«Триумф Времени и Разочарования» — первая оратория Генделя, сочиненная во время поездки по Италии. В Риме действовал папский запрет на оперы — из-за него в моде были оратории, не отличавшиеся от опер фактически ничем, кроме морализирующих сюжетов. Именно такой сюжет предложил Генделю его друг, кардинал Бенедетто Памфили, и уже в мае 1707 года партитура "Триумфа Времени и Разочарования" была завершена. Много лет спустя, обосновавшись в Лондоне, Гендель дважды существенно перерабатывал «Триумф» — в результате первая его оратория является (в третьей редакции) одновременно и последней. Впрочем, раннюю версию все-таки исполняют чаще других.

Либретто, написанное кардиналом, предсказуемо выражает идеологию католической Контрреформации. Юная цветущая Красота стремится к удовольствиям, поощряемая Наслаждением — но Время и Разочарование наставляют ее на истинный путь. Наслаждение объявляется Врагом Истины — его подлинную неприглядную сущность демонстрирует угловатая и диссонантная музыка в некоторых ариях. Красота выбирает небесную благодать взамен обманчивой земной, соглашается постричься в монашество и претерпеть наказание за свой гедонизм. В финальной арии она мистически созерцает Вечность (в символически подходящей для этого тональности ми мажор) и предается размышлениям о смерти, эфемерной природе удовольствия и тщете всего сущего.

Гендель сочинял ораторию, находясь на пике музыкальной фантазии и изобретательности. Позже он не раз переносил номера из нее в другие свои сочинения — так, ария Наслаждения Lascia la spina, cogli la rosa стала хитом Lascia ch'io pianga в опере «Ринальдо». Музыка «Триумфа» настолько пронизана чувственностью, что, по сути, опровергает концепцию смиренного отказа от наслаждений, которую призвана иллюстрировать. Это неистовое, полное живой энергии, виртуозное и предельно требовательное к исполнителям сочинение. Написано оно в стиле concerto grosso, который переживал в те годы свой расцвет; Гендель демонстрирует, что владеет им в совершенстве, ни в чем не уступая итальянским коллегам (самый известный из которых, Корелли, руководил оркестром на премьере). Инструментальная интермедия из I акта — ранний образец органного концерта — изображает прекрасного юношу, играющего на органе в чертогах Наслаждения. Исследователи считают этот номер возможным автопортретом автора, «милого саксонца», фаворита римской знати.
  
В последние годы «Триумф Времени и Разочарования» регулярно исполняется в России. Новую версию представит труппа Нижегордского государственного академического театра оперы и балета. Музыкальный руководитель и дирижер — один из ведущих российских специалистов по старинной музыке Дмитрий Синьковский. Режиссер постановки — Елизавета Мороз, выпустившая в начале года свою интерпретацию оперы «Кармен» на сцене Нижегордской оперы. Зрителям Дягилевского фестиваля она знакома по перформансу «Мойры ФМ» и спектаклю «Спорынья», представленным в программе фестиваля прошлого года.

«Триумф Времени и Разочарования» — первая оратория Генделя, сочиненная во время поездки по Италии. В Риме действовал папский запрет на оперы — из-за него в моде были оратории, не отличавшиеся от опер фактически ничем, кроме морализирующих сюжетов. Именно такой сюжет предложил Генделю его друг, кардинал Бенедетто Памфили, и уже в мае 1707 года партитура "Триумфа Времени и Разочарования" была завершена. Много лет спустя, обосновавшись в Лондоне, Гендель дважды существенно перерабатывал «Триумф» — в результате первая его оратория является (в третьей редакции) одновременно и последней. Впрочем, раннюю версию все-таки исполняют чаще других.

Либретто, написанное кардиналом, предсказуемо выражает идеологию католической Контрреформации. Юная цветущая Красота стремится к удовольствиям, поощряемая Наслаждением — но Время и Разочарование наставляют ее на истинный путь. Наслаждение объявляется Врагом Истины — его подлинную неприглядную сущность демонстрирует угловатая и диссонантная музыка в некоторых ариях. Красота выбирает небесную благодать взамен обманчивой земной, соглашается постричься в монашество и претерпеть наказание за свой гедонизм. В финальной арии она мистически созерцает Вечность (в символически подходящей для этого тональности ми мажор) и предается размышлениям о смерти, эфемерной природе удовольствия и тщете всего сущего.

Гендель сочинял ораторию, находясь на пике музыкальной фантазии и изобретательности. Позже он не раз переносил номера из нее в другие свои сочинения — так, ария Наслаждения Lascia la spina, cogli la rosa стала хитом Lascia ch'io pianga в опере «Ринальдо». Музыка «Триумфа» настолько пронизана чувственностью, что, по сути, опровергает концепцию смиренного отказа от наслаждений, которую призвана иллюстрировать. Это неистовое, полное живой энергии, виртуозное и предельно требовательное к исполнителям сочинение. Написано оно в стиле concerto grosso, который переживал в те годы свой расцвет; Гендель демонстрирует, что владеет им в совершенстве, ни в чем не уступая итальянским коллегам (самый известный из которых, Корелли, руководил оркестром на премьере). Инструментальная интермедия из I акта — ранний образец органного концерта — изображает прекрасного юношу, играющего на органе в чертогах Наслаждения. Исследователи считают этот номер возможным автопортретом автора, «милого саксонца», фаворита римской знати.
  
В последние годы «Триумф Времени и Разочарования» регулярно исполняется в России. Новую версию представит труппа Нижегордского государственного академического театра оперы и балета. Музыкальный руководитель и дирижер — один из ведущих российских специалистов по старинной музыке Дмитрий Синьковский. Режиссер постановки — Елизавета Мороз, выпустившая в начале года свою интерпретацию оперы «Кармен» на сцене Нижегордской оперы. Зрителям Дягилевского фестиваля она знакома по перформансу «Мойры ФМ» и спектаклю «Спорынья», представленным в программе фестиваля прошлого года.

«Симфония псалмов» — одно из самых влиятельных сочинений XX века и самый известный из опусов Стравинского на религиозную тему. С классическими симфониями XIX века композиция Стравинского имеет мало общего — как представитель модерна, он ищет в ней новую выразительность, сдержанную и лишенную романтических сентиментов. Поиск уводит его глубоко в прошлое, к Баху и мастерам раннего барокко — Джованни Габриели и Шютцу с их «Священными симфониями». Стравинский убирает из оркестра «эмоциональные» скрипки, альты и кларнеты, увеличивает число духовых, чтобы получить архаическую, органную звучность, а в хоре предлагает использовать детские голоса вместо женских. Инструменты и голоса на равных участвуют у него в сложной контрапунктической ткани, в нотах встречаются типичные для ренессанса и барокко мадригализмы — звуковые иллюстрации к словам и визуальным образам.

Отношения между духовным и светским в «Симфонии псалмов» хорошо отражает формулировка ее посвящения: «Сочинено во славу Божию для Бостонского оркестра к его 50-летнему юбилею». Получив заказ на концертное сочинение, Стравинский воспользовался им для размышления на волновавшие его темы, а просьбу издателя «сочинить что-нибудь популярное» интерпретировал на свой лад. Не собираясь адаптировать музыку к массовому вкусу, он использовал псалмы - «поэмы восхваления, но также гнева и суда, и даже проклятий» — как известный всем («популярный») первоисточник. «Симфония псалмов» свободно обращается к музыкальным стилям сразу трех христианских конфессий, не пытаясь вписаться в прикладной церковный обиход. Вместе с тем, она остается личным и достаточно прямым религиозным высказыванием, в котором, по меркам Стравинского, на удивление мало иронии.

«Персефону» Стравинский называет мелодрамой, но речь идет не о сентиментальной любовной истории — скорее, имеется в виду особая форма «чтения под музыку», распространенная в начале XX века. С театральной точки зрения это сочинение смешанного жанра, в котором объединяются пение и декламация, античный хор и колыбельные песенки, пантомима и статуарные мизансцены. «Персефона» создавалась по заказу Иды Рубинштейн как балет — но мало чем напоминает привычные нам танцевальные спектакли. Ее синкретическая форма отсылает, скорее, к «балетам» времен Монтеверди, в которых пения подчас было гораздо больше, чем танца. 

В «Персефоне» Стравинский снова сочиняет ритуал весны — пусть и совсем не такой, как в «Весне священной». Здесь музыка мягче и лиричней, оркестр редко играет в полную силу, а миф, лежащий в основе сюжета — не праславянский, а античный. Греческая мифология и культура вообще крайне важны для Стравинского: воскрешая в своем творчестве доромантический художественный идеал, он восстанавливает отношение к античности как к образцу, живой практике, а не как к истории.

В версии Стравинского и Андре Жида Персефона оказывается протохристианской фигурой — ребенок богов, добровольно спустившийся в Аид из жалости к страдающим там душам и воскресающий к новой жизни под финальные строфы хора, в тексте которых исследователи видят отсылки к притче о пшеничном зерне из Евангелия от Иоанна (12:24). В образ Персефоны, обреченной странствовать между двумя мирами, Стравинский мог вложить и личные переживания артиста, стоящего (как все артисты) на границе между эстетическим наслаждением в башне из слоновой кости и неприглядной реальностью ежедневных человеческих страданий.

Спектакль исполнят оркестр, хор и танцевальная труппа musicAeterna под руководством режиссера Анны Гусевой и музыкального руководителя и дирижера Теодора Курентзиса. Премьерные показы состоятся 1 и 2 июля в Доме Музыки на заводе Шпагина. 

Проект реализуется при поддержке Президентского фонда культурных инициатив

«Симфония псалмов» — одно из самых влиятельных сочинений XX века и самый известный из опусов Стравинского на религиозную тему. С классическими симфониями XIX века композиция Стравинского имеет мало общего — как представитель модерна, он ищет в ней новую выразительность, сдержанную и лишенную романтических сентиментов. Поиск уводит его глубоко в прошлое, к Баху и мастерам раннего барокко — Джованни Габриели и Шютцу с их «Священными симфониями». Стравинский убирает из оркестра «эмоциональные» скрипки, альты и кларнеты, увеличивает число духовых, чтобы получить архаическую, органную звучность, а в хоре предлагает использовать детские голоса вместо женских. Инструменты и голоса на равных участвуют у него в сложманой контрапунктической ткани, в нотах встречаются типичные для ренессанса и барокко мадригализмы — звуковые иллюстрации к словам и визуальным образам.

Отношения между духовным и светским в «Симфонии псалмов» хорошо отражает формулировка ее посвящения: «Сочинено во славу Божию для Бостонского оркестра к его 50-летнему юбилею». Получив заказ на концертное сочинение, Стравинский воспользовался им для размышления на волновавшие его темы, а просьбу издателя «сочинить что-нибудь популярное» интерпретировал на свой лад. Не собираясь адаптировать музыку к массовому вкусу, он использовал псалмы - «поэмы восхваления, но также гнева и суда, и даже проклятий» — как известный всем («популярный») первоисточник. «Симфония псалмов» свободно обращается к музыкальным стилям сразу трех христианских конфессий, не пытаясь вписаться в прикладной церковный обиход. Вместе с тем, она остается личным и достаточно прямым религиозным высказыванием, в котором, по меркам Стравинского, на удивление мало иронии.

«Персефону» Стравинский называет мелодрамой, но речь идет не о сентиментальной любовной истории — скорее, имеется в виду особая форма «чтения под музыку», распространенная в начале XX века. С театральной точки зрения это сочинение смешанного жанра, в котором объединяются пение и декламация, античный хор и колыбельные песенки, пантомима и статуарные мизансцены. «Персефона» создавалась по заказу Иды Рубинштейн как балет — но мало чем напоминает привычные нам танцевальные спектакли. Ее синкретическая форма отсылает, скорее, к «балетам» времен Монтеверди, в которых пения подчас было гораздо больше, чем танца. 

В «Персефоне» Стравинский снова сочиняет ритуал весны — пусть и совсем не такой, как в «Весне священной». Здесь музыка мягче и лиричней, оркестр редко играет в полную силу, а миф, лежащий в основе сюжета — не праславянский, а античный. Греческая мифология и культура вообще крайне важны для Стравинского: воскрешая в своем творчестве доромантический художественный идеал, он восстанавливает отношение к античности как к образцу, живой практике, а не как к истории.

В версии Стравинского и Андре Жида Персефона оказывается протохристианской фигурой — ребенок богов, добровольно спустившийся в Аид из жалости к страдающим там душам и воскресающий к новой жизни под финальные строфы хора, в тексте которых исследователи видят отсылки к притче о пшеничном зерне из Евангелия от Иоанна (12:24). В образ Персефоны, обреченной странствовать между двумя мирами, Стравинский мог вложить и личные переживания артиста, стоящего (как все артисты) на границе между эстетическим наслаждением в башне из слоновой кости и неприглядной реальностью ежедневных человеческих страданий.

Спектакль исполнят оркестр, хор и танцевальная труппа musicAeterna под руководством режиссера Анны Гусевой и музыкального руководителя и дирижера Теодора Курентзиса. Премьерные показы состоятся 1 и 2 июля в Доме Музыки на заводе Шпагина. 

Проект реализуется при поддержке Президентского фонда культурных инициатив

Симфонический вечер оркестра musicAeterna посвящен Италии в творчестве Чайковского. Самый космополитичный из русских композиторов XIX века, Чайковский всю жизнь активно путешествовал по Европе, успев трижды побывать на Апеннинском полуострове уже к 1880 году. Сам характер его дарования скорее «итальянский», чем «немецкий»: Чайковский ценит открытые эмоции и выразительность мелодии, насыщает абстрактные симфонические жанры театральным драматизмом, а успех у публики ценит выше, чем одобрение критиков. В программу концерта вошли три его опуса, связанные с Италией музыкально или сюжетно.

Симфоническая фантазия «Франческа да Римини» соседствует в творческой биографии Чайковского с «Лебединым озером» и «Евгением Онегиным» — все три сочинения объединяет тема обреченности любви. Замысел «Франчески» возник у композитора по пути в Байрейт на премьеру «Кольца нибелунга»; позже Чайковский соглашался с мнением критиков о влиянии Вагнера на свою партитуру. В истории Паоло и Франчески композитора интересует прежде всего ее драматический потенциал. Чайковский не склонен к отвлеченным поискам звукового колорита, он эмоционально вовлечен в избранный сюжет, подчеркивая в нем остроту конфликта и глубину чувств персонажей. Сен-Санс ставил «Франческу» в музыкальном отношении выше «Данте-симфонии» Листа, а виолончелист Карл Давыдов, которому автор позже посвятит Итальянское каприччио, называл фантазию «величайшим произведением нашего времени». 

В декабре 1879 года Чайковский оказался в Риме в период карнавала и под впечатлением от увиденного задумал сочинить «что-нибудь вроде испанских фантазий Глинки». Несколько месяцев спустя партитура Итальянского каприччио была готова. Она действительно во многом наследует испанскому диптиху Глинки — от деталей формы и оркестровки до общего подхода к «национальному» как к развлекательной экзотике. Чайковский в Каприччио смотрит на Средиземноморье взглядом туриста: это райская земля, где нет печалей, борьбы и драм, а звуки лучатся радостью, светом и безмятежностью. «Едва ли найдется в русской классической музыке другое такое сочинение, где нет ни атома хмурости», — резюмировал после премьеры один из рецензентов.

Увертюра-фантазия «Ромео и Джульетта» — единственное крупное симфоническое сочинение Чайковского, не имеющее опусного номера. Чайковский мог считать увертюру не в полном смысле своим сочинением - поскольку роль Балакирева в ее создании, по сути, балансирует на грани соавторства. Именно Балакирев (которому увертюра и посвящена) предложил Чайковскому сюжет, тональный план, основные образы и даже конкретные изобразительные решения («свирепое Allegro с сабельными ударами»), а его критика заставила Чайковского сочинять заново целые отсеки формы, от интродукции до заключения. В «Ромео и Джульетте» Чайковский впервые нашел свою личную формулу симфонической драмы: фатальные образы рока, заостренные контрасты, эмоциональные волны, изолированная и отрешенная от окружающих бурь лирика, трагическая развязка конфликта и двусмысленный триумф. А также в первый раз в жизни взошел к вершине мелодической выразительности — в знаменитой теме любви, которую Римский-Корсаков позже признал «одной из лучших тем всей русской музыки».

Хор musicAeterna под управлением Виталия Полонского исполнит западноевропейскую музыку XVI-XXI веков для хора a capella.

Ночные концерты-энигмы в Пермской художественной галерее — одна из традиций Дягилевского фестиваля, определяющих его атмосферу. Под куполом галереи, в окружении пермских богов — уникальных деревянных скульптур — звучит музыка: какая именно — становится известно лишь после завершения программы. За это время полумрак в зале постепенно уступает место свету, и сразу после концерта зрители могут выйти на берег Камы, чтобы встретить восход.

«Барокко-гала» не пытается охватить в одном вечере полуторавековую эпоху целиком. Программа концерта предлагает нам один, но крайне важный ракурс: взгляд на итальянскую ветвь Высокого барокко и два главных ее достижения — оперу-сериа и инструментальный концертный стиль.

Гендель — немец, большую часть жизни проведший в Англии — является вместе с тем одним из главных представителей итальянского стиля, и закономерно занимает в программе вечера центральное место. Арии из его опер написаны в триумфальный лондонский период, когда в спектаклях возглавляемой Генделем Королевской академии музыки пело суперзвездное трио — кастрат Сенезино, Франческа Куццони и Фаустина Бордони. Их сменяют арии из англоязычных ораторий, написанных позже, когда итальянская опера в Англии вышла из моды и на пару веков была предана забвению. Ее стиль и методы продолжили жить в новом облике — в арии Деяниры из оратории "Геракл" Гендель трансформирует форму da capo в драматическую сцену и предвосхищает сцены сумасшествия из опер бельканто XIX века.

Перу Антонио Вивальди, кроме арий, принадлежат также единственные в программе чисто инструментальные сочинения. Среди них концерт из сборника L'estro armonico — возможно, самой влиятельной коллекции инструментальной музыки в XVIII веке. А рядом с ними — арии композиторов «второго ряда», чья музыка, на самом деле, ничуть не слабее музыки признанных звезд: ее гармонические эксперименты не менее смелы, вокальные партии не менее головоломны, а оркестр звучит с такой же лирической или гневной силой. Итальянская музыка пряма и чувственна, она сопротивляется дистанцированному слушанию и неумолимо втягивает нас в свою эмоциональную орбиту. Возможно, здесь и скрыт секрет ее популярности, не ослабевающей даже сейчас, 300 лет спустя.

На Дягилевском фестивале-2023 вокальный ансамбль musicAeterna4 при участии греческого инструменталиста, мастера игры на критской классической лире Йоргоса Калудиса представляет новую программу западноевропейской музыки средних веков и возрождения. Ее название, взятое из песни великого английского композитора Джона Доуленда Come Again…Sweet Love («Приди вновь… сладчайшая любовь») изящно намекает не только на основную тему программы — любовь земную как отражение любви небесной, — но и на ее кольцевую структуру.

Цикл песнопений открывается самыми ранними западноевропейскими гимнами, чье авторство нам известно: это Kyrie Eleison и O Virtus Sapientiae святой Хильдегарды Бингенской – визионерки, писательницы, необыкновенно самостоятельного композитора и деятельной аббатиссы XII века. Другие раннеполифонические средневековые произведения анонимны: сам институт авторства был не нужен монахам-«музикусам», соединявшим новые мотивы, тексты и ритмы со старыми, известными григорианскими хоралами или народными мелодиями. Их мотеты и виреле мы знаем по названиям кодексов — манускриптов, в которых они были записаны. Духовное и светское в их произведениях нередко смешивались буквально, по вертикали (когда три-четыре голоса одновременно распевали три-четыре разных текста, включавших и духовные гимны на латыни, и любовные песенки на национальных языках).

Полифонические и одноголосные сочинения самого крупного известного средневекового автора — поэта и композитора XIV века Гийома де Машо — служат своего рода мостом к новой эпохе, когда музыкальные произведения стало принято подписывать именем сочинителя. Впрочем, опусы «народного» происхождения – популярные песни и танцы, как прославленная английская баллада Greensleeves или французский турдион Quand je bois du vin clairet — по-прежнему хранили анонимность и допускали публикации множества тексто-музыкальных вариантов. С опусами Джона Доуленда, Томаса Таллиса, Орландо ди Лассо или Клодена де Сермизи, опубликованными в сборниках или передававшимися в рукописных в списках, такие вольности были уже непозволительны.

Дойдя до вершин ренессансной полифонии, концертная программа musicAeterna4 делает поворот назад — к Гийому де Машо и анонимной музыке XIII века, словно бы говоря: «Приди вновь…». Так в центре внимания исполнителей и в памяти слушателей закрепится средневековая звуковая стихия, поддержанная терпким тембром классической критской лиры в руках Йоргоса Калудиса.

musicAeterna4 — вокальный ансамбль a cappella — создан в 2012 году артистками хора musicAeterna, владеющими не только академической, но и эстрадно-джазовой вокальной техникой. Основу репертуара составляют авторские аранжировки национальных песен (русских, цыганских, греческих, татарских, испанских и др.), произведения современных композиторов, переложения джазовых и блюзовых композиций из бродвейских мюзиклов, саундтреков к кинофильмам.

Йоргос Калудис – виолончелист, исполнитель на классической критской лире, импровизатор, композитор. Как исполнитель на классической критской лире выпустил семь альбомов, выступал с сольными концертами в афинском зале «Мегарон», на фестивалях старинной, академической и джазовой музыки в разных странах Европы и в России, сотрудничал с такими коллективами как Государственный академический симфонический оркестр Санкт-Петербурга и камерный хор Lage Artis (Санкт-Петербург), Королевский национальный оркестр Шотландии, Кипрский симфонический оркестр, Национальный оркестр Салоников. В настоящее время работает над исследовательским проектом «Публикация методики преподавания игры на классической критской лире и применение современных технологий в исполнительских интерпретациях» на базе Университета Крита. Среди его творческих партнеров – меццо-сопрано Ирини Циракидис, пианистка Димитра Коккинопулу, актриса античной драмы София Хилл, а также трио Thesis и вокальный ансамбль musicAeterna4.

Jazzayris – это музыкальный проект, в котором звучат несколько музыкальных стилей Северной Африки, основанных на богатстве Алжирской традиционной музыки и ее различных стилей – от Алжира до Орана через Мостаганем и Адрар. Хасан и Халил выступают в качестве послов своей страны. Их проект призван пробудить воспоминания о древних мифах Алжира, выраженных в бесчисленных историях счастья и горя, радости и страстей.

Газаров — московский перкуссионист, многолетний соратник Леонида Агутина, адепт world music и латиноамериканских джазовых стилей. Руазми играет на саксофоне, ударных, гитаре и гембри — магрибской басовой лютне, которую выдалбливают из бревна, покрывают верблюжьей кожей и натягивают три струны из козьих жил. Беналиуа играет на мандолине, скрипке и кануне — арабской цитре, чье происхождение уходит в глубь веков, к Древней Греции и Месопотамии. Оба родом из Алжира (между их городами всего 80 километров, час езды на машине), но встретились в Москве, куда приехали, чтобы осваивать «западную» музыкальную практику. Руазми изучает в российской столице джаз. Беналиуа совершенствуется в игре на виолончели: два года назад он победил на международном конкурсе имени Прокофьева.

Музыку, которую играет трио, точнее всего было бы определить как world fusion — свободное смешение различных музыкальных форм с общим этническим колоритом. Вряд ли какая-нибудь народность согласится признать эту музыку своей, но коллектив и не пытается претендовать на точное следование фольклорной традиции. Взамен он культивирует своеобразную аутентичность гибридизации. Север Африки, от Танжера до Сахары — часть Средиземноморья, гигантского плавильного котла, испокон веков служившего местом обитания для многочисленных этносов, чьи культуры наслаивались и переплетались между собой. Ассирия, Рим, Византия и Оттоманская империя оставили здесь свой след. Богатейшая культура мусульманской Андалусии сохранилась здесь после Реконкисты. XX век принес сюда марширующие духовые оркестры и джазовые влияния. Пару красок добавляет и перенос этого бэкграунда на российскую сцену. По-видимому, музыка создавалась так всегда: ритмы, тембры и стили, оказавшиеся под рукой, складывались в каждый раз новую картину. Созерцать этот вечно изменчивый звуковой калейдоскоп, музыкальное здесь-и-сейчас — важный и часто захватывающий слушательский опыт.

musicAeterna Folk – проект, в котором принимают участие профессиональные исследователи и исполнители русского фольклора со всей России. Участники ансамбля занимаются изучением нематериального наследия и традиций русской культуры, расшифровкой редких песен, владеют мастерством исполнения виртуозных песенных традиций, таких как традиции молокан Кочубеевской общины и казаков-некрасовцев, деревни Шардонемь Пинежского района Архангельской области, села Завгороднее Бакалейского района и села Фощевато Белгородской области.

Ночные концерты-энигмы в Пермской художественной галерее — одна из традиций Дягилевского фестиваля, определяющих его атмосферу. Под куполом галереи, в окружении пермских богов — уникальных деревянных скульптур — звучит музыка: какая именно — становится известно лишь после завершения программы. За это время полумрак в зале постепенно уступает место свету, и сразу после концерта зрители могут выйти на берег Камы, чтобы встретить восход.

Рихард Вагнер — один из самых влиятельных композиторов в истории музыки, культурный герой, миф и символ, чье творчество и взгляды до сих пор являются предметом фанатичных дебатов. Оркестровая музыка принадлежит к бесспорным его творческим достижениям: техническое совершенство и выразительность его инструментовки признавали даже скептически настроенные критики. Вагнер — реформатор искусства оркестровки, а также родоначальник дирижерской практики в ее современном виде.

Существенное место в его симфоническом наследии занимают оперные увертюры. В традиционный жанр вступления к опере Вагнер привносит новые идеи, сложившиеся в программных симфонических поэмах Новой немецкой школы. Вагнеровская увертюра неотделима от оперы, которой она предшествует, не только из-за тематических связей. Предвосхищая драму, она иллюстрирует не внешние ее события, а ключевые философские проблемы, стоящие за сюжетом: конфликт плотской и духовной любви в «Тангейзере», пессимизм и вечно неутолимое любовное томление в «Тристане», излияние небесной благодати в мир в «Лоэнгрине» и т.д. Вошедшие в программу концерта увертюры образуют своего рода конспект зрелого творчества Вагнера, краткий дайджест немецкого героического эпоса, который композитор разрабатывал всю жизнь, заимствуя мотивы из рыцарских романов, средневековых легенд, античных мифов и исторических хроник.

Вступление к «Тристану и Изольде» предваряется новым сочинением Алексея Ретинского, написанным в уникальном жанре «увертюры к увертюре». Ретинского сближают с Вагнером внимание к оркестровому колориту и мифологичность артистического мышления. Название его композиции – «У воды нет волос» –  отсылает зрителя к романтическому и символистскому кругу образов, от вагнеровских рейнских русалок до Мелизанды Дебюсси-Метерлинка.

Ночные концерты-энигмы в Пермской художественной галерее — одна из традиций Дягилевского фестиваля, определяющих его атмосферу. Под куполом галереи, в окружении пермских богов — уникальных деревянных скульптур — звучит музыка: какая именно — становится известно лишь после завершения программы. За это время полумрак в зале постепенно уступает место свету, и сразу после концерта зрители могут выйти на берег Камы, чтобы встретить восход.

Концерт-энигма. Программа будет объявлена после окончания концерта.

Участник Дягилевских фестивалей прошлых лет, мультиперкуссионист Петр Главатских представляет проект «Времена 300», посвященный сразу двум годовщинам: трехсотлетию со дня основания Перми и трехсотлетию со времени создания «Времен года» Антонио Вивальди – цикла инструментальных концертов, ставшего лицом старинной музыки.

Концепция вечера выстроена вокруг идеи времени. Бесконечная циклическая смена времен года отражается здесь в музыке разных эпох. Традиционный пермский фольклор стоит в программе концерта рядом с барочными и современными сочинениями, придавая происходящему историческую и культурную перспективу. Фрагменты из «Времен года» Вивальди вступают в диалог с перкуссионным концертом конца XX века: Концерт для маримбы бразильского композитора Нея Розауро  за полвека с момента создания был исполнен по всему миру несколько тысяч раз и, по-видимому, может считаться одним из самых популярных перкуссионных сочинений в истории. Основой для музыки концерта служат латиноамериканские ритмы - таким же фундаментом для концертного стиля Вивальди были венецианские ритмы его времени. Программу дополняют сольные сочинения для перкуссии: «Черные облака» для вибрафона классика советского авангарда Эдисона Денисова и прелюдии самого Петра Главатских, посвященные весне, осени и зиме.

Кроме солиста в концерте участвуют Камерный оркестр Rosarium и творческое объединение «Репей».

Rosarium – коллектив, сосредоточенный на аутентичном исполнении музыки XVIII века. Он является частью факультета исторического и современного исполнительства Московской государственной консерватории с момента образования факультета в 1997 году, а в прошлом году уже представлял на Дягилевском фестивале программу из сочинений Баха и Телемана.

Ансамбль «Репей» изучает традиционную музыкальную культуру и изобретает формы ее представления в урбанистической среде. Солистки ансамбля владеют южнорусским стилем пения, редкими вокально-инструментальными техниками на многоствольных флейтах Пана: пэлянах, зорках, кугиклах и одноствольных флейтах: свистунах. Все флейты ансамбля сделаны участницами из гигантских зонтичных и злаковых трав. В концерт будет включен фольклорный материал, собранный в экспедициях по Пермскому краю и Югу России.

Фестивальная программа Московского ансамбля современной музыки (МАСМ) – это небольшой обзор способов работы современных композиторов с вербальным текстом. В фокусе внимания ансамбля – разные тактики взаимодействия текста, солиста и музыкантов-инструменталистов, а также разные типы текстов, положенных на музыку в сочинениях ведущих авторов поколения 50-летних. Три произведения, исполняемые МАСМ, складываются в парадоксальное повествование о любви и смерти. В нем «высокие» и «низкие» жанры имеют равное право голоса, напряжение смягчается иронией, а китч оборачивается трепетной лирикой.

Алексей Сысоев – московский композитор-радикалист с бэкграундом джазового пианиста, вкусом к экспериментальной электронике и неакадемическому вокалу – предстает автором сочинения 2018 года, в котором баритон и инструментальный ансамбль исполняют традиционные солирующую и аккомпанирующую роли. Нетрадиционен здесь текст. Mon aimée, ma belle Irène – это полный текст предсмертного письма русского поэта и этнографа, участника французского Сопротивления Бориса Вильде из немецкой тюрьмы, в котором ожидание расстрела осмысляется из перспективы вечности и любви: «Смерть для меня, это осуществление Великой Любви, вхождение в подлинную реальность».

Цикл кипрского композитора, резидента musicAeterna Андреаса Мустукиса на слова Гийома Аполлинера «одевает» в неакадемическую электронно-перкуссионную звуковую оболочку классические стихи об осени французского авангардиста, анархиста, эстета и основателя сюрреализма: «Лист \ Облетает \ Поезд \ Версты считает \ Жизнь \ Тает».

В сочинении известного российско-немецкого композитора, участника группы «СоМа» Владимира Раннева «Вот такая любовь» (2014) анонимный текст из сборника «Рукописный девичий рассказ» социолога Сергея Борисова появляется на видеоэкране, в то время как солистка лишь вздыхает вместе с инструментальным ансамблем в такт бегущим строкам, «перепевающим» мотивы Ромео и Джульетты на новый лад: «Виктор упал на колени. Он бился, целовал портрет Лены, но этого было мало, во имя любви он достал яд и выпил его. “Прости, Лена, прости за мою небрежность, прости за мою неполную любовь, Лена! Я умираю во имя тебя…”».

«История солдата» Игоря Стравинского — образец синтетического театрально-музыкального произведения в камерном жанре. Семь инструменталистов, чтецы и танцоры, присутствие которых сам Стравинский полагал необязательным, должны находиться на одной маленькой сцене в постоянном взаимодействии, при этом, каждый — строго в рамках своего вида искусства.

С музыкальной точки зрения «История солдата» находится на полпути от русского стиля трех больших балетов Игоря Стравинского («Жар-птица», «Петрушка» и «Весна священная») к его неоклассическим шедеврам 1920-х годов. Параллельно с «Историей солдата» Стравинский занимался «Свадебкой», и фольклорные интонации этого великого балета слышны не только в скрипичных соло Солдата — они пронизывают всю партитуру. Между тем, русский сюжет-коллаж из сказок о солдате и чёрте из сборника А. Н. Афанасьева послужил основой для вполне интернационального музыкального коллажа. Стравинский иронически кивает то на американский регтайм, то на французский вальс, пародирует то испанский пасодобль, то условно баховский хорал, а отсылки к военно-духовой музыке XIX века связывают «Историю солдата» с оперой «Мавра» — поклоном композитора в сторону «Золотого века» русской литературы и музыки.

Варвара Павлова — артистка БДТ им. Г. А. Товстоногова с 2004 года. Лауреат премии «Золотой софит» за роль Шарлотты в спектакле Люка Персеваля «Милосердная земля», лауреат премии «Золотая маска» в номинации «актерский ансамбль» в спектакле «Пьяные» Андрея Могучего
Виктор Бугаков — артист БДТ им. Г. А. Товстоногова с 2018 года. Участвовал в создании и организации театра ЦЕХЪ, в котором подвизается с 2013 года как актер и режиссер. Снимается в кино. В 2021 году выступил автором инсценировки рассказа А. П. Чехова «Душечка» для спектакля Театра-Фестиваля «Балтийский дом» (режиссер — Александра Мамкаева).

Алексей Зуев — пианист, гибко сочетающий в своем творчестве традиции русской и европейской исполнительских школ. Его карьера разворачивается в основном в альпийской Европе: он концертирует в Австрии, Швейцарии, Италии, Германии и Люксембурге, а его выступления в России проходят в рамках Московского Пасхального фестиваля, Дягилевского фестиваля и других крупных музыкальных форумов.

Программа концерта — это краткая история представления о рояле как "короле инструментов", способном соревноваться с оркестром в выразительности и масштабе звучания. Одним из первых и наиболее значительных пропагандистов этой идеи был Ференц Лист. Симфонии Бетховена в его транскрипции для фортепиано стали в своем роде манифестом, гимном безграничным возможностям инструмента.

«Жар-птица» Стравинского написана в период, когда в области симфонического колорита композиторы достигли вершины роскоши и изящества. Переложение балета лишает музыку изрядной части красочного оркестрового флера, выводит слушателя из романтического транса и предлагает ему более отстраненный и ясный взгляд на вещи. В фортепианной версии структура сочинения яснее, ритмы четче, а стилистические заимствования у коллег (от кучкистов до Скрябина и Дебюсси) более наглядны.

«Пять пальцев», сочиненные в 1921 году — важный опус, несмотря на скромные размеры. От его декларативной прозрачности и звуковой аскезы один шаг до будущего неоклассицизма. Рояль, возможно, впервые оказывается равен здесь сам себе и больше не пытается никому подражать. Век соперничества с оркестром остается позади.

В программу квартета солистов оркестра La Voce Strumentale вошла музыка чешских композиторов, погибших в концентрационных лагерях Второй мировой. До войны Павел Хаас, Ханс Краса, Гидеон Кляйн и Эрвин Шульхоф строили успешные музыкальные карьеры. После немецкой оккупации Чехии всех их ждала общая судьба. Как лицам еврейского происхождения им было запрещено работать, а их сочинения больше не допускались на концертную эстраду. Музыку Шульхофа нацисты еще в 30-е объявили «дегенеративной». В 1941 году он подал прошение о советском гражданстве и получил его, но был арестован прежде, чем смог выехать, и через год умер в тюрьме от туберкулеза. В 1944 году Хаас и Краса были убиты в концлагере Аушвиц. Кляйн погиб в январе 1945 года при ликвидации лагеря Фюрстенгрубе.

Третий струнный квартет Хааса завершен в 1938 году: к субъективной и эмоциональной лирике в нем примешивается тревожная, неспокойная нервозность. Струнный квартет Красы написан в 1921 году: это остро личное высказывание, в котором влияние поздних романтиков сочетается с интересом к массовой коммерческой музыке, черным юмором и парадоксальной монтажностью в духе Веймарской республики. Партита для струнных 1944 года — последнее сочинение Кляйна: через две недели после завершения, в возрасте 25 лет он был отправлен в Аушвиц. Пять пьес для струнного квартета Шульхофа 1923 года — короткие и технически изощренные упражнения в пародийной дансантности, почтенный барочный жанр танцевальной сюиты, отраженный в ироническом зеркале.

Греческий виолончелист, композитор, импровизатор, исследователь Йоргос Калудис много лет он исследует возможности игры на классической критской лире, одном из самых древних музыкальных инструментов. Соединяя техники виолончельной игры и особенности традиционной критской лиры, он усовершенствовал инструмент, добавив четвертую струну (нижнюю виолончельную до).

В программе из шедевров музыки средних веков и барокко этот древний инструмент, предок большинства европейских струнных смычковых прозвучит во всей тембровой красе и многообразии технических возможностей.

Классическая критская лира — грушевидный, как правило, трехструнный смычковый инструмент, нередко с дополнительными резонаторными струнами. Струны на нем зажимают ногтями, а не прижимают пальцами к деке. Один из самых древних способов звукоизвлечения дает непривычно разреженный посвистывающий тон. Он сохранился в неприкосновенности благодаря тому, что этот предок множества европейских смычковых на протяжении веков «жил» в локальной традиционной культуре, звучал на танцах (на смычок при этом нередко привешивали колокольчики) и не входил в поле зрения профессиональных музыкантов.

Йоргос Калудис углубился в исследования и практику игры на классической критской лире в 2005 году. Соединяя техники виолончельной игры и особенности традиционной критской лиры, он усовершенствовал инструмент, добавив четвертую струну.

В программе LA RÊVEUSE классическая критская лира предстает как идеальный сольный и аккомпанирующий вокалу (в исполнении самого Йоргоса Калудиса) инструмент для музыки средних веков. В то же время, благодаря авторским усовершенствованиям и авторским же транскрипциям классическая критская лира блестяще справляется с барочными шедеврами, написанными для виолы да гамба.

Программа открывается гимном Иоанну Крестителю, музыку которого приписывают основателю всей европейской нотной системы Гвидо Д’Ареццо: начальные слоги строк латинского гимна Ut queant laxis — ut, re, mi, fa, sol, la — и в наше время означают ступени звукоряда. Английская песня XIII века о прощании с летом соседствует с подборкой известных вокальных сочинений крупнейшего поэта и композитора эпохи средневековья Гийома де Машо. Вслед за ними звучат выдающиеся образцы французской музыки XVII-XVIII веков одночастный концерт для двух виол (в транскрипции для одной критской лиры) Жана де Сент-Коломба и пьесы его прославленного ученика Марена Маре.

Йоргос Калудис – виолончелист, исполнитель на классической критской лире, импровизатор, композитор. Как исполнитель на классической критской лире выпустил семь альбомов, выступал с сольными концертами в афинском зале «Мегарон», на фестивалях старинной, академической и джазовой музыки в разных странах Европы и в России, сотрудничал с такими коллективами как Государственный академический симфонический оркестр Санкт-Петербурга и камерный хор Lage Artis (Санкт-Петербург), Королевский национальный оркестр Шотландии, Кипрский симфонический оркестр, Национальный оркестр Салоников. В настоящее время работает над исследовательским проектом «Публикация методики преподавания игры на классической критской лире и применение современных технологий в исполнительских интерпретациях» на базе Университета Крита. Среди его творческих партнеров – меццо-сопрано Ирини Циракидис, пианистка Димитра Коккинопулу, актриса античной драмы София Хилл, а также трио Thesis и вокальный ансамбль musicAeterna4.

Дягилевский фестиваль завершается концертом альтернативной музыки. В лайнапе три команды, представляющие разные стороны актуальной клубной сцены: пост-панк готика в исполнении петербургского дуэта «ДК Посторонних», нуар-электро-поп от москвичей Love Object и психоделический дрим-поп пермской группы Half Moon Glass.

Выверенный гитарный минимализм и холодная городская лирика: «ДК Посторонних» возвращают в постпанк жанровую эклектику и создают меланхолическую полифонию, лейтмотивом которой становится поиск той трещины, что раскалывает надежды одну за другой, оставляя лишь горькое разочарование и страх перед будущим.

Love Object — новый интригующий электро-поп проект московского дуэта Даши Уточки и Дани Му. Оба ранее гастролировали по миру в качестве ди-джеев: Уточка в роли Dj Aktu и Mu в роли Mucity. Воображаемый мир Love Object населен персонажами, словно бы вышедшими из фильмов Кроненберга. Потустороннее звучание группы — это футуристический пейзаж в стиле нео-нуар, в котором разворачиваются странные драмы, а злодеи используют контроль над разумом, чтобы подвергнуть сомнению само значение слова «человек» в цифровом обществе.

Half Moon Glass — пермские приверженцы летнего расслабленного звучания в духе Tame Impala. Психоделический дрим-поп группы вместо запоминающихся мелодий выводит на первый план гитарный флэнжер, аналоговые секвенции синтезаторов, чилловый грув, мечтательный и меланхоличный саунд. Группа с успехом выступила на петербургском фестивале Shau Karau, вечернике «Ночь в музее» в PERMM и мн. др.

Марко Никодиевич и Лука Козловацки — техно-дуэт двух академических композиторов из Сербии. Марко Никодиевич был резидентом парижского Международного центра искусств и Симфонического оркестра Берлинского радио, его музыку исполняют ведущие ансамбли и оркестры Европы, включая musicAeterna. Он увлекается нелинейной математикой, теорией хаоса и алгоритмическими методами композиции. Сербско-шведский композитор и саунд-дизайнер Лука Козловацки изучал сонологию и алгоритмическую композицию в Королевской консерватории в Гааге, его музыку играют и клубе Under Bron Stockholm, и в Парижской филармонии. Вместе Никодиевич и Козловацки выступают на ведущих берлинских техно-фестивалях, создавая аскетичные танцевальные полотна из вязи дронов и лупов.  

Перформанс Därdemänd — это танцовщик Нурбек Батулла, хореограф Марсель Нуриев, режиссер Туфан Имамутдинов и композитор Эльмир Низамов, единомышленники, которые в 2017 году в Казани основали творческое объединение «Алиф». Их первым проектом стал пластический спектакль «Әлиф», принесший Нурбеку Батулле премию «Золотая маска» за исполнительское мастерство. С тех пор Батулла и объединение «Алиф» стали своего рода амбассадорами татарского современного танца, который обращается к теме национальной идентичности.

На стыке танца, перформанса, физического театра, поэзии и музыки «Алиф» исследует связь своего народа с родным языком, а шире — с историей и мифом. XX век у татар ознаменовался переходом от арабской вязи к кириллице и потерей возможности говорить с предками на одном языке. В каждой постановке объединение «Алиф» достает утраченное слово из недр национальной памяти и возвращает его, используя язык тела и танца.

В основе кросс-жанрового перформанса Därdemänd лежит поэзия промышленника рубежа XIX-XX веков Закира Рамиева: персидское слово Därdemänd, означающее «опечаленный», меценат взял себе в качестве псевдонима. Философская поэзия Рамиева не имела большого успеха при его жизни, но спустя век оказалась созвучна потомкам. Пластическое решение перформанса строится вокруг импровизации Нурбека Батуллы. Поэзия Därdemänd звучит в исполнении контртенора Рустама Яваева. Скрипка, альт и контрабас поддерживают неистовый танец солиста, словно проходящего обряд инициации в поисках духовной силы предков.

Нурбек Батулла — хореограф, режиссер, танцовщик. Выпускник Казанского хореографического училища и Российского государственного института сценических искусств (Санкт-Петербург). Лауреат «Золотой маски-2018» в номинации «Мужская роль/современный танец» за спектакль «Әлиф». Резидент театральной площадки MOÑ.

Марсель Нуриев — танцовщик, хореограф. Окончил театральный факультет Казанского университета культуры и искусства. В 2005–2013 годах работал артистом театра танца «Дорога из города», с 2010 года – руководитель студенческого театра танца «Без слов». Хореограф и исполнитель танцевального перформанса «ДӨР», отмеченного в нескольких номинациях «Золотой маски-2023».

Туфан Имамутдинов — режиссер. Окончил режиссерский факультет Российского института театрального искусства ГИТИС (Москва). Был приглашен Галиной Волчек в театр «Современник», служил режиссером московского Театра Наций. В 2014 году назначен главным режиссером Казанского театра юного зрителя. Сейчас главный режиссер Татарского государственного театра драмы и комедии им. Карима Тинчурина.

Эльмир Низамов — пианист, композитор. Окончил композиторский факультет и аспирантуру Казанской государственной консерватории. Работает с национальной музыкой, оперой и эстрадой.

Обратите внимание, в перформансе возможны художественные решения, не предназначенные для людей повышенной чувствительности.

Аудиоспектакль-променад «Персефона. До» – это предвкушение главного события фестиваля, премьеры сценической версии «Персефоны» и Симфонии псалмов Игоря Стравинского силами musicAeterna под руководством Теодора Курентзиса.

Проект стартует с началом фестиваля и продлится 9 дней. Режиссер Евгений Маленчев и драматург Екатерина Августеняк отправят участников своего site-specific проекта туда, куда в обычное время вход невозможен. Аудиоспектакль будет проходить в Закамске: известный по фоторепортажам и фильмам затон Пермской судоверфи станет местом впечатляющего путешествия в античный миф о вечном круговороте жизни и смерти, который обретает новое значение в ландшафте сегодняшнего дня.

Аудиоспектакль основан на беседах, интервью и воспоминаниях Игоря Стравинского, одного из крупнейших композиторов XX века, во многом определившего его «музыкальное лицо». Подобно Эвмолпу, излагающему содержание мифа в мелодраме «Персефона», главным героем проекта «Персефона. До» станет сам Стравинский. Встреча с Дягилевым, идея и история создания «Персефоны», «трагическое в изгнании» и многие другие темы лягут в основу аудио-мистерии, в которой, несмотря на информативность, ощущения станут важнее слов, а диалог с композитором превратится в диалог с мифом и природой.

Аудиоспектакль-променад «Персефона. До» – это предвкушение главного события фестиваля, премьеры сценической версии «Персефоны» и Симфонии псалмов Игоря Стравинского силами musicAeterna под руководством Теодора Курентзиса.

Проект стартует с началом фестиваля и продлится 9 дней. Режиссер Евгений Маленчев и драматург Екатерина Августеняк отправят участников своего site-specific проекта туда, куда в обычное время вход невозможен. Аудиоспектакль будет проходить в Закамске: известный по фоторепортажам и фильмам затон Пермской судоверфи станет местом впечатляющего путешествия в античный миф о вечном круговороте жизни и смерти, который обретает новое значение в ландшафте сегодняшнего дня.

Аудиоспектакль основан на беседах, интервью и воспоминаниях Игоря Стравинского, одного из крупнейших композиторов XX века, во многом определившего его «музыкальное лицо». Подобно Эвмолпу, излагающему содержание мифа в мелодраме «Персефона», главным героем проекта «Персефона. До» станет сам Стравинский. Встреча с Дягилевым, идея и история создания «Персефоны», «трагическое в изгнании» и многие другие темы лягут в основу аудио-мистерии, в которой, несмотря на информативность, ощущения станут важнее слов, а диалог с композитором превратится в диалог с мифом и природой.

Аудиоспектакль-променад «Персефона. До» – это предвкушение главного события фестиваля, премьеры сценической версии «Персефоны» и Симфонии псалмов Игоря Стравинского силами musicAeterna под руководством Теодора Курентзиса.

Проект стартует с началом фестиваля и продлится 9 дней. Режиссер Евгений Маленчев и драматург Екатерина Августеняк отправят участников своего site-specific проекта туда, куда в обычное время вход невозможен. Аудиоспектакль будет проходить в Закамске: известный по фоторепортажам и фильмам затон Пермской судоверфи станет местом впечатляющего путешествия в античный миф о вечном круговороте жизни и смерти, который обретает новое значение в ландшафте сегодняшнего дня.

Аудиоспектакль основан на беседах, интервью и воспоминаниях Игоря Стравинского, одного из крупнейших композиторов XX века, во многом определившего его «музыкальное лицо». Подобно Эвмолпу, излагающему содержание мифа в мелодраме «Персефона», главным героем проекта «Персефона. До» станет сам Стравинский. Встреча с Дягилевым, идея и история создания «Персефоны», «трагическое в изгнании» и многие другие темы лягут в основу аудио-мистерии, в которой, несмотря на информативность, ощущения станут важнее слов, а диалог с композитором превратится в диалог с мифом и природой.

Аудиоспектакль-променад «Персефона. До» – это предвкушение главного события фестиваля, премьеры сценической версии «Персефоны» и Симфонии псалмов Игоря Стравинского силами musicAeterna под руководством Теодора Курентзиса.

Проект стартует с началом фестиваля и продлится 9 дней. Режиссер Евгений Маленчев и драматург Екатерина Августеняк отправят участников своего site-specific проекта туда, куда в обычное время вход невозможен. Аудиоспектакль будет проходить в Закамске: известный по фоторепортажам и фильмам затон Пермской судоверфи станет местом впечатляющего путешествия в античный миф о вечном круговороте жизни и смерти, который обретает новое значение в ландшафте сегодняшнего дня.

Аудиоспектакль основан на беседах, интервью и воспоминаниях Игоря Стравинского, одного из крупнейших композиторов XX века, во многом определившего его «музыкальное лицо». Подобно Эвмолпу, излагающему содержание мифа в мелодраме «Персефона», главным героем проекта «Персефона. До» станет сам Стравинский. Встреча с Дягилевым, идея и история создания «Персефоны», «трагическое в изгнании» и многие другие темы лягут в основу аудио-мистерии, в которой, несмотря на информативность, ощущения станут важнее слов, а диалог с композитором превратится в диалог с мифом и природой.

Аудиоспектакль-променад «Персефона. До» – это предвкушение главного события фестиваля, премьеры сценической версии «Персефоны» и Симфонии псалмов Игоря Стравинского силами musicAeterna под руководством Теодора Курентзиса.

Проект стартует с началом фестиваля и продлится 9 дней. Режиссер Евгений Маленчев и драматург Екатерина Августеняк отправят участников своего site-specific проекта туда, куда в обычное время вход невозможен. Аудиоспектакль будет проходить в Закамске: известный по фоторепортажам и фильмам затон Пермской судоверфи станет местом впечатляющего путешествия в античный миф о вечном круговороте жизни и смерти, который обретает новое значение в ландшафте сегодняшнего дня.

Аудиоспектакль основан на беседах, интервью и воспоминаниях Игоря Стравинского, одного из крупнейших композиторов XX века, во многом определившего его «музыкальное лицо». Подобно Эвмолпу, излагающему содержание мифа в мелодраме «Персефона», главным героем проекта «Персефона. До» станет сам Стравинский. Встреча с Дягилевым, идея и история создания «Персефоны», «трагическое в изгнании» и многие другие темы лягут в основу аудио-мистерии, в которой, несмотря на информативность, ощущения станут важнее слов, а диалог с композитором превратится в диалог с мифом и природой.

Аудиоспектакль-променад «Персефона. До» – это предвкушение главного события фестиваля, премьеры сценической версии «Персефоны» и Симфонии псалмов Игоря Стравинского силами musicAeterna под руководством Теодора Курентзиса.

Проект стартует с началом фестиваля и продлится 9 дней. Режиссер Евгений Маленчев и драматург Екатерина Августеняк отправят участников своего site-specific проекта туда, куда в обычное время вход невозможен. Аудиоспектакль будет проходить в Закамске: известный по фоторепортажам и фильмам затон Пермской судоверфи станет местом впечатляющего путешествия в античный миф о вечном круговороте жизни и смерти, который обретает новое значение в ландшафте сегодняшнего дня.

Аудиоспектакль основан на беседах, интервью и воспоминаниях Игоря Стравинского, одного из крупнейших композиторов XX века, во многом определившего его «музыкальное лицо». Подобно Эвмолпу, излагающему содержание мифа в мелодраме «Персефона», главным героем проекта «Персефона. До» станет сам Стравинский. Встреча с Дягилевым, идея и история создания «Персефоны», «трагическое в изгнании» и многие другие темы лягут в основу аудио-мистерии, в которой, несмотря на информативность, ощущения станут важнее слов, а диалог с композитором превратится в диалог с мифом и природой.

Постоянные соавторы греческого режиссера Теодороса Терзопулоса композитор Панайотис Велианитис и ведущая актриса театра «Аттис» в Дельфах София Хилл представляют свой перформанс «В память о Прометее» — проект, где по-новому трактуется античный миф.

Прометей, по одной из версий — сын титана Иапета и океаниды Климены, создал людей. Желая помочь человечеству, он украл огонь из печи Гефеста или, по другой легенде, из колеса колесницы Солнца и передал его людям, чтобы облегчить их жизнь. Он также обучил их искусствам и наукам, дабы они создали цивилизацию.

По мысли авторов перформанса «В память о Прометее», люди придумали миф о Прометее, чтобы найти в нем отражение своих действий и истории. Они будто пытались снять с себя проклятие взаимного уничтожения и страданий, которое затмевает достижения их цивилизации и которое они сами на себя наслали.
В основе звуковой работы Панайотиса Велианитиса — сложная взаимосвязь электроники, обработанных и «чистых» полевых записей, а также записанная и отредактированная речь. Следуя структуре трагедии Эсхила «Прометей прикованный», автор преобразует в музыку поворотные моменты в истории человечества, например промышленную и технологическую революцию или экономический спад между Первой и Второй мировыми войнами.

Актриса-перформер София Хилл, подобно мифическому Нерею, пребывает в бесконечном процессе перевоплощения. Она изгоняет проклятие вечного наказания поверженных титанов и самого человечества. Ее путь пролегает по углям — это источник, из которого она черпает энергию, но в то же время это и ее наказание.

Панайотис Велианитис — композитор, один из первых греческих создателей электронной музыки. Сотрудник Центра исследований современной музыки (CMRC), основанного композитором Яннисом Ксенакисом, член Греческой ассоциации композиторов — авторов электроакустической музыки (HELMCA). С 1991 года — композитор постановок Теодороса Терзопулоса как в театре «Аттис», так и в других театрах в Греции и за ее пределами. Сотрудничал с греческим мандолинистом Димитрисом Мариносом, британским тромбонистом Джоном Кенни, российской сопрано Натальей Пшеничниковой и с выдающимися художниками-видеоартистами, среди которых — Яннис Кунеллис, Каллиопи Лемос, Михалис Арфарас, Григорис Семитеколо, Эрси Хатциаргиру, Элиас Табакеас и др.

София Хилл — актриса, перформер. После окончания драматической школы «Веаки» начала многолетнее сотрудничество с театром «Аттис» и Теодоросом Терзопулосом, приняв участие в спектаклях «Прометей прикованный» по Эсхилу, «Геракл» по Хайнеру Мюллеру, «Деньги» на тексты Бертольта Брехта, «Геракл в безумии» по Еврипиду, «Нисхождение» по мотивам фрагментов трагедий «Геракл в безумии» Еврипида и «Трахинянки» Софокла, «Гамлет: ученичество» по Борису Пастернаку и мн. др., а также в постановке оперы Дмитрия Курляндского «Носферату» (Пермский театр оперы и балета). Исполняла моноперформанс «Песнь М» по мотивам «Одиссеи» в Античном театре Аптеры, участвовала в спектакле «Клитемнестра, камерная музыка для одного инструмента» в рамках Афинского фестиваля.

Олег Нестеров, широко известный как лидер группы «Мегаполис» и основатель инди-лейбла «Снегири», давно интересуется музыкальной историей СССР. В 2014 году он создал проект «Из жизни планет», посвященный неснятым фильмам 1960-х годов, а в последние годы занят проектом «Три степени свободы. Музыка > кино > СССР», цель которого — извлечь из закромов неизданную советскую киномузыку и дать ей прописку в новом мире.  В результате работы исследовательского проекта появляются книги, сайты, виниловые и цифровые музыкальные сборники, выставки-концерты на киностудии «Ленфильм». В 2021 году в фокусе внимания был Альфред Шнитке, вторым героем стал Олег Каравайчук. Проект в его честь создан при содействии Фонда поддержки культурных проектов и сохранения наследия Oлега Kаравайчука.

Вокруг Олега Каравайчука, который много лет культивировал образ творца не от мира сего, сложился определенный культ. Текстовая часть «Трех степеней свободы» предлагает вариант разгадки феномена Каравайчука на основе воспоминаний композитора, его коллег и друзей, записей рассказов Каравайчука о его детстве и работе в кино. Концерт-выставка предоставляет зрителям возможность сосредоточиться на музыке и вынести с концерта чистые слуховые впечатления.

В концертах проекта используется акусмониум – «оркестр громкоговорителей», изобретенный в конце 1970-х годов пионером артхаусной электроники Франсуа Бейлем и позволяющий гибко управлять распределением акустических событий в пространстве. Акусмониум – это полсотни динамиков различных форм, размеров и частотных характеристик. Исполнитель управляет громкостью каждого из них, перемещая звук по залу и погружая зрителя в динамически изменяющийся sonic space.

Исполняться будет сочиненная Олегом Нестеровым пространственная композиция - в ней фрагменты киномузыки Каравайчука собраны в 11 сквозных для его творчества смысловых линий. Дирижером акусмониума станет Илья Symphocat, исполнитель и композитор, работающий на стыке электронной музыки, современной классической музыки и минимализма. Автор видеоинсталляции – Михаил Заиканов, художник и видеохудожник, известный своими работами для МХТ им. А.П. Чехова, Театра Олега Табакова, Центра им. Вс. Мейерхольда, Театра «Практика» и других.

Аудиоспектакль-променад «Персефона. До» – это предвкушение главного события фестиваля, премьеры сценической версии «Персефоны» и Симфонии псалмов Игоря Стравинского силами musicAeterna под руководством Теодора Курентзиса.

Проект стартует с началом фестиваля и продлится 9 дней. Режиссер Евгений Маленчев и драматург Екатерина Августеняк отправят участников своего site-specific проекта туда, куда в обычное время вход невозможен. Аудиоспектакль будет проходить в Закамске: известный по фоторепортажам и фильмам затон Пермской судоверфи станет местом впечатляющего путешествия в античный миф о вечном круговороте жизни и смерти, который обретает новое значение в ландшафте сегодняшнего дня.

Аудиоспектакль основан на беседах, интервью и воспоминаниях Игоря Стравинского, одного из крупнейших композиторов XX века, во многом определившего его «музыкальное лицо». Подобно Эвмолпу, излагающему содержание мифа в мелодраме «Персефона», главным героем проекта «Персефона. До» станет сам Стравинский. Встреча с Дягилевым, идея и история создания «Персефоны», «трагическое в изгнании» и многие другие темы лягут в основу аудио-мистерии, в которой, несмотря на информативность, ощущения станут важнее слов, а диалог с композитором превратится в диалог с мифом и природой.

Аудиоспектакль-променад «Персефона. До» – это предвкушение главного события фестиваля, премьеры сценической версии «Персефоны» и Симфонии псалмов Игоря Стравинского силами musicAeterna под руководством Теодора Курентзиса.

Проект стартует с началом фестиваля и продлится 9 дней. Режиссер Евгений Маленчев и драматург Екатерина Августеняк отправят участников своего site-specific проекта туда, куда в обычное время вход невозможен. Аудиоспектакль будет проходить в Закамске: известный по фоторепортажам и фильмам затон Пермской судоверфи станет местом впечатляющего путешествия в античный миф о вечном круговороте жизни и смерти, который обретает новое значение в ландшафте сегодняшнего дня.

Аудиоспектакль основан на беседах, интервью и воспоминаниях Игоря Стравинского, одного из крупнейших композиторов XX века, во многом определившего его «музыкальное лицо». Подобно Эвмолпу, излагающему содержание мифа в мелодраме «Персефона», главным героем проекта «Персефона. До» станет сам Стравинский. Встреча с Дягилевым, идея и история создания «Персефоны», «трагическое в изгнании» и многие другие темы лягут в основу аудио-мистерии, в которой, несмотря на информативность, ощущения станут важнее слов, а диалог с композитором превратится в диалог с мифом и природой.

Аудиоспектакль-променад «Персефона. До» – это предвкушение главного события фестиваля, премьеры сценической версии «Персефоны» и Симфонии псалмов Игоря Стравинского силами musicAeterna под руководством Теодора Курентзиса.

Проект стартует с началом фестиваля и продлится 9 дней. Режиссер Евгений Маленчев и драматург Екатерина Августеняк отправят участников своего site-specific проекта туда, куда в обычное время вход невозможен. Аудиоспектакль будет проходить в Закамске: известный по фоторепортажам и фильмам затон Пермской судоверфи станет местом впечатляющего путешествия в античный миф о вечном круговороте жизни и смерти, который обретает новое значение в ландшафте сегодняшнего дня.

Аудиоспектакль основан на беседах, интервью и воспоминаниях Игоря Стравинского, одного из крупнейших композиторов XX века, во многом определившего его «музыкальное лицо». Подобно Эвмолпу, излагающему содержание мифа в мелодраме «Персефона», главным героем проекта «Персефона. До» станет сам Стравинский. Встреча с Дягилевым, идея и история создания «Персефоны», «трагическое в изгнании» и многие другие темы лягут в основу аудио-мистерии, в которой, несмотря на информативность, ощущения станут важнее слов, а диалог с композитором превратится в диалог с мифом и природой.

Аудиоспектакль-променад «Персефона. До» – это предвкушение главного события фестиваля, премьеры сценической версии «Персефоны» и Симфонии псалмов Игоря Стравинского силами musicAeterna под руководством Теодора Курентзиса.

Проект стартует с началом фестиваля и продлится 9 дней. Режиссер Евгений Маленчев и драматург Екатерина Августеняк отправят участников своего site-specific проекта туда, куда в обычное время вход невозможен. Аудиоспектакль будет проходить в Закамске: известный по фоторепортажам и фильмам затон Пермской судоверфи станет местом впечатляющего путешествия в античный миф о вечном круговороте жизни и смерти, который обретает новое значение в ландшафте сегодняшнего дня.

Аудиоспектакль основан на беседах, интервью и воспоминаниях Игоря Стравинского, одного из крупнейших композиторов XX века, во многом определившего его «музыкальное лицо». Подобно Эвмолпу, излагающему содержание мифа в мелодраме «Персефона», главным героем проекта «Персефона. До» станет сам Стравинский. Встреча с Дягилевым, идея и история создания «Персефоны», «трагическое в изгнании» и многие другие темы лягут в основу аудио-мистерии, в которой, несмотря на информативность, ощущения станут важнее слов, а диалог с композитором превратится в диалог с мифом и природой.

Аудиоспектакль-променад «Персефона. До» – это предвкушение главного события фестиваля, премьеры сценической версии «Персефоны» и Симфонии псалмов Игоря Стравинского силами musicAeterna под руководством Теодора Курентзиса.

Проект стартует с началом фестиваля и продлится 9 дней. Режиссер Евгений Маленчев и драматург Екатерина Августеняк отправят участников своего site-specific проекта туда, куда в обычное время вход невозможен. Аудиоспектакль будет проходить в Закамске: известный по фоторепортажам и фильмам затон Пермской судоверфи станет местом впечатляющего путешествия в античный миф о вечном круговороте жизни и смерти, который обретает новое значение в ландшафте сегодняшнего дня.

Аудиоспектакль основан на беседах, интервью и воспоминаниях Игоря Стравинского, одного из крупнейших композиторов XX века, во многом определившего его «музыкальное лицо». Подобно Эвмолпу, излагающему содержание мифа в мелодраме «Персефона», главным героем проекта «Персефона. До» станет сам Стравинский. Встреча с Дягилевым, идея и история создания «Персефоны», «трагическое в изгнании» и многие другие темы лягут в основу аудио-мистерии, в которой, несмотря на информативность, ощущения станут важнее слов, а диалог с композитором превратится в диалог с мифом и природой.

Аудиоспектакль-променад «Персефона. До» – это предвкушение главного события фестиваля, премьеры сценической версии «Персефоны» и Симфонии псалмов Игоря Стравинского силами musicAeterna под руководством Теодора Курентзиса.

Проект стартует с началом фестиваля и продлится 9 дней. Режиссер Евгений Маленчев и драматург Екатерина Августеняк отправят участников своего site-specific проекта туда, куда в обычное время вход невозможен. Аудиоспектакль будет проходить в Закамске: известный по фоторепортажам и фильмам затон Пермской судоверфи станет местом впечатляющего путешествия в античный миф о вечном круговороте жизни и смерти, который обретает новое значение в ландшафте сегодняшнего дня.

Аудиоспектакль основан на беседах, интервью и воспоминаниях Игоря Стравинского, одного из крупнейших композиторов XX века, во многом определившего его «музыкальное лицо». Подобно Эвмолпу, излагающему содержание мифа в мелодраме «Персефона», главным героем проекта «Персефона. До» станет сам Стравинский. Встреча с Дягилевым, идея и история создания «Персефоны», «трагическое в изгнании» и многие другие темы лягут в основу аудио-мистерии, в которой, несмотря на информативность, ощущения станут важнее слов, а диалог с композитором превратится в диалог с мифом и природой.

Композитор Алексей Ретинcкий создаст звуковое сопровождение кадров немого документального фильма «Весной» (1929), далеко выходящее за пределы традиционной таперской практики, но придерживающееся принципа импровизационности. По словам композитора, «дать новую звуковую интерпретацию тишине немого кино и контрапунктивно углубить визуальное повествование — это то, к чему кинематограф стремился в своем раннем становлении. И по сей день зазор между тем, что мы видим и тем, что слышим, является непознанной terra incogita, очень неохотно, но все же раскрывающей свои очертания». В представлении будут использованы электроника, звуковые кинетические объекты Германа Виноградова и другие нестандартные музыкальные инструменты в авторском исполнении.

Авангардистский шедевр «Весной» (1929) – дебют Михаила Кауфмана, кинооператора Дзиги Вертова, в режиссуре. «Весной» – ответ Кауфмана на фильм «Человек с киноаппаратом», доказавший, что без помощи титров можно выражать глубокие идеи, но делать это иначе, чем Дзига Вертов. В основе работы – наблюдения за ходом жизни людей и природы. Фильм разделен на пять частей: «На переломе», «Весенние заботы», «Быт», «Народные праздники», «Весна идет».

Аудиоспектакль-променад «Персефона. До» – это предвкушение главного события фестиваля, премьеры сценической версии «Персефоны» и Симфонии псалмов Игоря Стравинского силами musicAeterna под руководством Теодора Курентзиса.

Проект стартует с началом фестиваля и продлится 9 дней. Режиссер Евгений Маленчев и драматург Екатерина Августеняк отправят участников своего site-specific проекта туда, куда в обычное время вход невозможен. Аудиоспектакль будет проходить в Закамске: известный по фоторепортажам и фильмам затон Пермской судоверфи станет местом впечатляющего путешествия в античный миф о вечном круговороте жизни и смерти, который обретает новое значение в ландшафте сегодняшнего дня.

Аудиоспектакль основан на беседах, интервью и воспоминаниях Игоря Стравинского, одного из крупнейших композиторов XX века, во многом определившего его «музыкальное лицо». Подобно Эвмолпу, излагающему содержание мифа в мелодраме «Персефона», главным героем проекта «Персефона. До» станет сам Стравинский. Встреча с Дягилевым, идея и история создания «Персефоны», «трагическое в изгнании» и многие другие темы лягут в основу аудио-мистерии, в которой, несмотря на информативность, ощущения станут важнее слов, а диалог с композитором превратится в диалог с мифом и природой.

Аудиоспектакль-променад «Персефона. До» – это предвкушение главного события фестиваля, премьеры сценической версии «Персефоны» и Симфонии псалмов Игоря Стравинского силами musicAeterna под руководством Теодора Курентзиса.

Проект стартует с началом фестиваля и продлится 9 дней. Режиссер Евгений Маленчев и драматург Екатерина Августеняк отправят участников своего site-specific проекта туда, куда в обычное время вход невозможен. Аудиоспектакль будет проходить в Закамске: известный по фоторепортажам и фильмам затон Пермской судоверфи станет местом впечатляющего путешествия в античный миф о вечном круговороте жизни и смерти, который обретает новое значение в ландшафте сегодняшнего дня.

Аудиоспектакль основан на беседах, интервью и воспоминаниях Игоря Стравинского, одного из крупнейших композиторов XX века, во многом определившего его «музыкальное лицо». Подобно Эвмолпу, излагающему содержание мифа в мелодраме «Персефона», главным героем проекта «Персефона. До» станет сам Стравинский. Встреча с Дягилевым, идея и история создания «Персефоны», «трагическое в изгнании» и многие другие темы лягут в основу аудио-мистерии, в которой, несмотря на информативность, ощущения станут важнее слов, а диалог с композитором превратится в диалог с мифом и природой.

Аудиоспектакль-променад «Персефона. До» – это предвкушение главного события фестиваля, премьеры сценической версии «Персефоны» и Симфонии псалмов Игоря Стравинского силами musicAeterna под руководством Теодора Курентзиса.

Проект стартует с началом фестиваля и продлится 9 дней. Режиссер Евгений Маленчев и драматург Екатерина Августеняк отправят участников своего site-specific проекта туда, куда в обычное время вход невозможен. Аудиоспектакль будет проходить в Закамске: известный по фоторепортажам и фильмам затон Пермской судоверфи станет местом впечатляющего путешествия в античный миф о вечном круговороте жизни и смерти, который обретает новое значение в ландшафте сегодняшнего дня.

Аудиоспектакль основан на беседах, интервью и воспоминаниях Игоря Стравинского, одного из крупнейших композиторов XX века, во многом определившего его «музыкальное лицо». Подобно Эвмолпу, излагающему содержание мифа в мелодраме «Персефона», главным героем проекта «Персефона. До» станет сам Стравинский. Встреча с Дягилевым, идея и история создания «Персефоны», «трагическое в изгнании» и многие другие темы лягут в основу аудио-мистерии, в которой, несмотря на информативность, ощущения станут важнее слов, а диалог с композитором превратится в диалог с мифом и природой.

Аудиоспектакль-променад «Персефона. До» – это предвкушение главного события фестиваля, премьеры сценической версии «Персефоны» и Симфонии псалмов Игоря Стравинского силами musicAeterna под руководством Теодора Курентзиса.

Проект стартует с началом фестиваля и продлится 9 дней. Режиссер Евгений Маленчев и драматург Екатерина Августеняк отправят участников своего site-specific проекта туда, куда в обычное время вход невозможен. Аудиоспектакль будет проходить в Закамске: известный по фоторепортажам и фильмам затон Пермской судоверфи станет местом впечатляющего путешествия в античный миф о вечном круговороте жизни и смерти, который обретает новое значение в ландшафте сегодняшнего дня.

Аудиоспектакль основан на беседах, интервью и воспоминаниях Игоря Стравинского, одного из крупнейших композиторов XX века, во многом определившего его «музыкальное лицо». Подобно Эвмолпу, излагающему содержание мифа в мелодраме «Персефона», главным героем проекта «Персефона. До» станет сам Стравинский. Встреча с Дягилевым, идея и история создания «Персефоны», «трагическое в изгнании» и многие другие темы лягут в основу аудио-мистерии, в которой, несмотря на информативность, ощущения станут важнее слов, а диалог с композитором превратится в диалог с мифом и природой.