голлю» Дом Радио совместно с издательством "ДА" (DA) и при поддержке фонда "Альма Матер" (Alma Mater) выпустил сборник с 24 стихотворениями Ивана Голля на немецком и французском языках и их переводами на русский, сделанными Ипполитом Харламовым и Екатериной Черезовой.

По словам Ипполита Харламова, поэт «смог создать масштабную и глубокую картину своей эпохи, полную скрытых пророчеств и темных интуитивных озарений. Психологическая алхимия Голля, ведущая к катарсису и чувству единения с мирозданием, актуальна в любые времена. Наиболее отчетливо она проявлена в любовных стихотворениях, которые Голль посвящал своей жене».

Проект musicAeterna и Дома Радио «Посвящение Ивану Голлю» в постановке Елизаветы Мороз продолжает поиск новых форм в области поэтического и музыкального театра. В нем актриса театра и кино, артистка петербургского Театра имени Ленсовета, ученица режиссера Анатолия Васильева, Лаура Пицхелаури читает стихи Голля в переводе на русский язык, а артисты оркестра и хора musicAeterna исполняют новые сочинения на французские и немецкие тексты поэта, которые специально для проекта создали Егор Ананко, Кирилл Архипов, Андреас Мустукис, Алексей Ретинский, Виктория Харкевич, Александр Белоусов, Вангелино Курентзис и Теодор Курентзис. Переизобретая жанр романса для голоса и фортепиано, авторы музыки используют сложные исполнительские техники и композиционные приемы, а также расширяют инструментарий, включая в партитуры несколько голосов и роялей, электронику и ударные.

Режиссер Елизавета Мороз поясняет идею концерта-перформанса: «Поэтический голос Ивана Голля необычен и неуловим. Он писал на двух разных языках, сам переводил свои тексты на другие языки и делал разные их версии. Он свободно жонглировал разными литературными направлениями, а перемещаясь между странами, нигде не чувствовал себя своим. Состояние двойственности – тщетное стремление соединить части расколотого «я», или же слиться с близкой и родной, но непознаваемой возлюбленной – и есть основная тема спектакля».
подробнее

Спектакль «Чаща»

Режиссеры: Антон Адасинский, Никита Васильев


Продолжительность: 1 ч. 20 мин.


18+

…Наблюдая за улиткой на склоне...

Магическое путешествие сквозь непостижимый Лес.

Небольшая группа зрителей покинет Пермь и отправится в неизвестное. Это чуть южнее старой каменоломни, в сторону Нижних Выселок. На автобусе час. На птицах по прямой — быстрее. И станет публика свидетелем и участником древних ритуалов. Правила известны. Слова написаны. Действия указаны. Только вот неизвестно, что случится.

Антон Адасинский — режиссер, актер театра и кино, музыкант, хореограф, участник группы «АВИА». Выступал в труппе «Лицедеи» Вячеслава Полунина, снимался в фильмах Александра Сокурова, играл роль Дроссельмейера в балете Мариинского театра «Щелкунчик» в постановке Михаила Шемякина. В 1988 году основал физический театр «Дерево» (Derevo), в котором принципы японского танца буто смешиваются с элементами современного танца, пантомимы, клоунады и мн. др. Театр выступает с перформансами и акциями на известнейших театральных площадках мира, под открытым небом, в цирках, на улицах городов, выпускает собственные музыкальные альбомы, фотокниги и фильмы.

Никита Васильев — выпускник Нижегородского театрального училища и режиссерского курса Андрея Могучего в Российском государственном институте сценических искусств.
подробнее

Спектакль «Чаща»

Режиссеры: Антон Адасинский, Никита Васильев


Продолжительность: 1ч. 20 мин.

18+

…Наблюдая за улиткой на склоне...

Магическое путешествие сквозь непостижимый Лес.

Небольшая группа зрителей покинет Пермь и отправится в неизвестное. Это чуть южнее старой каменоломни, в сторону Нижних Выселок. На автобусе час. На птицах по прямой — быстрее. И станет публика свидетелем и участником древних ритуалов. Правила известны. Слова написаны. Действия указаны. Только вот неизвестно, что случится.

Антон Адасинский — режиссер, актер театра и кино, музыкант, хореограф, участник группы «АВИА». Выступал в труппе «Лицедеи» Вячеслава Полунина, снимался в фильмах Александра Сокурова, играл роль Дроссельмейера в балете Мариинского театра «Щелкунчик» в постановке Михаила Шемякина. В 1988 году основал физический театр «Дерево» (Derevo), в котором принципы японского танца буто смешиваются с элементами современного танца, пантомимы, клоунады и мн. др. Театр выступает с перформансами и акциями на известнейших театральных площадках мира, под открытым небом, в цирках, на улицах городов, выпускает собственные музыкальные альбомы, фотокниги и фильмы.

Никита Васильев — выпускник Нижегородского театрального училища и режиссерского курса Андрея Могучего в Российском государственном институте сценических искусств.
подробнее

Малый театральный зал

Завод Шпагина, ул. Советская 1А

«Гипнотеатр Бранко Душича»
спектакль-фантасмагория

Театральная площадка "Узел", Санкт-Петербург

Режиссер Никита Васильев
Художник Любовь Полуновская
Драматург Юлия Клейман
Креативный продюсер Денис Черемисинов
Продюсер Анна Петрова
Продюсер гастролей Алиса Латышева

В ролях:
Владимир Антипов 
Егор Аверин 
Валерия Касьянова 
Дмитрий Рыжов 

Музыкальное сопровождение:
Творческое объединение мадер норт | mader nort

Мировая премьера – Санкт-Петербург, 2025. Театральная площадка "Узел", Санкт-Петербург

Предупреждение для зрителей, страдающих приступами эпилепсии: в художественном оформлении спектакля используются яркие вспышки света.

Продолжительность: 1 час 45 минут

18+

Спектакль Никиты Васильева – выпускника Мастерской Андрея Могучего – это фантасмагория по мотивам новелл Томаса Манна «Марио и волшебник», «Паяц», «Луизхен». Зрители оказываются на гротескном магическом сеансе югославского гипнотизера Бранко Душича – циника и острослова. Он манипулирует зрительским вниманием и своей маленькой труппой, которая разыгрывает перед зрителями историю одного неравного брака и одной несбывшейся надежды.

Случайность или закономерность? Кто здесь жертва, а кто агрессор? Реальность оказывается сложнее моральных конструктов.

Режиссер комментирует замысел постановки, жанрово балансирующей между стендапом и триллером: «В новеллах Томаса Манна меня больше всего зацепила тема воли как таковой: отсутствие воли или, наоборот, ее переизбыток. В режиссерской профессии мне приходится манипулировать другими людьми, чтобы достичь желаемого результата, и я размышляю о том, есть ли у меня такое право. Кажется, что каждый человек все время пребывает в двух ипостасях: насильника и жертвы, и в какой он именно роли, зависит от обстоятельств».
подробнее
«Гипнотеатр Бранко Душича»
17.06 ср
22:00

«Гипнотеатр Бранко Душича»
спектакль-фантасмагория

Малый театральный зал

подробнее
«Чаща»
17.06 ср
22:30

«Чаща»
спектакль

подробнее

Малый театральный зал

Завод Шпагина, ул. Советская 1А

«Гипнотеатр Бранко Душича»
спектакль-фантасмагория

Театральная площадка "Узел", Санкт-Петербург

Режиссер Никита Васильев
Художник Любовь Полуновская
Драматург Юлия Клейман
Креативный продюсер Денис Черемисинов
Продюсер Анна Петрова
Продюсер гастролей Алиса Латышева

В ролях:
Владимир Антипов 
Егор Аверин 
Валерия Касьянова 
Дмитрий Рыжов 

Музыкальное сопровождение:
Творческое объединение мадер норт | mader nort

Мировая премьера – Санкт-Петербург, 2025

Предупреждение для зрителей, страдающих приступами эпилепсии: в художественном оформлении спектакля используются яркие вспышки света.

Продолжительность: 1 час 45 минут

18+

Спектакль Никиты Васильева – выпускника Мастерской Андрея Могучего – это фантасмагория по мотивам новелл Томаса Манна «Марио и волшебник», «Паяц», «Луизхен». Зрители оказываются на гротескном магическом сеансе югославского гипнотизера Бранко Душича – циника и острослова. Он манипулирует зрительским вниманием и своей маленькой труппой, которая разыгрывает перед зрителями историю одного неравного брака и одной несбывшейся надежды.

Случайность или закономерность? Кто здесь жертва, а кто агрессор? Реальность оказывается сложнее моральных конструктов.

Режиссер комментирует замысел постановки, жанрово балансирующей между стендапом и триллером: «В новеллах Томаса Манна меня больше всего зацепила тема воли как таковой: отсутствие воли или, наоборот, ее переизбыток. В режиссерской профессии мне приходится манипулировать другими людьми, чтобы достичь желаемого результата, и я размышляю о том, есть ли у меня такое право. Кажется, что каждый человек все время пребывает в двух ипостасях: насильника и жертвы, и в какой он именно роли, зависит от обстоятельств».
подробнее

Спектакль «Чаща»

Режиссеры: Антон Адасинский, Никита Васильев


Продолжительность: 1 ч. 20 мин.

18+

…Наблюдая за улиткой на склоне...

Магическое путешествие сквозь непостижимый Лес.


Небольшая группа зрителей покинет Пермь и отправится в неизвестное. Это чуть южнее старой каменоломни, в сторону Нижних Выселок. На автобусе час. На птицах по прямой — быстрее. И станет публика свидетелем и участником древних ритуалов. Правила известны. Слова написаны. Действия указаны. Только вот неизвестно, что случится.

Антон Адасинский — режиссер, актер театра и кино, музыкант, хореограф, участник группы «АВИА». Выступал в труппе «Лицедеи» Вячеслава Полунина, снимался в фильмах Александра Сокурова, играл роль Дроссельмейера в балете Мариинского театра «Щелкунчик» в постановке Михаила Шемякина. В 1988 году основал физический театр «Дерево» (Derevo), в котором принципы японского танца буто смешиваются с элементами современного танца, пантомимы, клоунады и мн. др. Театр выступает с перформансами и акциями на известнейших театральных площадках мира, под открытым небом, в цирках, на улицах городов, выпускает собственные музыкальные альбомы, фотокниги и фильмы.


Никита Васильев — выпускник Нижегородского театрального училища и режиссерского курса Андрея Могучего в Российском государственном институте сценических искусств.
подробнее
Танец
«Дягилев. Короткие формы»
13.06 сб
21:00

«Дягилев. Короткие формы»
программа современного танца

Дом Музыки

подробнее
«Землетрясение»
14.06 вс
20:00

«Землетрясение»
танцевальный спектакль

ДК им. Солдатова

подробнее
Франсис Пуленк. «Человеческий голос»
15.06 пн
20:00

Франсис Пуленк. «Человеческий голос»
хореографическая опера

Пермский театр оперы и балета

подробнее
«Хора»
16.06 вт
19:00

«Хора»
танцевальный спектакль

ДК Солдатова

подробнее

Дом Музыки

Завод Шпагина, Литера А



«Дягилев. Короткие формы»
программа современного танца

Хореографы:
Нурбек Батулла
Владимир Варнава
Евгений Калачёв
Ксения Михеева
Максим Петров
Игорь Фирсов

Композиторы:
Кирилл Архипов
Теодор Курентзис
Андреас Мустукис
Алексей Ретинский
Виктория Харкевич

Продолжительность: 1 ч. 30 мин.

16 +

На Дягилевском фестивале – 2026 события, связанные с современным танцем, сложились в целый мини-фестиваль внутри основного. В него входят постановки ведущих западных хореографов для российских танцевальных компаний – это возобновление легендарного спектакля «Хора» израильтянина Охада Нахарина для труппы Context и новый спектакль «Землетрясение» норвежца Ю Стремгрена для танцевальной труппы musicAeterna – а также «хореографическая опера» режиссера и хореографа Андрея Кайдановского на материале монооперы Франсиса Пуленка «Человеческий голос», поставленная для прима-балерины Дарьи Павленко и меццо-сопрано Юлии Маточкиной.

Одним из ключевых событий этого мини-фестиваля станет эксперимент – встреча современной хореографии с новой академической музыкой. В рамках эксперимента
специально для Дягилевского фестиваля хорошо известные и начинающие российские хореографы создали несколько небольших танцевальных спектаклей. Шесть мировых премьер на музыку композиторов-резидентов musicAeterna и Дома Радио они представят в программе «Дягилев. Короткие формы».

Участники программы – хореографы с уже сформировавшимся творческим почерком и те, кто находится в начале пути: Ксения Михеева, Нурбек Батулла, Владимир Варнава, Евгений Калачёв, Игорь Фирсов и Максим Петров. Они ознакомились с весьма необычным музыкальным архивом, который содержит не артефакты истории, а записи произведений, созданных буквально год-два назад в рамках единого эстетического союза — системы резидентства, где композиторы создают музыку для проектов musicAeterna, формируя общее эстетическое поле. Каждый из хореографов выбрал одно из предложенных сочинений Теодора Курентзиса и композиторов-резидентов Дома Радио – Кирилла Архипова, Андреаса Мустукиса, Алексея Ретинского, Виктории Харкевич – и поставил на него танцевальную миниатюру для танцовщиков по своему выбору.

Цель проекта – создать идеальный синтез двух искусств, в котором современный танец и современная академическая музыка имеют равный вес и взаимно обогащают друг друга, в котором нет диктата музыкальной формы, но нет и прикладного отношения к звуку. Результатом эксперимента станет открытие: как именно влияет звуковой код musicAeterna на индивидуальные творческие манеры разных хореографов? Может ли он стать общим языком, объединяющим не только музыку, но и современный танец?

В преддверии вечера современной хореографии состоится круглый стол, в котором примут участие хореографы-экспериментаторы и композиторы, на чью музыку они создавали свои работы. Вместе они попытаются найти ответы на вопросы:
– после постмодернизма – в каком эстетическом пространстве мы находимся сегодня?
– каков идеальный союз композитора и хореографа?
– важно ли хореографу уметь читать партитуры новой музыки?
– театральный композитор – отдельная профессия или предрассудок?
– как мыслит коммуникацию с хореографом композитор, как мыслит коммуникацию с композитором хореограф?

К участию в круглом столе приглашены хореографы Ю Стремгрен, Владимир Варнава, Максим Петров, Ксения Михеева, Павел Глухов, а также композиторы Теодор Курентзис, Кирилл Архипов, Андреас Мустукис, Алексей Ретинский.

Модераторы круглого стола – режиссер, художественный руководитель танцевальной труппы musicAeterna Анна Гусева и главный хореограф танцевальной труппы Анастасия Пешкова.
подробнее

ДК им. Солдатова

Комсомольский пр., 79

«Землетрясение»
танцевальный спектакль
на музыку Сергея Рахманинова

Хореограф и художник-постановщик Ю Стремгрен (Норвегия)

Ассистент хореографа Анастасия Пешкова
Выпускающий продюсер Дарья Третьякова
Художник по свету Наталья Тузова
Художник по костюмам Серафима Челина
Реквизитор Мария Филимонова
Художник по гриму Марья Козлова
Помощник режиссера Александр Шанин
Менеджер танцевальной труппы musicAeterna Яна Мурина
Художественный руководитель танцевальной труппы musicAeterna Анна Гусева

Исполнители:

танцевальная труппа musicAeterna
Айгуля Бузаева
Тимур Ганеев
Евгений Калачёв
Максим Клочнев
Савва Коротыч
Елена Лисная
Айсылу Мирхафизхан
Алексей Слуцкий
Дарья Тагильцева

артисты оркестра и хора musicAeterna
Саша Листова, фортепиано
Кирилл Нифонтов, тенор

Саунд-дизайн – Кирилл Нифонтов и Ю Стремгрен


Продолжительность: 60 мин.

16 +

Танцевальная труппа musicAeterna создала новый спектакль «Землетрясение» вместе с хореографом Ю Стремгреном, одним из ведущих мастеров современного танца Норвегии и – шире – Европы. Хореограф и драматург, киносценарист и сценограф, Ю Стремгрен – автор около 200 постановок, которые показывались в 68 странах. В 2000 году в Калининграде состоялся его российский дебют, и с тех пор он поставил около 20 работ в разных городах страны, включая спектакли для танцевальной компании «Балет Москва» и труппы Московского драматического театра им. А. С. Пушкина.

Никакая природная катастрофа – даже землетрясение – не может помешать встрече с высоким искусством. Однако постепенно в привычные и понятные действия собравшихся на традиционный концерт вкрадываются искажения, странности, абсурдные события… Сможет ли музыка удержать маленький мир, в котором она звучит?

Для размышлений об этом Ю Стремгрен избрал классический музыкальный материал – романсы Сергея Рахманинова: «Все свои романсы Рахманинов написал до отъезда в Америку. После – ничего. Значит ли это, что романсы указывают на нечто «настоящее», что было утрачено? Все ли мы тоскуем по чему-то «настоящему»? Я не знаю. Я также часто думаю о том, как мы сухи и практичны в жизни, но становимся мягкими и эмоциональными, когда слышим музыку, смотрим фильм, видим танец. Обращаться к искусству – все равно что вспоминать что-то хорошее, когда жизнь трудна. Это не только способ убежать от реальности. Воспоминания о «настоящем» дают надежду на будущее».

В спектакле прозвучат сочинения Сергея Рахманинова (1873–1943):
«Сумерки», op. 21, № 3
«Отрывок из А. Мюссе», op. 21, № 6
«Мелодия», op. 21, № 9
«В молчаньи ночи тайной», op. 4, № 3
«Муза», op. 34, № 1
«Сей день я помню», op. 34, № 10
Вокализ, op. 34, № 14
Запись в исполнении сопрано Надежды Павловой и оркестра musicAeterna, дирижер Теодор Курентзис
«Сон», op. 8, № 5
«Они отвечали», op. 21, № 4
«Смеркалось», T52/2
Запись в исполнении тенора Кирилла Нифонтова и пианистки Саши Листовой
«Не пой, красавица, при мне», op. 4, № 4
«О, нет, молю, не уходи...», op. 4, № 1
Элегия, op. 3, № 1
«Весенние воды», op. 14, № 11

подробнее

Пермский театр оперы и балета

ул. Петропавловская, 25 а


Франсис Пуленк. «Человеческий голос»
хореографическая опера

В ролях:
Дарья Павленко, прима-балерина
Юлия Маточкина, меццо-сопрано
Режиссер и хореограф Андрей Кайдановский (Австрия)
Дирижер-постановщик Карен Дургарян, Заслуженный артист Республики Армения
Сценография и костюмы – Томас Мика (Германия)
Художник по свету Алекс Брок (Нидерланды)
Продюсер Екатерина Барер (ДжокерЛаб (JokerLab)
Оркестр Пермского театра оперы и балета
Дирижер Владимир Ткаченко

Совместная постановка продюсерской компании ДжокерЛаб (JokerLab) и Национального и академического театра оперы и балета имени Александра Спендиаряна (Ереван, Армения)

Мировая премьера – 26 апреля 2026


Продолжительность спектакля: 60 минут 

18 +

Французский классик XX века Франсис Пуленк написал оперу для одной исполнительницы «Человеческий голос» в 1958 году. В ее основу легло либретто Жана Кокто по мотивам его же одноименной пьесы 1928 года. Как и драматическая монопьеса, опера, позволяющая самые разные сценические интерпретации, стала репертуарным хитом в Европе и России.

Соединить глубину человеческого голоса с отчаянной правдой человеческого тела в опере Пуленка решил Андрей Кайдановский – один из самых интересных хореографов поколения 40-летних. Воспитанный на стыке русской и европейской театральной и балетной традиции, он уже больше десяти лет работает как хореограф. В его спектаклях гротеск гармонично соединяется с нежностью, эстетика театра – с динамикой кино, понимание традиций – с последовательным поиском собственного языка.

Две стороны одной души хореограф и режиссер увидел в двух петербургских артистках – певице Юлии Маточкиной и танцовщице Дарье Павленко. Обе – звезды международной сцены первой величины, каждая – с собственным неповторимым образом. Юлия Маточкина – солистка Мариинского театра, лауреат XV Международного конкурса им. П. И. Чайковского (премия Casta Diva), приглашенная солистка Метрополитен Оперы, Большого театра России, театра Ла Скала, Баварской оперы и др. Дарья Павленко – Заслуженная артистка России, прима-балерина Мариинского Театра (до 2018 года), многократный лауреат премий «Золотая маска», «Золотой софит» и др., приглашенная солистка Танцтеатра Вупперталь Пины Бауш. Объединяет двух артисток абсолютное отсутствие актерского страха, талант испепеляющей откровенности на сцене, стремление дойти до сути.

Андрей Кайдановский назвал свою версию «хореографической оперой». Речитативный монолог женщины, которая прощается с возлюбленным по телефону, он развел, точно телефонный кабель, по двум линиям: внутренний голос отдан пластике, внешний – пению. Автор идеи поясняет замысел: «Перед нами два персонажа, которые на самом деле становятся одним человеком. Всё как в жизни: после болезненного расставания сердце рвется на части и толкает тебя в бездну, тогда как голова старается заставить собраться. Мы видим два взгляда на одну историю покинутой женщины. Мы наблюдаем борьбу сердца и разума. Сценическое действие развивается как самостоятельная линия и придает дополнительные смыслы драме Жана Кокто и Франсиса Пуленка».
подробнее

ДК Солдатова

Комсомольский пр., 79


«Хора»
танцевальный спектакль

Посвящается Софии Наарин

Хореография: Охад Наарин
Хореограф-репетитор: Чен Агрон
Приглашенный педагог-репетитор: Мария Заплечная
Педагог труппы: Артем Хромых
Свет и сценография: Ави Йона (Бэмби) Буэно
Музыка, аранжировка и исполнение: Исао Томита 

В спектакле использованы фрагменты из произведений: Модест Мусоргский, «Катакомбы» (№ 8 из цикла «Картинки с выставки»); Хоакин Родриго, «Аранхуэсский концерт»; «Космическая фантазия» из кинофильма «2001 год: Космическая одиссея» (Рихард Штраус, «Так говорил Заратустра»); Рихард Вагнер, «Полет валькирий»; Чарльз Айвз, «Вопрос, оставшийся без ответа»; Эдвард Григ: «Пер Гюнт», «Песня Сольвейг»; Джон Уильямс, главная тема из кинофильма «Звездные войны»; Ян Сибелиус: «Мир разных измерений», «Грустный вальс»; Клод Дебюсси: «Прелюдия к послеполуденному отдыху фавна», «Лунный свет» (№ 3 из «Бергамасской сюиты»). 

Аудиовизуализация: Рёдзи Икеда
Мастеринг звука: Нир Клайман
Звуковой дизайн и монтаж: Максим Варатт
Костюмы: Эри Накамура
Дизайн скамейки: Амир Равех   

Исполнители: танцевальная труппа фестиваля Context. Diana Vishneva

Копродукция Фестиваля танца в Монпелье и Фестиваля Линкольн-центра.   

Мировая премьера: 18 мая 2009 года, Иерусалимский театр, танцевальная компания Батшева Данс, Иерусалим, Израиль.  

Российская премьера: 6 марта 2026 года, Театр Ермоловой, фестиваль Context. Diana Vishneva, Москва, Россия.

Продолжительность: 60 мин.

16 +

Танцевальная труппа фестиваля Context. Diana Vishneva представляет спектакль «Хора». Это постановка 2009 года, которую прославленный израильский хореограф Охад Наарин перенес в Москву и поставил с танцовщиками труппы в марте 2026-го.

Хорос с греческого – танец, хоровод. Для израильтян у этого слова есть и свое, очень важное значение: хора – танец еврейского возрождения, хоровод, объединяющий души. «Хора» Охада Нахарина – парафраз этого танца и свой, особый взгляд на возрождение и созидание.

Шира Витали: «В 1974 году японский композитор Исао Томита выпустил альбом «Танцующие снежинки» (Snowflakes Are Dancing), полностью изменивший канон программирования электронной музыки. 35 лет спустя Охад Наарин представил спектакль «Хора» – пьесу для 11 танцовщиков, вдохновленную музыкой Томиты. Подобно композитору, который переосмыслил знакомые классические произведения Клода Дебюсси с помощью синтезатора, Наарин помещает нас между хорошо знакомым и абсолютно неизведанным. Хора – это вечнозеленый пузырь, существующий вне времени и пространства, одновременно природный и синтетический, постоянный и непрерывно меняющийся. Герои спектакля постигают новый телесный язык, который, впрочем, основан на знакомых пластических цитатах. 11 танцовщиков воплощают всю красоты борьбы за индивидуальность, даже сливаясь в абсолютное единство. Опираясь на фольклор, они разрушают его, создавая новые хореографические коды; исследуют территории тела, желая быть проявленными».

Охад Наарин — хореограф и создатель пластического языка движений гага. Родившись в 1952 году в кибуце Мизра на севере Израиля, свою танцевальную карьеру он начал в труппе Батшева Данс (Batsheva Dance) в 1974-м, а в качестве постановщика дебютировал в Нью-Йорке в 1980 году. Спустя десять лет Наарин был назначен художественным руководителем танцевальной труппы «Батшева» и основал ее молодежное подразделение «Батшева — Молодой ансамбль». Он создал более тридцати работ для обеих трупп, а также постановки для других компаний, включая Нидерландский театр танца (NDT), балет Парижской оперы, Большой канадский балет Монреаля и многих других танцевальных трупп по всему миру. Помимо работы на сцене, Наарин разработал систему Гага (Gaga) — инновационную методику исследования движений и ежедневных тренировок танцоров «Батшевы», которая получила распространение по всему миру как среди танцоров, так и среди людей, не занимающихся танцами. После почти 30 лет руководства труппой Батшева Данс (Batsheva Dance) Охад ушел с поста художественного директора в 2018 году, однако продолжает работать с компанией в качестве штатного хореографа. «Батшева» также продолжает оставаться для Наарина местом, где он проводит исследования, разработку и преподавание гаги.

Труппа Контекст (Context) была создана в 2022 году по инициативе фестиваля современной хореографии Context. Diana Vishneva. Коллектив объединил танцовщиков, обладающих не только высокой исполнительской техникой и творческими амбициями, но и широтой творческих взглядов и готовностью к развитию и экспериментам. За четыре года существования танцевальная компания представила множество премьер на сценах Большого театра, БДТ им. Г.А. Товстоногова, Театра Ермоловой, Электротеатра Станиславский; успела поработать с такими российскими хореографами, как Павел Глухов, Ольга Лабовкина, Олег Степанов, Анна Щеклеина, Алексей Рукинов, Рима Пипоян, Кирилл Радев и другими. В рамках 14-го сезона фестиваля труппа Контекст (Context) представила российскую премьеру спектакля «Хора» классика современного танца Охада Наарина.
подробнее
Горизонты Д
«Пастернак. Раскованный голос»
13.06 сб
15:00

«Пастернак. Раскованный голос»
аудиовизуальный альбом

Малый театральный зал

подробнее
«Пастернак. Раскованный голос»
13.06 сб
19:00

«Пастернак. Раскованный голос»
аудиовизуальный альбом

Малый театральный зал

подробнее
«Пастернак. Раскованный голос»
14.06 вс
13:00

«Пастернак. Раскованный голос»
аудиовизуальный альбом

Малый театральный зал

подробнее
«Пастернак. Раскованный голос»
14.06 вс
17:00

«Пастернак. Раскованный голос»
аудиовизуальный альбом

Малый театральный зал

подробнее

Малый театральный зал

Завод Шпагина, Советская, 1А



«Пастернак. Раскованный голос»
аудиовизуальный альбом

Режиссер Арсений Мещеряков
Композитор Иван Ерофеев
Драматург Егор Зайцев
Видеохудожник Михаил Заиканов
Художник по костюмам Екатерина Эрдэни
Художник по свету Елена Перельман
Продюсер Евгения Кармазина

Исполнитель:
София Петрова, актриса театра «Мастерская Брусникина» 


Продолжительность: 1 ч. 20 мин.



12+

Он – этот мой голос – на черствой
Узде выплывает из мути...
Борис Пастернак

Совместный проект программы «Горизонты Д» и Дома творчества Переделкино* посвящен одному из самых известных жителей Переделкина, поэту и писателю Борису Пастернаку. Двухчастная композиция, состоящая из пролога и поэтического моноспектакля, позволяет проследить взаимосвязь жизни и творчества поэта: как менялся Пастернак и как менялся язык его стихов.

 Аудиопролог, созданный резидентом Дома творчества Егором Зайцевым по письмам Пастернака, становится точкой входа в постановку. Драматургия разворачивается в поле воображаемых телефонных разговоров Бориса Леонидовича, которые он вел или мог вести в периоды пребывания на Урале и в Переделкине.

В сценической части проекта режиссер Арсений Мещеряков превращает поэтические тексты Пастернака разных периодов в единую партитуру, находя неожиданные сходства и сближая противоречия, исследуя мелодику слов и явленную в них метаморфозу чувств. Для актрисы «Мастерской Брусникина» Софии Петровой стихи становятся вокально-драматической партией, образующей монолитную звуковую конструкцию во взаимодействии с электронной и шумовой средой, созданной Иваном Ерофеевым. Художественной рамкой происходящего выступает видеоинсталляция Михаила Заиканова.

* Переделкино — легендарный городок писателей, который появился рядом с Москвой в 1930-х годах. Здесь жили и работали выдающиеся литераторы ХХ века. Сегодня Переделкино — живой творческий центр с резиденциями, большой публичной программой, пространствами для работы и отдыха.
подробнее

Малый театральный зал

Завод Шпагина, Советская, 1А



«Пастернак. Раскованный голос»
аудиовизуальный альбом

Режиссер Арсений Мещеряков
Композитор Иван Ерофеев
Драматург Егор Зайцев
Видеохудожник Михаил Заиканов
Художник по костюмам Екатерина Эрдэни
Художник по свету Елена Перельман
Продюсер Евгения Кармазина

Исполнитель:
София Петрова, актриса театра «Мастерская Брусникина» 

Продолжительность: 1 ч. 20 мин.



12+

Он – этот мой голос – на черствой
Узде выплывает из мути...
Борис Пастернак

Совместный проект программы «Горизонты Д» и Дома творчества Переделкино* посвящен одному из самых известных жителей Переделкина, поэту и писателю Борису Пастернаку. Двухчастная композиция, состоящая из пролога и поэтического моноспектакля, позволяет проследить взаимосвязь жизни и творчества поэта: как менялся Пастернак и как менялся язык его стихов.

 Аудиопролог, созданный резидентом Дома творчества Егором Зайцевым по письмам Пастернака, становится точкой входа в постановку. Драматургия разворачивается в поле воображаемых телефонных разговоров Бориса Леонидовича, которые он вел или мог вести в периоды пребывания на Урале и в Переделкине.

В сценической части проекта режиссер Арсений Мещеряков превращает поэтические тексты Пастернака разных периодов в единую партитуру, находя неожиданные сходства и сближая противоречия, исследуя мелодику слов и явленную в них метаморфозу чувств. Для актрисы «Мастерской Брусникина» Софии Петровой стихи становятся вокально-драматической партией, образующей монолитную звуковую конструкцию во взаимодействии с электронной и шумовой средой, созданной Иваном Ерофеевым. Художественной рамкой происходящего выступает видеоинсталляция Михаила Заиканова.

* Переделкино — легендарный городок писателей, который появился рядом с Москвой в 1930-х годах. Здесь жили и работали выдающиеся литераторы ХХ века. Сегодня Переделкино — живой творческий центр с резиденциями, большой публичной программой, пространствами для работы и отдыха.
подробнее

Малый театральный зал

Завод Шпагина, Советская, 1А


«Пастернак. Раскованный голос»
аудиовизуальный альбом

Режиссер Арсений Мещеряков
Композитор Иван Ерофеев
Драматург Егор Зайцев
Видеохудожник Михаил Заиканов
Художник по костюмам Екатерина Эрдэни
Художник по свету Елена Перельман
Продюсер Евгения Кармазина

Исполнитель:
София Петрова, актриса театра «Мастерская Брусникина» 


Продолжительность: 1 ч. 20 мин.



12+

Он – этот мой голос – на черствой
Узде выплывает из мути...
Борис Пастернак

Совместный проект программы «Горизонты Д» и Дома творчества Переделкино* посвящен одному из самых известных жителей Переделкина, поэту и писателю Борису Пастернаку. Двухчастная композиция, состоящая из пролога и поэтического моноспектакля, позволяет проследить взаимосвязь жизни и творчества поэта: как менялся Пастернак и как менялся язык его стихов.

 Аудиопролог, созданный резидентом Дома творчества Егором Зайцевым по письмам Пастернака, становится точкой входа в постановку. Драматургия разворачивается в поле воображаемых телефонных разговоров Бориса Леонидовича, которые он вел или мог вести в периоды пребывания на Урале и в Переделкине.

В сценической части проекта режиссер Арсений Мещеряков превращает поэтические тексты Пастернака разных периодов в единую партитуру, находя неожиданные сходства и сближая противоречия, исследуя мелодику слов и явленную в них метаморфозу чувств. Для актрисы «Мастерской Брусникина» Софии Петровой стихи становятся вокально-драматической партией, образующей монолитную звуковую конструкцию во взаимодействии с электронной и шумовой средой, созданной Иваном Ерофеевым. Художественной рамкой происходящего выступает видеоинсталляция Михаила Заиканова.

* Переделкино — легендарный городок писателей, который появился рядом с Москвой в 1930-х годах. Здесь жили и работали выдающиеся литераторы ХХ века. Сегодня Переделкино — живой творческий центр с резиденциями, большой публичной программой, пространствами для работы и отдыха.
подробнее

Малый театральный зал

Завод Шпагина, Советская, 1А



«Пастернак. Раскованный голос»
аудиовизуальный альбом

Режиссер Арсений Мещеряков
Композитор Иван Ерофеев
Драматург Егор Зайцев
Видеохудожник Михаил Заиканов
Художник по костюмам Екатерина Эрдэни
Художник по свету Елена Перельман
Продюсер Евгения Кармазина

Исполнитель:
София Петрова, актриса театра «Мастерская Брусникина» 


Продолжительность: 1 ч. 20 мин.



12+

Он – этот мой голос – на черствой
Узде выплывает из мути...
Борис Пастернак

Совместный проект программы «Горизонты Д» и Дома творчества Переделкино* посвящен одному из самых известных жителей Переделкина, поэту и писателю Борису Пастернаку. Двухчастная композиция, состоящая из пролога и поэтического моноспектакля, позволяет проследить взаимосвязь жизни и творчества поэта: как менялся Пастернак и как менялся язык его стихов.

 Аудиопролог, созданный резидентом Дома творчества Егором Зайцевым по письмам Пастернака, становится точкой входа в постановку. Драматургия разворачивается в поле воображаемых телефонных разговоров Бориса Леонидовича, которые он вел или мог вести в периоды пребывания на Урале и в Переделкине.

В сценической части проекта режиссер Арсений Мещеряков превращает поэтические тексты Пастернака разных периодов в единую партитуру, находя неожиданные сходства и сближая противоречия, исследуя мелодику слов и явленную в них метаморфозу чувств. Для актрисы «Мастерской Брусникина» Софии Петровой стихи становятся вокально-драматической партией, образующей монолитную звуковую конструкцию во взаимодействии с электронной и шумовой средой, созданной Иваном Ерофеевым. Художественной рамкой происходящего выступает видеоинсталляция Михаила Заиканова.

* Переделкино — легендарный городок писателей, который появился рядом с Москвой в 1930-х годах. Здесь жили и работали выдающиеся литераторы ХХ века. Сегодня Переделкино — живой творческий центр с резиденциями, большой публичной программой, пространствами для работы и отдыха.
подробнее
Хоровой променад
17.06 ср
12:00

Хоровой променад
перформативный концерт

Пермская художественная галерея

подробнее
«Олонхосут»
17.06 ср
20:00

«Олонхосут»
моноопера на якутском языке

Подземная парковка «Кристалл»

подробнее
Хоровой променад
17.06 ср
21:00

Хоровой променад
перформативный концерт

Пермская художественная галерея

подробнее
«Олонхосут»
17.06 ср
23:00

«Олонхосут»
моноопера на якутском языке

Подземная парковка «Кристалл»

подробнее

Пермская художественная галерея

ул. Советская, 1, к. 5


Хоровой променад
перформативный концерт

Проект выпускников Образовательной программы Дягилевского фестиваля

Кураторы: Анна Фефелова, Виталий Полонский
Хормейстер и дирижер Виталий Полонский
Ассистент хормейстера Серафим Яковлев
Продюсер Тамара Безукладникова

Исполнители:
Фестивальный молодежный хор Дягилевского фестиваля


Продолжительность: 60 мин.

12+

Хоровой променад – это перформативный опыт слушания хоровой музыки в совместном движении публики и артистов по залам новой Пермской художественной галереи, открытой в 2026 году. Променады проходят через экспозиционные пространства: в них сочинения мировой музыкальной культуры вступают в диалог с полотнами из собраний западноевропейской и русской живописи XVI – XX веков.

Публика переходит из зала в зал, следуя за хором. Концерт предполагает готовность смотреть, слушать и одновременно двигаться вперед – навстречу пермским деревянным богам, к которым ведет каждый маршрут променада.
подробнее

Подземная парковка «Кристалл»

Комсомольский пр., д. 53

«Олонхосут»
моноопера на якутском языке
мировая премьера

Студия новой музыки
Театральная компания «НМХТ»

Композитор Никифор Яковлев
Дирижер Андрей Серов
Режиссер-концептмейкер Саша Шумилин 
Либретто Дарина Чиркова 
Медиарежиссер Настя Королева
Продюсер Дарья Луценко

Исполнители:
Сергей Малинин, солист
Анна Сыроватская, перформер
Студия новой музыки:
Мария Корякина, флейта, бас-флейта, флейта-пикколо
Игнат Красиков, кларнет, бас-кларнет
Наталья Черкасова, фортепиано
Варвара Косова, скрипка
Дарья Луценко, виолончель, кырыымпа
Аскар Михайлов, ударные

Администратор Евгения Изотова

Спектакль создан в копродукции 100-часового фестиваля «Пермский театральный» и Дягилевского фестиваля

Продолжительность: 60 мин.


16+

Олонхосут (якут. олоҥхоһут) — это сказитель, исполнитель якутского героического эпоса Олонхо. «Олонхосут» — моноопера на якутском языке для вокалиста, ансамбля и системы ручных проекций. Основой постановки становится космогония и философия Олонхо, согласно которой три мира — мир света, мир человека и мир разрушения — существуют одновременно внутри каждого человека.

Главный образ спектакля — белое солнце. Это единственный источник света в спектакле, объединяющий исполнителей и зрителей в одном пространстве: система ручных проекций создает ощущение реальности, постепенно превращаясь из созидающей энергии в разрушительную силу.

Соединяя традицию Олонхо, современную музыку, документальные записи сказителей и перформативную работу с проекцией, спектакль исследует хрупкое равновесие между светом и тьмой, без которого мир неизбежно приходит к мраку.
подробнее

Пермская художественная галерея

ул. Советская, 1, к. 5



Хоровой променад
перформативный концерт

Проект выпускников Образовательной программы Дягилевского фестиваля

Кураторы: Анна Фефелова, Виталий Полонский
Хормейстер и дирижер Виталий Полонский
Ассистент хормейстера Серафим Яковлев
Продюсер Тамара Безукладникова

Исполнители:
Фестивальный молодежный хор Дягилевского фестиваля


Продолжительность: 60 мин.

12+

Хоровой променад – это перформативный опыт слушания хоровой музыки в совместном движении публики и артистов по залам новой Пермской художественной галереи, открытой в 2026 году. Променады проходят через экспозиционные пространства: в них сочинения мировой музыкальной культуры вступают в диалог с полотнами из собраний западноевропейской и русской живописи XVI – XX веков.

Публика переходит из зала в зал, следуя за хором. Концерт предполагает готовность смотреть, слушать и одновременно двигаться вперед – навстречу пермским деревянным богам, к которым ведет каждый маршрут променада.
подробнее

Подземная парковка «Кристалл»

Комсомольский пр., д. 53


«Олонхосут»
моноопера на якутском языке

мировая премьера

Студия новой музыки
Театральная компания «НМХТ»

Композитор Никифор Яковлев
Дирижер Андрей Серов
Режиссер-концептмейкер Саша Шумилин 
Либретто Дарина Чиркова 
Медиарежиссер Настя Королева
Продюсер Дарья Луценко

Исполнители:
Сергей Малинин, солист
Анна Сыроватская, перформер
Студия новой музыки:
Мария Корякина, флейта, бас-флейта, флейта-пикколо
Игнат Красиков, кларнет, бас-кларнет
Наталья Черкасова, фортепиано
Варвара Косова, скрипка
Дарья Луценко, виолончель, кырыымпа
Аскар Михайлов, ударные

Администратор Евгения Изотова

Спектакль создан в копродукции 100-часового фестиваля «Пермский театральный» и Дягилевского фестиваля

Продолжительность: 60 мин.


16+

Олонхосут (якут. олоҥхоһут) — это сказитель, исполнитель якутского героического эпоса Олонхо. «Олонхосут» — моноопера на якутском языке для вокалиста, ансамбля и системы ручных проекций. Основой постановки становится космогония и философия Олонхо, согласно которой три мира — мир света, мир человека и мир разрушения — существуют одновременно внутри каждого человека.

Главный образ спектакля — белое солнце. Это единственный источник света в спектакле, объединяющий исполнителей и зрителей в одном пространстве: система ручных проекций создает ощущение реальности, постепенно превращаясь из созидающей энергии в разрушительную силу.

Соединяя традицию Олонхо, современную музыку, документальные записи сказителей и перформативную работу с проекцией, спектакль исследует хрупкое равновесие между светом и тьмой, без которого мир неизбежно приходит к мраку.
подробнее
Хоровой променад
18.06 чт
12:00

Хоровой променад
перформативный концерт

Пермская художественная галерея

подробнее
Хоровой променад
18.06 чт
21:00

Хоровой променад
перформативный концерт

Пермская художественная галерея

подробнее
Три сестры
19.06 пт
15:00

Три сестры
опера-вербатим

Пермский гуманитарно-педагогический университет, Бальный зал

подробнее
«Синтетическая морфология»
19.06 пт
18:00

«Синтетическая морфология»
хореографический перформанс

Театр «Балет Евгения Панфилова»

подробнее

Пермская художественная галерея

ул. Советская, 1, к. 5



Хоровой променад
перформативный концерт

Проект выпускников Образовательной программы Дягилевского фестиваля

Кураторы: Анна Фефелова, Виталий Полонский
Хормейстер и дирижер Виталий Полонский
Ассистент хормейстера Серафим Яковлев
Продюсер Тамара Безукладникова

Исполнители:
Фестивальный молодежный хор Дягилевского фестиваля

Продолжительность: 60 мин.

12+

Хоровой променад – это перформативный опыт слушания хоровой музыки в совместном движении публики и артистов по залам новой Пермской художественной галереи, открытой в 2026 году. Променады проходят через экспозиционные пространства: в них сочинения мировой музыкальной культуры вступают в диалог с полотнами из собраний западноевропейской и русской живописи XVI – XX веков.

Публика переходит из зала в зал, следуя за хором. Концерт предполагает готовность смотреть, слушать и одновременно двигаться вперед – навстречу пермским деревянным богам, к которым ведет каждый маршрут променада.
подробнее

Пермская художественная галерея

ул. Советская, 1, к. 5


Хоровой променад
перформативный концерт

Проект выпускников Образовательной программы Дягилевского фестиваля

Кураторы: Анна Фефелова, Виталий Полонский
Хормейстер и дирижер Виталий Полонский
Ассистент хормейстера Серафим Яковлев
Продюсер Тамара Безукладникова

Исполнители:
Фестивальный молодежный хор Дягилевского фестиваля


Продолжительность: 60 мин.

12+

Хоровой променад – это перформативный опыт слушания хоровой музыки в совместном движении публики и артистов по залам новой Пермской художественной галереи, открытой в 2026 году. Променады проходят через экспозиционные пространства: в них сочинения мировой музыкальной культуры вступают в диалог с полотнами из собраний западноевропейской и русской живописи XVI – XX веков.

Публика переходит из зала в зал, следуя за хором. Концерт предполагает готовность смотреть, слушать и одновременно двигаться вперед – навстречу пермским деревянным богам, к которым ведет каждый маршрут променада.
подробнее

Пермский гуманитарно-педагогический университет, Бальный зал

ул. Сибирская, 24


Три сестры
Проект выпускников Образовательной программы Дягилевского фестиваля

Куратор – Анна Фефелова

Композитор Анна Поспелова
Режиссер Виктория Агаркова
Дирижер Иван Виноградов
Художник Ирина Дерябина
Видеохудожник Артур Рахимзянов

В ролях: 

Ольга – Дарья Селезнева
Ирина – Мария Деева
Маша – Анна Холмовская
Андрей – Иван Виноградов, дирижер

Инструментальный ансамбль:
Дарья Морозова, флейта
Инна Друзь, скрипка
Екатерина Христова, виолончель


Продолжительность: 75 мин.

12+

Считается, что Антон Чехов, сочиняя пьесу «Три сестры», представлял себе Пермь. Писатель не конкретизировал место действия, но в письме Горькому от 16 октября 1900 года сообщал: «…действие происходит в провинциальном городе вроде Перми». По версии пермских краеведов, прототипами героинь могли быть три сестры Циммерман — Оттилия, Маргарита и Эвелина, известные жительницы города чеховской эпохи.

Действие оперы происходит на условном вокзале города N (Перми).  Здесь три сестры застряли в ожидании поезда в Москву, который никогда не придет. В течение спектакля зритель будет проживать вместе с чеховскими героинями четыре дня из их прошлого, каждый из которых равен одному акту пьесы. Каждый из дней состоит из трех воспоминаний-монологов.

Сестры рефлексируют о счастье и упущенных возможностях. Маша – об ошибках юности, жизни с нелюбимым мужем и невозможности счастья с тем, кого любит. Ольга – о собственном одиночестве и ответственности за семью. Ирина – о поисках себя, своего предназначения и любви.

В музыкальный текст оперы встроены вербатимы – прямая речь реальных женщин, чьи имена совпадают с именами трех сестер. В этих вербатимах наши современницы размышляют над теми же вопросами, что и чеховские героини больше ста лет назад. Прошлое и настоящее вступают в диалог в поисках ответа на вопрос, занимавший Тузенбаха и Вершинина: может ли человек быть счастлив сейчас или «счастье – это удел наших далеких потомков»?

Опера написана в рамках резиденции Союза композиторов России при поддержке Министерства культуры Российской Федерации. Партнер проекта: Московский театр «Новая опера» имени Е. В. Колобова
подробнее

Театр «Балет Евгения Панфилова»

ул. Петропавловская, д. 185

«Синтетическая морфология»
хореографический перформанс

Автор идеи Анастасия Алёхина
Режиссер Юрий Квятковский
Режиссер-постановщик, хореограф Александр Челидзе
Хореограф-постановщик Соня Голомолзина
Композиторы: Дмитрий Мазуров, Роман Малявкин
Видеохудожник Ксения Горланова
Художник по костюмам Ксения Зих
Продюсер Валентина Овчинникова

Перформеры: Анастасия Алёхина, Александр Челидзе, Полина Ченцова, Татьяна Краснова, Соня Голомолзина
Музыкант Роман Малявкин

Продолжительность: 50 мин.

12+

«Синтетическая морфология» — хореографический перформанс в трех действиях. Авторы задаются вопросом о времени, которое можно описать через конструкцию «уже не настоящее, еще не будущее», о моменте на грани между знакомым и неизвестным. Это переходное состояние фиксируется и выражается в хореографии и связях между перформерами на сцене.

Центральная фигура — это перформер с робо-протезами в виде тентаклей, которые меняют архитектуру человеческого тела и отнимают привычный способ управлять руками, но в то же время дают новые выразительные свойства для хореографии. Разные типы взаимодействия с этой «сущностью» складываются в череду метафор, описывающих нелинейные, гибридные формы жизни и мышления, которые развиваются в сетях, пронизанных симбиотическими связями. Сама способность к сотрудничеству с «Другим», незнакомым, оказывается одной из тем перформанса, но не исчерпывается ею. Авторы демонстрируют, как разные виды живых существ и абстрактных идей, разные морфологии и мировоззрения способны развиваться и действовать совместно. В музыке композитора Дмитрия Мазурова эта идея поддержана связью и взаимодействием электроники и «живого» аккордеона в руках музыканта, находящегося на сцене.
подробнее
Три сестры
20.06 сб
15:00

Три сестры
опера-вербатим

Пермский гуманитарно-педагогический университет, Бальный зал

подробнее
«Русская красота»
20.06 сб
18:00

«Русская красота»
перформанс-манифест

Музей современного искусства ПЕРММ

подробнее

Пермский гуманитарно-педагогический университет, Бальный зал

ул. Сибирская, 24


Три сестры
Проект выпускников Образовательной программы Дягилевского фестиваля

Куратор – Анна Фефелова

Композитор Анна Поспелова
Режиссер Виктория Агаркова
Дирижер Иван Виноградов
Художник Ирина Дерябина
Видеохудожник Артур Рахимзянов

В ролях: 

Ольга – Дарья Селезнева
Ирина – Мария Деева
Маша – Анна Холмовская
Андрей – Иван Виноградов, дирижер

Инструментальный ансамбль:
Дарья Морозова, флейта
Инна Друзь, скрипка
Екатерина Христова, виолончель


Продолжительность: 75 мин.



12+

Считается, что Антон Чехов, сочиняя пьесу «Три сестры», представлял себе Пермь. Писатель не конкретизировал место действия, но в письме Горькому от 16 октября 1900 года сообщал: «…действие происходит в провинциальном городе вроде Перми». По версии пермских краеведов, прототипами героинь могли быть три сестры Циммерман — Оттилия, Маргарита и Эвелина, известные жительницы города чеховской эпохи.

Действие оперы происходит на условном вокзале города N (Перми).  Здесь три сестры застряли в ожидании поезда в Москву, который никогда не придет. В течение спектакля зритель будет проживать вместе с чеховскими героинями четыре дня из их прошлого, каждый из которых равен одному акту пьесы. Каждый из дней состоит из трех воспоминаний-монологов.

Сестры рефлексируют о счастье и упущенных возможностях. Маша – об ошибках юности, жизни с нелюбимым мужем и невозможности счастья с тем, кого любит. Ольга – о собственном одиночестве и ответственности за семью. Ирина – о поисках себя, своего предназначения и любви.

В музыкальный текст оперы встроены вербатимы – прямая речь реальных женщин, чьи имена совпадают с именами трех сестер. В этих вербатимах наши современницы размышляют над теми же вопросами, что и чеховские героини больше ста лет назад. Прошлое и настоящее вступают в диалог в поисках ответа на вопрос, занимавший Тузенбаха и Вершинина: может ли человек быть счастлив сейчас или «счастье – это удел наших далеких потомков»?

Опера написана в рамках резиденции Союза композиторов России при поддержке Министерства культуры Российской Федерации. Партнер проекта: Московский театр «Новая опера» имени Е. В. Колобова
подробнее

Музей современного искусства ПЕРММ

ул. Крисанова, 4


«Русская красота»
перформанс-манифест

Автор идеи, режиссер, перформер Валерия Вава
Художник-постановщик, художник по свету Айкэ Штукенброк
Музыканты: Александр Васильев, Аркадий Пикунов
Куратор Юрий Квятковский


Продолжительность: 50 мин.

18+

«Русская красота» — перформанс-манифест о свободе художника и вере в искусство, способное выходить за границы и создавать точки соприкосновения там, где раньше существовала дистанция. Спектакль предлагает опыт, в котором личное высказывание становится коллективным переживанием.

Перформанс разворачивается как серия воспоминаний из жизни героини, в которых внутренняя дисциплина сталкивается с уязвимостью, а контроль — с необходимостью трансформации, физической и психологической. В центре — личное переживание, переходящее в универсальный опыт: размышление о магии человеческой души, различиях и глубинном сходстве, о хрупкости и силе духа. Через движение, действие и присутствие героиня исследует состояния, знакомые каждому, показывая, что за внешними различиями скрыты общие человеческие чувства.
Хореография Валерии Вава соединяет эскпериментальный танец и экстремальную физику, выстраивает напряженную динамику посредством работы с предельными возможностями тела и такими рискованными приемами, как взаимодействие со сценическими конструкциями, танец на коньках, полет на волосах.

Световая среда Айкэ Штукенброка формирует изменяющееся пространство и действует как активный партнер, влияя на восприятие и ритм.
подробнее