ПРОГРАММА
События
20.06 чт
19:00

Теодор Курентзис и musicAeterna: Бах «Страсти по Матфею»

Большой зал Пермской филармонии

подробнее
21.06 пт
17:00

musicAeterna Brass: оперные шедевры

Большой зал Пермской филармонии

подробнее
22.06 сб
19:00

Стравинский. «Похождения повесы» (премьера)

Пермский театр оперы и балета

подробнее
22.06 сб
23:30

Петр Главатских и Амир Хатаи (Иран): «Солнцеворот»

Органный зал Пермской филармонии

подробнее

Большой зал Пермской филармонии

Иоганн Себастьян Бах
(1685–1750)
«Страсти по Матфею»,
духовная оратория для солистов, двойного хора и двойного оркестра на либретто Пикандера (Кристиана Фридриха Хенрици), BWV 244

Исполняют:
Хор и оркестр musicAeterna
Детский хор «Весна» им А.С. Пономарева
Приглашенные солисты

Дирижер – Теодор Курентзис

Солисты:
Сопрано – Елизавета Свешникова, Елене Гвритишвили
Альты – Андрей Немзер, Наталья Буклага
Тенора – Егор Семенков в партии Евангелиста, Борис Степанов
Басы – Алексей Кротов в партии Иисуса, Игорь Подоплелов, Николай Мазаев

12+

Сейчас сложно представить, что «Страсти по Матфею» Иоганна Себастьяна Баха – этот краеугольный камень всей европейской музыки XVIII-XXI веков – двадцатилетнему Феликсу Мендельсону пришлось открывать заново в 1829 году. В родном лейпцигском соборе Св. Фомы «Страсти» исполнялись не только при жизни Баха, но и еще полвека (до 1800 года), но общеевропейскую, а затем всемирную известность этот шедевр обрел благодаря романтикам – во времена, когда принципы организации музыки и сами инструменты эпохи барокко канули, как тогда казалось, в лету. «Страсти по Матфею» (а за ними Месса си минор и другие сочинения Баха) оказались способны преодолеть стилевой, технологический и мировоззренческий разрыв и заговорить с людьми нового времени на их языке. С тех пор каждая эпоха по-своему понимала и интерпретировала эту духовную ораторию. С укреплением движения исторически информированного исполнительства «Страсти» были «переоткрыты» в их более или менее первозданном виде. И все же, процесс изучения композиторского замысла, поиска новых способов его постижения и восприятия продолжается до сих пор.
подробнее

Большой зал Пермской филармонии

Увертюры, арии, сюиты из опер Моцарта, Россини, Оффенбаха, Вагнера и Пуччини в переложениях для брасс-ансамбля, миниатюры разных жанров.

6+

Семейство коллективов musicAeterna пополнилось брасс-ансамблем: артисты оркестра из группы медных духовых объединились под руководством трубача Павла Курдакова. На Дягилевском фестивале состоится первый большой концерт musicAeterna Brass.

В первом отделении прозвучит музыка из известных опер в переложениях для брасс-ансамбля. Оркестровые увертюры из «Волшебной флейты» Моцарта и «Вильгельма Телля» Россини и сложнейшие арии – например, ария Царицы Ночи из «Волшебной флейты» или арии Пуччини в сюите-попурри из его сочинений – требуют большой виртуозности и мастерства драматичной кантилены. Баркарола из оперы Оффенбаха «Сказки Гофмана» нуждается в нежной изящной подаче. Все эти оперные хиты в новой инструментальной оболочке с характерными для меди штрихами, красками и звуковой плотностью станут в большой степени сюрпризами для слушателей. И лишь Хор пилигримов из оперы Вагнера «Тангейзер» со своим сурово-экстатическом пафосом, напротив, словно сам стремится навстречу меди.

Второе отделение концерта напомнит об истоках ансамблей медных духовых. Впервые они стали популярными в ренессансном XVI веке, затем развивались как фанфарные оркестры, этнические ансамбли (например, на Балканах) или музыка для пленэра (самой экзотической формой которой стал русский роговой оркестр). Широкий репертуар брасс-ансамблей, как правило, основан на популярной, узнаваемой, часто танцевальной музыке. В русле этой традиции и будет построена вторая часть концерта-презентации musicAeterna Brass.

.
подробнее

Пермский театр оперы и балета

Игорь Стравинский 
(1882–1971)

«Похождения повесы», опера (1951)

Либретто Уистена Одена и Честера Колмена 

Музыкальный руководитель постановки и дирижер: Федор Леднёв
Режиссер-постановщик: Андрей Прикотенко
Сценограф и художник по костюмам: Ольга Шаишмелашвили
Художник по свету: Константин Бинкин
Дирижер-ассистент: Иван Худяков-Веденяпин
Ассистент режиссера: Татьяна Полуэктова

Постановка Пермского театра оперы и балета в рамках Дягилевского фестиваля

16+

Премьера "Похождений повесы" состоялась в венецианском театре La Fenice в 1951 году, через четыре года после того, как Игорь Стравинский увидел на выставке в Чикаго одноименную серию гравюр Уильяма Хогарта. Либретто к опере написал поэт Уистен Хью Оден, с которым Стравинского познакомил их общий друг Олдос Хаксли. Под пером Одена сюжет Хогарта из сатирического очерка бытовых нравов превратился в моральную притчу, а персонажи стали символами отвлеченных понятий - авантюризма, либертинажа, чувства долга или вечной любви. "Похождения повесы" воскрешают дух поэзии и театра времен аристократического старого режима. Здесь сельская невинность противостоит испорченной городской жизни, своеволие наказывается, праздность ввергает в грех, женщины носят бороды, люди превращаются в статуи, машины делают хлеб из камней, а рядом с героями действуют Купидон, Венера, Фортуна и сам Дьявол.

"Похождения повесы" - единственная у Стравинского большая опера в точном смысле слова: с ариями, ансамблями и речитативами, многоактная, и не смешанная с другими жанрами. Сочинение оперы по строгим классическим канонам было для композитора не рутинной практикой, а манифестом. Стравинский утверждал, что "музыкальная драма и опера - две очень разные вещи". В своей партитуре он подчеркнуто игнорирует театральные реформы нового времени, черпая вдохновение в эпохе Россини и Доницетти.

Критики называли "Похождения повесы" конспектом опер Моцарта; перед началом работы Стравинский и в самом деле основательно изучил нескольких опер венского классика. Нарочитая старомодность оперной формы становится у него отправной точкой для модернистских игр. Музыка "Похождений повесы", как и либретто, балансирует между уважением к прошлому и ироничным взглядом на него. В ограничениях Стравинский ищет свободу, он подчеркивает парадоксальность оперы как музыкальной формы и заставляет слово и музыку иронизировать друг на другом. "Похождения повесы" со смехом глядят на XVIII век, отражая его в кривом зеркале. Но пародия для Стравинского - знак уважения: хорошо спародировать можно только то, что знаешь и крепко любишь.
подробнее

Органный зал Пермской филармонии

Исполнители:
Петр Главатских, маримба, ударные, аранжировки
Амир Хатаи (Иран), сантур, томбак

Программа:
Интродукция
Эндрю Томас (р. 1939)
«На краю света» для маримбы соло
«Сегях», традиционный персидский дастгях, сантур соло
Оснат Нетзер (р. 1979)
«Таксим», парафраз Петра Главатских для маримбы и томбака
Кейко Абэ (р. 1937)
«Мечты о вишневом цветении» для маримбы соло
«Шур», традиционный персидский дастгях, сантур соло
Петр Чайковский (1840–1893)
«Арабский танец» из балета «Щелкунчик», парафраз и импровизация на заданную тему Петра Главатских и Амира Хатаи для маримбы и сантура
Хусейн Ализаде (р. 1951)
«Новруз 62» для сантура и ударных
Небойша Йован Живкович 
(р. 1962)
«Илиаш», парафраз и импровизация на заданную тему Петра Главатских и Амира Хатаи для маримбы и сантура

18+

Новый проект постоянного участника Дягилевского фестиваля, московского мультиперкуссиониста, композитора и продюсера Петра Главатских посвящен дню летнего солнцестояния. Этот поворотный момент года празднуется во многих традиционных культурах. Одна из древнейших практик чествования самого длинного дня и самой короткой ночи родилась в зороастрийской Персии. Современный иранский праздник середины лета Тирган, конечно, значительно переосмыслен, но в его сердцевине на протяжении многих веков сохраняются не только ритуалы, например, взаимодействие с водой, но и музыка. Персидская классическая музыкальная традиция никогда не пресекалась. Ее основа сложилась в эпоху правления зороастрийской династии Сасанидов и с тех пор развивалась в едином русле, оказывая ключевое влияние на музыкальное искусство других ближневосточных культур.

В центре проекта «Солнцеворот» - не просто соседство, а взаимодействие современных произведений для перкуссионных инструментов и персидской классической музыки. Вместе с Петром Главатских автором проекта выступает Амир Хатаи – иранский композитор, импровизатор, мастер игры на традиционных персидских инструментах томбак (деревянный барабан в форме кубка) и сантур (разновидность цимбал, известная еще с ассирийско-вавилонских времен). Амир Хатаи исполнит традиционные дастгяхи – не столько произведения, сколько системы ладов, мелодических и ритмических рисунков, внутри которых музыкант импровизирует. Но помимо этого, он внедрится в западноевропейскую музыкальную стихию. В опус израильтянки Оснат Нетзер «Таксим» для маримбы соло будет включен томбак, сочинение сербского композитора Небойши Йована Живковича прозвучит в редакции для маримбы и сантура. Слушателей особенно порадует вариация Главатских и Хатаи на «Арабский танец» из балета Чайковского «Щелкунчик».

Программа носит подзаголовок «концерт-медитация». Авторы проекта создают единое звуковое пространство, своего рода реку музыки, прихотливо текущую между Западом и Востоком, и просят не прерывать течение этой реки аплодисментами.
подробнее
23.06 вс
17:00—22:00

Чехов. «Три сестры»

Пермский дом народного творчества

подробнее
23.06 вс
18:00

Okho

Театр-Театр

подробнее
23.06 вс
19:00

Стравинский. «Похождения повесы» (премьера)

Пермский театр оперы и балета

подробнее
23.06 вс
23:30

Thesis Trio (Греция): ALPHA F

Частная филармония «Триумф»

подробнее

Пермский дом народного творчества

Драматический театр «Грань» (Новокуйбышевск)
Антон Чехов «Три сестры»
Если бы знать, если бы знать!

Постановка – Денис Бокурадзе
Сценография – Денис Бокурадзе при участии Виктора Никоненко 
Художник по костюмам – Урсула Берг 
Художник по свету – Евгений Ганзбург
Композитор – Арсений Плаксин
Хореограф-постановщик – Александр Шуйский 
Ассистент хореографа – Ирина Павлова
Режиссер видеоряда – Леонид Яньшин

18+

Драматический театр "Грань" из небольшого города Новокуйбышевска Самарской области стал известен по всей России в 2010-е, когда спектакли нового худрука и режиссера театра Дениса Бокурадзе один за другим стали попадать в лонг- и шорт-листы «Золотой маски», получать номинации и награды этой и других российских театральных премий. Денис Бокурадзе – актер, выросший в театрах «СамАрт» и «Грань», и режиссер, соединивший камерное пространство театра и крупную драматургию, классику и современность – в последние годы много ставит в Москве: в Театре на Таганке и Театре Наций. В родном новокуйбышевском коллективе он создал сплоченную труппу и постановочную команду, сохраняющую дух студийности и страсть к тщательной проработке деталей.
 
 Три генеральские дочки – Ольга, Маша и Ирина Прозоровы, чье детство прошло в Москве, заброшены судьбой в провинциальный городок. В городе квартируют военные, и нет ничего удивительного, что одна из сестер, Маша, влюбляется в подполковника Александра Вершинина. Но может быть пьеса, а за ней и спектакль совсем о другом?
 
 Премьера спектакля «Три сестры» состоялась в феврале 2023 года. Текст Чехова не просто сохранен полностью, но расширен с помощью приемов пластического театра. Главным действующим (а не мечтающим бесплодно) лицом постановки стало время. Оно проявлено в проецируемых на задник циферблатах, тиканье часов, вплетенном в саундтрек Арсения Плаксина, дано в физических ощущениях. Спектакль длится пять часов, и мучительное ожидание, в котором пребывают чеховские герои, передается зрителям непосредственно. Артисты находятся совсем рядом, обращаются к сидящим в зале, просят их пересаживаться с места на место, словно напоминая: «Это все о вас».
 
Денис Бокурадзе поясняет: «Мы наблюдаем, как герои томятся в бесконечном ожидании чего-то лучшего, несбыточного, а меж тем сегодняшнее время (возможности) уходит, утекает сквозь пальцы. Мы делаем классику не современной, а вне времени. Человеческая сущность остается неизменной. Не хочется проводить прямую параллель с нынешним днем, потому что это будет и сегодня, и завтра. И еще через 100 лет, и через 200, и через 300».<br>
подробнее

Театр-Театр

физическая драма
на музыку Яниса Ксенакиса и Джозефа Томпкинса
Хореограф – Владимир Варнава

Янис Ксенакис (1922–2001)
Rebonds A/B для перкуссии соло (1987-1989)
Okho для трех джембе (1989)

Джозеф Томпкинс (р. 1970)
To Varese для перкуссии соло (2015)

Янис Ксенакис
Persephassa, секстет для мультиперкуссии (1969)

Исполнители:
Танцевальная труппа musicAeterna Dance
Художественный руководитель Анна Гусева
Хореограф – Анастасия Пешкова

Moscow Percussion Ensemble
Художественный руководитель – Андрей Волосовский



12+

Okho – физическая драма для девяти танцовщиков musicAeterna Dance и шести перкуссионистов ансамбля Moscow Percussion Ensemble. В основе драмы лежат космогонические мифы, так или иначе трактующие тему превращения Хаоса в Космос (Порядок). Действие постановки разворачивается между танцовщиками и музыкантами в общем поле притяжения и отталкивания, созидания и разрушения. В наслоении движений, напряженной пульсации перкуссионных тембров и ритмов участники драмы исследуют пределы своих физических возможностей, чтобы обнаружить, где заканчивается тело и начинается чистая энергия.

Спектакль Okho следует за идеями греческого классика-авангардиста, композитора и архитектора Яниса Ксенакиса, выраженными в его музыке для ударных инструментов.

Rebonds A/B фокусирует внимание участников и зрителей постановки на сочетании «академических» и «этнических» перкуссионных тембров и техник, индетерминированной последовательности контрастных звуковых пластов – то хрупких и разреженных, то полных яростной мощи, – которая одновременно создает эффекты и саспенса, и созерцания.

подробнее

Пермский театр оперы и балета

Игорь Стравинский 
(1882–1971)

«Похождения повесы», опера (1951)

Либретто Уистена Одена и Честера Колмена 

Музыкальный руководитель постановки и дирижер: Федор Леднёв
Режиссер-постановщик: Андрей Прикотенко
Сценограф и художник по костюмам: Ольга Шаишмелашвили
Художник по свету: Константин Бинкин
Дирижер-ассистент: Иван Худяков-Веденяпин
Ассистент режиссера: Татьяна Полуэктова

Постановка Пермского театра оперы и балета в рамках Дягилевского фестиваля

16+

Премьера "Похождений повесы" состоялась в венецианском театре La Fenice в 1951 году, через четыре года после того, как Игорь Стравинский увидел на выставке в Чикаго одноименную серию гравюр Уильяма Хогарта. Либретто к опере написал поэт Уистен Хью Оден, с которым Стравинского познакомил их общий друг Олдос Хаксли. Под пером Одена сюжет Хогарта из сатирического очерка бытовых нравов превратился в моральную притчу, а персонажи стали символами отвлеченных понятий - авантюризма, либертинажа, чувства долга или вечной любви. "Похождения повесы" воскрешают дух поэзии и театра времен аристократического старого режима. Здесь сельская невинность противостоит испорченной городской жизни, своеволие наказывается, праздность ввергает в грех, женщины носят бороды, люди превращаются в статуи, машины делают хлеб из камней, а рядом с героями действуют Купидон, Венера, Фортуна и сам Дьявол.

"Похождения повесы" - единственная у Стравинского большая опера в точном смысле слова: с ариями, ансамблями и речитативами, многоактная, и не смешанная с другими жанрами. Сочинение оперы по строгим классическим канонам было для композитора не рутинной практикой, а манифестом. Стравинский утверждал, что "музыкальная драма и опера - две очень разные вещи". В своей партитуре он подчеркнуто игнорирует театральные реформы нового времени, черпая вдохновение в эпохе Россини и Доницетти.

Критики называли "Похождения повесы" конспектом опер Моцарта; перед началом работы Стравинский и в самом деле основательно изучил нескольких опер венского классика. Нарочитая старомодность оперной формы становится у него отправной точкой для модернистских игр. Музыка "Похождений повесы", как и либретто, балансирует между уважением к прошлому и ироничным взглядом на него. В ограничениях Стравинский ищет свободу, он подчеркивает парадоксальность оперы как музыкальной формы и заставляет слово и музыку иронизировать друг на другом. "Похождения повесы" со смехом глядят на XVIII век, отражая его в кривом зеркале. Но пародия для Стравинского - знак уважения: хорошо спародировать можно только то, что знаешь и крепко любишь.
подробнее

Частная филармония «Триумф»

Исполнители:
Ирини Циракидис, меццо-сопрано
Йоргос Калудис, виолончель, классическая критская лира, аранжировки
Димитра Коккинополу, фортепиано

Программа:
Яннис Константинидис 
(1903–1984)
Песни из цикла Από τα Είκοσι τραγούδια του Ελληνικού Λαού | “20 песен народа Греции” (1937–1947)
1 Πιάνω πέτρες και λιθάρια  | “Я хватаюсь за камни и скалы”
2. Λαλούδι της Μονεμβασιάς | “Крепость Монемвасия”
3. Δεν ειν’αυγή να σηκωθώ | “Едва рассвело, не рано ль просыпаться”
4. Εχθές βράδυ επρόβαλα | “Вчера поздно ночью я пришел”
5. Κίνησα εχθές να έρθω | “Вчера я пустился в путь”
Никос Скалкоттас (1904–1949)
Τρυφερή Μελωδία | “Нежная мелодия” для виолончели и фортепиано, АК 65 (1949)
Статис Гифтакис (р. 1967)
O Mistress mine |“Где ты, милая” на слова Уильяма Шекспира
Amé desde hace tiempo | “Люблю уже целую вечность” на слова Пабло Неруды
Йоргос Калудис (р. 1973)
Τρικυμία | “Буря” для классической критской лиры соло
Валерио Матола (р. 1975)
Песни на стихи Ангелоса Сикелианоса
Ηαυτοκτονία του Adjesivano | “Самоубийство Адьесивано”
Αναδυομένη | “Афродита, выходящая из моря”
Επιστροφή | “Возвращение”
Вангелино Курентзис (р. 1973)
Произведение-энигма

18+

Трио «Тезис» - проект меццо-сопрано Ирини Циракидис, пианистки Димитры Коккинополу и виолончелиста, композитора, мастера игры на классической критской лире Йоргоса Калудиса. Трио основано в 2018 году и фокусируется на исполнении камерных сочинений современных греческих композиторов. Мощный, драматичный голос известной оперной певицы Ирини Циракидис находится в эпицентре музыкальных событий, которые трио создает на концертах. К академическим тембрам фортепиано и виолончели добавляется терпкое звучание классической критской лиры – древнего национального инструмента с особым способом звукоизвлечения.

Программа Alpha F – это коллекция песен крупнейших греческих композиторов XX века, а также сочинений наших современников. Обработки народных песен из цикла Янниса Константинидиса «Двадцать песен народа Греции» - классика прошлого века, блестящий образец соединения фольклорного материала и постромантически-импрессионистской фортепианной стихии. «Нежная мелодия» для виолончели и фортепиано Никоса Скалкоттаса – первого греческого модерниста, ученика и последователя Шёнберга, чье творчество так и не нашло признания при жизни автора – представляет композитора с неожиданной, лиричной стороны. Статис Гифтакис и Валерио Матола – композиторы рубежа XX-XXI веков – воплощают поэзию Шекспира, Пабло Неруды и Ангелоса Сикелианоса в неоромантичных полотнах, подчас достигающих масштаба театральной драмы. В концертную программу также включены новое сочинение Вангелино Курентзиса и собственное произведение Йоргоса Калудиса – не только инструменталиста, но и успешного композитора, работающего с акустическими и электронными инструментами.
подробнее
24.06 пн
21:00

Чехов. «Три сестры»

Пермский дом народного творчества

подробнее
25.06 вт
23:00

Ольга Волкова: Изаи. Шесть сонат для скрипки соло

Органный зал Пермской филармонии

подробнее

Большой зал Пермской филармонии

Людвиг ван Бетховен (1770–1827)
Соната № 13 ми-бемоль мажор (Sonata quasi una Fantasia), ор.27, № 1 (1801)
Andante. Allegro. Andante
Allegro molto e vivace
Adagio con espressione
Allegro vivace
Милий Балакирев (1837–1910)
Скерцо № 2 си-бемоль минор, BM. 108 (1900)
Людвиг ван Бетховен
Соната № 15 ре мажор («Пасторальная»), ор. 28 (1801)
Allegro
Andante
Scherzo, Allegro vivace
Rondo. Allegro ma non troppo
Сергей Ляпунов (1859–1924)
«Лезгинка», № 10 из цикла «12 трансцендентных этюдов для фортепиано», op. 11 (1897–1905)
Фредерик Шопен (1810–1849)
Скерцо № 2 си-бемоль минор, ор. 31 (1835–1837)
Людвиг ван Бетховен
Соната № 17 ре минор («Буря»), ор. 31 № 2 (1802)
Largo — Allegro
Adagio
Allegretto
Милий Балакирев
Скерцо № 3 фа-диез мажор, BM. 117 (1901)
«Исламей», восточная фантазия, ор. 18, BM. 62 (1869)

6+

Пианист Борис Березовский предлагает программу, которая охватывает ровно сто лет музыкальной истории, с 1801 по 1901 годы. Между включенными в концерт сочинениями возникают параллели и неожиданные рифмы, которые позволяют увидеть в фортепианной музыке XIX века единое, динамично развивающееся целое.

Ядром программы стали три сонаты Людвига ван Бетховена, принадлежащие к среднему периоду его творчества. В это время, добившись устойчивого признания в Вене как композитор и пианист, Бетховен экспериментирует с формой и содержанием своих сочинений. 13 соната вступает в диалог с популярным в то время жанром фантазии, чьи приметы - компактность, парадоксальные смены контрастных аффектов, отсутствие пауз между частями и общая атмосфера творческой непочтительности к правилам. В 15 сонате Бетховен возвращается к устоявшейся схеме "большой сонаты" и пишет одну из самых светлых своих композиций, получившую от издателей титул "Пасторальной". Даже в поздние годы композитор охотно играл друзьям медленную часть этой сонаты, в которой найден на редкость удачный баланс сердитого юмора и лирической грусти. 17 соната, одна из самых известных у Бетховена, вносит в инструментальную музыку возвышенный трагизм театрального жеста. Ромен Роллан видел в ней противостояние "потока неумолимой и дикой силы" и "владычества мысли, которая парит в высоте". Динамичные гармонии и резкие смены образов складываются в бесконечный вихрь времени, который гонит героя на поединок с судьбой; композитор наверняка вложил в музыку эмоции, которые испытывал в борьбе с подступающей глухотой.
подробнее

Пермский дом народного творчества

Драматический театр «Грань» (Новокуйбышевск)
Антон Чехов «Три сестры»
Если бы знать, если бы знать!

Постановка – Денис Бокурадзе
Сценография – Денис Бокурадзе при участии Виктора Никоненко 
Художник по костюмам – Урсула Берг 
Художник по свету – Евгений Ганзбург
Композитор – Арсений Плаксин
Хореограф-постановщик – Александр Шуйский 
Ассистент хореографа – Ирина Павлова
Режиссер видеоряда – Леонид Яньшин


18+

Драматический театр "Грань" из небольшого города Новокуйбышевска Самарской области стал известен по всей России в 2010-е, когда спектакли нового худрука и режиссера театра Дениса Бокурадзе один за другим стали попадать в лонг- и шорт-листы «Золотой маски», получать номинации и награды этой и других российских театральных премий. Денис Бокурадзе – актер, выросший в театрах «СамАрт» и «Грань», и режиссер, соединивший камерное пространство театра и крупную драматургию, классику и современность – в последние годы много ставит в Москве: в Театре на Таганке и Театре Наций. В родном новокуйбышевском коллективе он создал сплоченную труппу и постановочную команду, сохраняющую дух студийности и страсть к тщательной проработке деталей.

Три генеральские дочки – Ольга, Маша и Ирина Прозоровы, чье детство прошло в Москве, заброшены судьбой в провинциальный городок. В городе квартируют военные, и нет ничего удивительного, что одна из сестер, Маша, влюбляется в подполковника Александра Вершинина. Но может быть пьеса, а за ней и спектакль совсем о другом?

Премьера спектакля «Три сестры» состоялась в феврале 2023 года. Текст Чехова не просто сохранен полностью, но расширен с помощью приемов пластического театра. Главным действующим (а не мечтающим бесплодно) лицом постановки стало время. Оно проявлено в проецируемых на задник циферблатах, тиканье часов, вплетенном в саундтрек Арсения Плаксина, дано в физических ощущениях. Спектакль длится пять часов, и мучительное ожидание, в котором пребывают чеховские герои, передается зрителям непосредственно. Артисты находятся совсем рядом, обращаются к сидящим в зале, просят их пересаживаться с места на место, словно напоминая: «Это все о вас».

Денис Бокурадзе поясняет: «Мы наблюдаем, как герои томятся в бесконечном ожидании чего-то лучшего, несбыточного, а меж тем сегодняшнее время (возможности) уходит, утекает сквозь пальцы. Мы делаем классику не современной, а вне времени. Человеческая сущность остается неизменной. Не хочется проводить прямую параллель с нынешним днем, потому что это будет и сегодня, и завтра. И еще через 100 лет, и через 200, и через 300».
подробнее

ДК Солдатова

Вольфганг Амадей Моцарт (1756–1791)
«Волшебная флейта», опера-зингшпиль K.620 (1791)

Либретто Эмануэля Шиканедера
Режиссер Нина Воробьева
Музыкальный руководитель и дирижер Евгений Воробьев
Оркестр musicAeterna
Солисты будут объявлены дополнительно

16+

В 1769 году тринадцатилетний Моцарт посетил раскопки храма Изиды в Помпеях. 22 года спустя Изида и Осирис стали покровителями для героев его последней оперы. "Волшебная флейта" была написана для театральной труппы Эмануэля Шиканедера, специализировавшейся на сказочно-фантастических зингшпилях, в которых юмор сплетался с любовью, волшебством и спецэффектами: в наши дни примерным аналогом таких спектаклей, по мнению режиссера Барри Коски, могло бы стать шоу Цирка дю Солей в Лас-Вегасе. Премьера "Волшебной флейты" прошла с колоссальным успехом: оперу ждали сто представлений только за первый год, два продолжения, одно из которых написал Гёте, и исторический статус одной из высочайших вершин оперного жанра.

"Волшебная флейта" - история с двойным дном. Шутовство соседствует здесь с высокой торжественностью, а орфические мифы с идеями Просвещения. Под поверхностью сказочного сюжета о спасении принцессы, попавшей в беду, скрывается интерес Моцарта и Шиканедера к теории и практике масонства. Гармонии и ритмы музыки содержат символы понятий, важных для вольных каменщиков - мудрости, братства и силы духа. Центральной темой оперы оказывается не только любовь, но и самосовершенствование, преодоление препятствий на пути к свету из духовной тьмы. Герои побеждают драконов и проходят невредимыми сквозь вулканы и водопады, чтобы обрести высшую истину. День борется с ночью, добро со злом, а в конце побеждают любовь, верность, сила духа - и, не в последнюю очередь, магия самой музыки, с помощью которой герои "весело идут сквозь темную ночь смерти", справляясь с любыми испытаниями.
подробнее

Органный зал Пермской филармонии

Эжен Изаи (1858–1931)
Шесть сонат для скрипки соло, ор. 27 (1923)
Соната № 1 соль минор, посвящена Йозефу Сигети
Grave
Fugato
Allegretto poco scherzoso
Finale; Con brio
Соната № 2 ля минор, посвящена Жаку Тибо
Obsession; Prelude
Malinconia
Danse des Ombres; Sarabande
Les furies
Соната № 3 ре минор, «Баллада», посвящена Жоржу Энеску
Lento molto sostenuto – Allegro in tempo giusto e con bravura
Соната № 4 ми минор, посвящена Фрицу Крайслеру
Allemande (Lento maestoso)
Sarabande (Quasi lento)
Finale (Presto ma non troppo)
Соната № 5 соль мажор, посвящена Мэтью Крикбуму
L'Aurore
Danse rustique
Соната № 6 ми мажор, посвящена Мануэлю Кирога
Allegro giusto non troppo vivo

18+

Эжен Изаи считался при жизни первым скрипачом мира. Критики и коллеги единодушно превозносили его за феноменальную виртуозность, тонкую выразительность и красивый звук; Пабло Казальс утверждал, что не слышал по-настоящему чисто играющего скрипача до Изаи. Крупнейшие композиторы посвящали ему сочинения. Амбициозные студенты стремились попасть в ученики. Семейная легенда гласила, что волшебная дева подарила первую скрипку в Бельгии одному из его предков, чтобы тот своей игрой пробуждал чувства и волновал сердца. Романтик и наследник семейной традиции, Изаи видел в музыке не виртуозный аттракцион, а глубокий чувственный мир. "Скрипач должен быть мыслителем, поэтом, человеческим существом, он должен познать надежду, любовь, страсть и отчаяние, должен пережить всю гамму эмоций, чтобы выразить их в своей игре", - так говорил тот, кого современники называли "королем скрипки".

Шесть сольных скрипичных сонат Изаи сочинил в июле 1923 года, всего за месяц, в порыве вдохновения. Ему было 65 лет, он был мэтром скрипичного цеха и, оглядываясь вокруг, подводил жизненные итоги. Сонаты были размышлением о самом себе и о своем месте в истории скрипичного мастерства.
подробнее
27.06 чт
18:00

Павел Милюков и Вадим Руденко: Франк, Брамс

Большой зал Пермской филармонии

подробнее
27.06 чт
21:00

Дюсапен. Passion | «Страсть» (премьера)

Дом Музыки (Литера А завода Шпагина)

подробнее

Органный зал Пермской филармонии

Сергей Ахунов (р. 1967)
Два «Эскиза» (2023) 
Павел Карманов (р. 1970)
«Шуманиана» (2018)
Иоганнес Брамс (1833–1897)
Баллады для фортепиано, оp. 10 (1854) 
I.Andante, ре минор
II. Andante, ре мажор
III. Intermezzo. Allegro, си минор
IV. Andante con moto, си мажор
Николай Метнер (1880–1951)
«Соната-воспоминание», № 1 из цикла «Забытые мотивы», ор. 38 (1919―1922)
Сергей Рахманинов (1873–1943)
Прелюдии № 7, № 4, № 10 из цикла «Десять прелюдий для фортепиано», ор. 23
(1901–1903)
Прелюдия № 8 из цикла «Тринадцать прелюдий для фортепиано», ор. 32 (1910)

6+

Варвара Мягкова – яркий феномен последнего времени. «Открыл» Варвару Мягкову пианист Борис Березовский, пригласивший ее выступить на своем фестивале «Летние вечера в Елабуге». С 2019 года ее сольная карьера стремительно развивается.

Откроет программу Увертюра во французском стиле Иоганна Себастьяна Баха – одна из тех сюит, на которых учатся юные пианисты. Об интерпретациях ключевого для пианистки композитора ее консерваторский педагог Ксения Кнорре говорила: «Мягкова уникальна. У нее есть какое-то детское удивление перед музыкой, как будто до нее никто это не играл».

Две миниатюры, созданные в 2023 году композитором Сергеем Ахуновым, в его мечтательном авторском духе, мягко избегающем любых стилевых ограничений, станут сердцевиной первого отделения концерта.
подробнее

ДК Солдатова

Вольфганг Амадей Моцарт (1756–1791)
«Волшебная флейта», опера-зингшпиль K.620 (1791)

Либретто Эмануэля Шиканедера
Режиссер Нина Воробьева
Музыкальный руководитель и дирижер Евгений Воробьев
Оркестр musicAeterna
Солисты будут объявлены дополнительно

16+

В 1769 году тринадцатилетний Моцарт посетил раскопки храма Изиды в Помпеях. 22 года спустя Изида и Осирис стали покровителями для героев его последней оперы. "Волшебная флейта" была написана для театральной труппы Эмануэля Шиканедера, специализировавшейся на сказочно-фантастических зингшпилях, в которых юмор сплетался с любовью, волшебством и спецэффектами: в наши дни примерным аналогом таких спектаклей, по мнению режиссера Барри Коски, могло бы стать шоу Цирка дю Солей в Лас-Вегасе. Премьера "Волшебной флейты" прошла с колоссальным успехом: оперу ждали сто представлений только за первый год, два продолжения, одно из которых написал Гёте, и исторический статус одной из высочайших вершин оперного жанра.

"Волшебная флейта" - история с двойным дном. Шутовство соседствует здесь с высокой торжественностью, а орфические мифы с идеями Просвещения. Под поверхностью сказочного сюжета о спасении принцессы, попавшей в беду, скрывается интерес Моцарта и Шиканедера к теории и практике масонства. Гармонии и ритмы музыки содержат символы понятий, важных для вольных каменщиков - мудрости, братства и силы духа. Центральной темой оперы оказывается не только любовь, но и самосовершенствование, преодоление препятствий на пути к свету из духовной тьмы. Герои побеждают драконов и проходят невредимыми сквозь вулканы и водопады, чтобы обрести высшую истину. День борется с ночью, добро со злом, а в конце побеждают любовь, верность, сила духа - и, не в последнюю очередь, магия самой музыки, с помощью которой герои "весело идут сквозь темную ночь смерти", справляясь с любыми испытаниями.
подробнее

Большой зал Пермской филармонии

Исполнители:
Павел Милюков, скрипка
Вадим Руденко, фортепиано

Программа:
Сезар Франк (1822—1890)
Соната для скрипки и фортепиано ля мажор, FWV 8 (1886)
Allegretto ben moderato
Allegro
Recitativo-Fantasia (ben moderato)
Allegretto poco mosso
Иоганнес Брамс (1833—1897)
Соната для скрипки и виолончели № 3 ре минор, ор. 108 (1886—1888)
Allegro
Adagio
Un poco presto e con sentimento
Presto agitato

6+

.Скрипач Павел Милюков и пианист Вадим Руденко сыграют программу из двух сочинений, принадлежащих к вершинам камерной музыки позднего романтизма. Технически изощренные и композиционно сложные, скрипичные сонаты Сезара Франка и Иоганнеса Брамса вмещают в себя широкий круг образов и эмоциональных состояний и предъявляют высокие требования как исполнителям, так и слушателям.

Франк сочинил свою единственную сонату летом 1886 года, в возрасте 63 лет. Соната была подарком к свадьбе Эжена Изаи - молодого бельгийца (как и Франк, уроженца Льежа), стремительно приближавшегося к статусу первого скрипача Европы. Сам Франк был в то время уважаемым органистом, но малоизвестным композитором - почти все сочинения, сделавшие его знаменитым, он написал в последние годы жизни. Получив рукопись утром в день свадьбы, уже вечером Изаи сыграл сонату для гостей - а через несколько месяцев дал публичную премьеру в Брюсселе, ставшую одним из немногих прижизненных композиторских триумфов Франка. В письме к автору солист обещал играть сонату "везде, где я найду пианиста, который будет также и артистом", и сдержал обещание. Помня об обстоятельствах появления сонаты, он, по собственным словам, всегда исполнял ее con amore.
подробнее

Дом Музыки (Литера А завода Шпагина)

Паскаль Дюсапен (р. 1955)
«Страсть» | Passion, опера в десяти сценах (2006–2007)

Либретто Паскаля Дюсапена и Риты де Леттерис

Режиссер Анна Гусева
Музыкальный руководитель и дирижер Теодор Курентзис
Солисты, оркестр musicAeterna, танцевальная труппа musicAeterna Dance



16+

Паскаль Дюсапен учился сочинять у Оливье Мессиана, Яниса Ксенакиса и Франко Донатони, а также занимался в Сорбонне музыковедением, искусствознанием, пластическими искусствами и эстетикой. Начав с виртуозных и гиперактивных композиций, он постепенно смягчил свой стиль, придя к простоте, гармоничности и самоограничению. В его зрелых сочинениях нет ударных инструментов (кроме литавр) и схематичных форм, их место занимает ощущение музыки как потока, гибких метаморфоз звуковых моментов. Мягкий модернистский язык, обогащенный влияниями французского фольклора, принес ему славу одного из самых успешных и востребованных композиторов современной Франции.

Passion - седьмая опера Дюсапена. Она была заказана фестивалем в Экс-ан-Провансе и впервые поставлена там в 2009 году. Десять лет спустя музыкальные критики газеты The Guardian поставили Passion на 14 место в списке важнейших сочинений XXI века. Сюжет оперы основан на мифе об Орфее и Эвридике. Безымянные герой и героиня ведут диалог на границе жизни и смерти; вся полуторачасовая опера - это сюжет конца отношений, растянутый во времени миг расставания, остановленное мгновенье. В партитуре авторскую манеру Дюсапена оттеняют влияния Монтеверди и французского барокко. Музыка, которую сам композитор описывает как "эмоциональное путешествие", гибко следует за динамикой чувств: в ней сменяют друг друга радость, страх, желание, боль, экстаз, печаль, гнев и любовь. Неотъемлемой частью постановок Passion является также и пластика - как в операх раннего барокко, танец здесь взаимодействует с пением и сливается с ним в едином ансамбле.
подробнее
28.06 пт
19:00

Дюсапен. Passion | «Страсть» (премьера)

Дом Музыки (Литера А завода Шпагина)

подробнее
28.06 пт
22:00

МАСМ: «Плачи и гимны»

Органный зал Пермской филармонии

подробнее
29.06 сб
21:00

Дюсапен. Passion | «Страсть» (премьера)

Дом Музыки (Литера А завода Шпагина)

подробнее

Дом Музыки (Литера А завода Шпагина)

Паскаль Дюсапен (р. 1955)
«Страсть» | Passion, опера в десяти сценах (2006–2007)

Либретто Паскаля Дюсапена и Риты де Леттерис

Режиссер Анна Гусева
Музыкальный руководитель и дирижер Теодор Курентзис
Солисты, оркестр musicAeterna, танцевальная труппа musicAeterna Dance

16+

Паскаль Дюсапен учился сочинять у Оливье Мессиана, Яниса Ксенакиса и Франко Донатони, а также занимался в Сорбонне музыковедением, искусствознанием, пластическими искусствами и эстетикой. Начав с виртуозных и гиперактивных композиций, он постепенно смягчил свой стиль, придя к простоте, гармоничности и самоограничению. В его зрелых сочинениях нет ударных инструментов (кроме литавр) и схематичных форм, их место занимает ощущение музыки как потока, гибких метаморфоз звуковых моментов. Мягкий модернистский язык, обогащенный влияниями французского фольклора, принес ему славу одного из самых успешных и востребованных композиторов современной Франции.

Passion - седьмая опера Дюсапена. Она была заказана фестивалем в Экс-ан-Провансе и впервые поставлена там в 2009 году. Десять лет спустя музыкальные критики газеты The Guardian поставили Passion на 14 место в списке важнейших сочинений XXI века. Сюжет оперы основан на мифе об Орфее и Эвридике. Безымянные герой и героиня ведут диалог на границе жизни и смерти; вся полуторачасовая опера - это сюжет конца отношений, растянутый во времени миг расставания, остановленное мгновенье. В партитуре авторскую манеру Дюсапена оттеняют влияния Монтеверди и французского барокко. Музыка, которую сам композитор описывает как "эмоциональное путешествие", гибко следует за динамикой чувств: в ней сменяют друг друга радость, страх, желание, боль, экстаз, печаль, гнев и любовь. Неотъемлемой частью постановок Passion является также и пластика - как в операх раннего барокко, танец здесь взаимодействует с пением и сливается с ним в едином ансамбле.
подробнее

Органный зал Пермской филармонии

Артур Лурье (1891–1966)
«Плач Богородицы». Фрагмент благочестивой песни XIII века» | Pleurs de la Vierge Marie. Fragment d’une chanson pieuse du XIII siècle для голоса, скрипки, альта и виолончели, ор. 26 (1915).
Перевод со старофранцузского Михаила Кузмина
Альфред Шнитке (1934–1998)
«Гимны» для камерно-инструментального ансамбля (1974–1979)
Гимн № 1 для виолончели, арфы и литавр
Гимн № 2 для виолончели и контрабаса
Гимн № 3 для виолончели, фагота, клавесина и колоколов
Гимн № 4 для виолончели, фагота, клавесина, арфы, литавр, колоколов и контрабаса
Алексей Сысоев (р. 1972)
«Сиротиночка» для сопрано, камерного ансамбля и электроники на текст русского северного народного плача (2023, премьера)

12+

В программе "Плачи и гимны" Московского ансамбля современной музыки композиторы трех поколений русского авангарда вступают в диалог, исследуя сокровенный мир глубинных человеческих переживаний: ритуального страдания, эйфории и духовного опыта.

Первый авангард представлен фигурой Артура Лурье - денди и богемного эстета, который бросил учебу в Петербургской консерватории, чтобы строить утопическое будущее новой музыки. В первой половине 1910-х годов Лурье дружил с Маяковским, Хлебниковым, Татлиным и Ахматовой, носил вызывающие костюмы и был фактическим музыкальным руководителем кабаре "Бродячая собака", легендарного места встреч столичных футуристов. В своих радикальных опусах он экспериментировал с атональностью, микрохроматикой и необычной записью нот. На их фоне "Плач Богородицы" на старофранцузский текст в переводе Михаила Кузмина удивляет, скорее, своей традиционностью. Экспрессивные диссонансы лишь оттеняют здесь тонкую лирику, в которой слышно знакомство автора, принявшего католичество в 1913 году, с церковным обиходом.
подробнее

Частная филармония «Триумф»

Концерт-читка

Автор проекта и литературно-сценической адаптации Ксения Ануфриева

Вокальный ансамбль N’Caged
Арина Зверева
Анастасия Полянина
Ольга Россини
Сергей Малинин
Илья Лаптев

12+

Вокальный ансамбль N’Caged, созданный Ариной Зверевой в 2013 году, широко известен интерпретациями современной музыки, часто написанной специально для этого коллектива. С 2015 года солисты ансамбля участвуют в постановках Электротеатра Станиславский, получая за свои работы номинации и премии «Золотая маска». Камерные, в том числе, site-specific и музейные проекты также занимают большое место в работе ансамбля.

Новый формат — концерт-читка — появился как раз в этом русле. Проект был вдохновлен выставкой «Названо Вазари. Маньеризм», которая проходила в Волго-Вятском филиале ГМИИ им. А.С. Пушкина (Арсенал, Нижний Новгород) с осени 2023 по весну 2024 года. Ксения Ануфриева — музыковед и куратор междисциплинарных проектов — положила в основу концерта-читки детективно-психологический рассказ аргентинского классика ХХ века Хулио Кортасара «Клон». Герои рассказа — участники вокального ансамбля. Они исполняют музыку сложнейшего композитора конца XVI века, Карло Джезуальдо да Веноза. Одна из героинь, стремясь выразить уровень музыкального единства в ансамбле, произносит слово «клон»: чтобы петь Джезуальдо, нужно быть клонами друг друга, чувствовать музыку как один человек. Но возможно ли это? Сложные взаимоотношения в ансамбле полифонически накладываются на рассуждения о Джезуальдо, прославленного не только музыкальными прозрениями, но и двойным убийством из ревности: «Кажется, все завертелось из-за Джезуальдо: имел ли он право делать то, что сделал, или должен был наказать самого себя, вместо того чтобы мстить жене? В перерыве между репетициями спустились в бар отеля немного отдохнуть, Паола спорила с Лючо и Роберто, остальные играли в канасту или разошлись по комнатам. Он прав, настаивал Роберто, что тогда, что сейчас, жена его обманула, и он ее убил...».

Диалоги персонажей-музыкантов читают вокалисты —  участники ансамбля N'Сaged. Как и события рассказа, его чтение перемежается пением мадригалов  «хроматического гения» Джезуальдо, а также одного из главных почитателей его гения в наши дни — Сальваторе Шаррино. Сочинения композитора XXI века вносят в полифоническую историю еще один пласт — образ современности, вслушивающейся и в классику литературы ХХ века, и в маньеристские лабиринты музыки XVI столетия.
подробнее

Дом Музыки (Литера А завода Шпагина)

Паскаль Дюсапен (р. 1955)
«Страсть» | Passion, опера в десяти сценах (2006–2007)

Либретто Паскаля Дюсапена и Риты де Леттерис
Режиссер Анна Гусева
Музыкальный руководитель и дирижер Теодор Курентзис
Солисты, оркестр musicAeterna, танцевальная труппа musicAeterna Dance



16+

Паскаль Дюсапен учился сочинять у Оливье Мессиана, Яниса Ксенакиса и Франко Донатони, а также занимался в Сорбонне музыковедением, искусствознанием, пластическими искусствами и эстетикой. Начав с виртуозных и гиперактивных композиций, он постепенно смягчил свой стиль, придя к простоте, гармоничности и самоограничению. В его зрелых сочинениях нет ударных инструментов (кроме литавр) и схематичных форм, их место занимает ощущение музыки как потока, гибких метаморфоз звуковых моментов. Мягкий модернистский язык, обогащенный влияниями французского фольклора, принес ему славу одного из самых успешных и востребованных композиторов современной Франции.

Passion - седьмая опера Дюсапена. Она была заказана фестивалем в Экс-ан-Провансе и впервые поставлена там в 2009 году. Десять лет спустя музыкальные критики газеты The Guardian поставили Passion на 14 место в списке важнейших сочинений XXI века. Сюжет оперы основан на мифе об Орфее и Эвридике. Безымянные герой и героиня ведут диалог на границе жизни и смерти; вся полуторачасовая опера - это сюжет конца отношений, растянутый во времени миг расставания, остановленное мгновенье. В партитуре авторскую манеру Дюсапена оттеняют влияния Монтеверди и французского барокко. Музыка, которую сам композитор описывает как "эмоциональное путешествие", гибко следует за динамикой чувств: в ней сменяют друг друга радость, страх, желание, боль, экстаз, печаль, гнев и любовь. Неотъемлемой частью постановок Passion является также и пластика - как в операх раннего барокко, танец здесь взаимодействует с пением и сливается с ним в едином ансамбле.
подробнее